Historia del Arte - Amparo Santos.

¿Qué es el impresionismo?...

2012-02-11T17:00:00.000Z

De representar las cosas como sabemos que son -conocimiento intelectual- a representar la móvil apariencia con que las reciben los sentidos, sometidas a todas las influencias del medio -conocimiento experimental-, es la distancia que hay de Courbet a los impresionistas.

Las novedades técnicas y teóricas que éstos traen exigen un estudio detallado, pero bueno es advertir que al movimiento impresionista no le faltan antecedentes. Rembrandt, Velázquez, Hals, Watteau, Fragonard, Goya, Delacroix, el mismo Courbet, y aún antes, los venecianos, habían venido preocupándose por la luz y sus efectos sobre las cosas. Muy cerca están también tres pintores ingleses, que, por el énfasis que dan a la luz, adelantan el primer postulado del impresionismo; Richard Bonintong (1802-1828) y sus compatriotas Turner y Constable.

Pero en estos años de la segunda mitad del siglo XIX, con los descubrimientos que hace la física sobre la naturaleza de la luz, cuando se despierta en los pintores un interés más vivo sobre los fenómenos luminosos y su aplicación a la pintura.

La luz es el vehículo necesario de toda impresión visual, por lo que es lógico que constituya la primera y principal preocupación del pintor. Es la luz solar la que, cayendo con mayor o menor inclinación, con intensidad distinta, directa o reflejada, sobre las cosas, engendra la ilusión del color y de la línea, que es inherente al fenómeno de diferenciación de los colores. De manera que lo que nosotros vemos, en rigor, no son los objetos sino las manchas coloreadas -atmósfera, luz- que las envuelven y que es lo que hay que pintar, pues es lo cierto que, a pesar del carácter irreal de la impresión, para el pintor tiene el mismo valor que la realidad objetiva.

Como resultado de esta teoría, la técnica pictórica sufrió una profunda transformación. Puesto que la retina viene a ser el laboratorio donde los colores, que llegan separados, se unen y combinan según leyes de simpatía para dar la sensación última, se hacía innecesaria loa mezcla en la paleta, y bastaba, para el fin propuesto, su yuxtaposición, observando las leyes de complementariedad y contraste.

En consecuencia, los impresionistas compusieron una paleta de colores puros, desterrando los tonos oscuros, neutros y grises que no aparecen en el espectro solar, con lo que el resultado es una pintura luminosa, de tonalidades vivas y claras. El procedimiento tiene, además, una indudable ventaja: la de que, realizándose la mezcla con luz coloreada, el tono resultante es de una limpieza que jamás la puede lograr la mezcla física de los pigmentos.

Como todo este maravilloso mundo coloreado, para hacerse visible, requería la colaboración de la luz libre, los impresionistas se dedicaron, sobre todo, al paisaje, dando origen a la pintura llamada “plenairista” o “al aire libre”.

Aunque como ya se ha advertido, hay antecedentes en distintas épocas y países, el impresionismo como escuela puede decirse que nació en Francia, cuando un grupo de pintores empezó a interesarse en los problemas de la luz y quiso aplicarlos a sus pinturas, formulando unas reglas que pueden definirse así:

El pintor debe pintar lo que ve, la sensación que reciben sus ojos, aunque sepa que las cosas son de otra manera a como las percibe. Es la impresión visual lo que hay que transmitir.

Las cosas no tienen color propio, sino que es la luz la que lo engendra y presenta como una apariencia real.

Por tanto la luz, las condiciones con que se produce, influirán decisivamente en el aspecto sensible de las cosas. La atmósfera, el día, la estación, etc.. cambian los colores, de tal modo que las cosas no son iguales a sí mismas en ningún momento.

Los colores, modulados y desdoblados en matices y tonos más claros o más oscuros, sirven para sugerir la forma de los objetivos y la distancia. La línea, el contorno cerrado y bien perfilado, no tienen sentido para los impresionistas.

En la naturaleza no existe el negro, por lo que las sombras más oscuras tendrán cierto grado de claridad, proveniente de los reflejos de las cosas circundantes y del aire atmosférico que las envuelve. El efecto general será, pues, de gran claridad.

Por virtud de las leyes de complementariedad, las partes no iluminadas directamente tendrán tonalidades violetas. Los efectos luminosos, por lo tanto, se basarán en el contraste binario: amarillo-morado.

Para lograr la limpia intensidad de la luz real, los colores no se mezclan en la paleta, sino que se aplican separadamente buscando el tono adecuado por medio de la combinación óptica. De aquí que los impresionistas trabajasen con una serie de colores limitada a los del espectro solar, o sea, rojos, amarillos, violetas, azules y, en menos proporción, el blanco.

"Los picapedreros", Gustave Courbet...

2012-02-10T19:00:00.000Z

La falta de intervención en la realidad por parte del pintor (que representa la escena sin corregirla, componerla o juzgarla) provocaba el rechazo de una obra realista. En este sentido, una de las más escandalosas fue “Los picapedreros”, considerada además posteriormente como "revolucionaria" por la historiografía marxista al considerarla uno de los ejemplos más prematuros y significativos de la ascendencia del proletariado al mundo elitista del arte. Pero el qué pinta no es, sin embargo, tanto la causa de su innovación como el cómo lo hace.

Los modelos para "Los Picapedreros" fueron unos obreros que Courbet vio cuando iba al castillo de Saint-Denis para pintar un paisaje y que llevó a su taller donde posaron para él. En la tela el artista representa a dos trabajadores camineros, uno viejo y el otro joven, dos hombres anónimos a los que no se les ve el rostro, por lo tanto no expresan nada, ni una idea o emoción. A través de sus cuerpos se aprecian características físicas como fuerza, pesadez, un estado de seriedad o algo de pesadumbre. Su postura sugiere monotonía e indiferencia, producto del trabajo monótono que realizan. La naturaleza pintada hacia el horizonte no es luminosa ni atractiva, para no distraer al espectador de las figuras centrales.

Otra vez el distanciamiento nos permite ser testigos imparciales: vemos lo que hay y cómo se muestra sin mediaciones. Para ello, Courbet, como un fotógrafo, selecciona el lugar, el instante y el asunto a representar, pero no lo encaja en el artificio de "un tema" ordenando previamente el material.

La composición no está académicamente estudiada para distribuir de un modo equilibrado las cosas allí representadas; tan solo congela un momento de la actividad laboral.

Para Courbet, "la pintura es esencialmente un arte concreto y no puede consistir más que en la representación de las cosas reales y existentes". Sin embargo, lo que muestra es suficiente como para que el cuadro se convierta en un manifiesto político-visual que denuncia las condiciones deplorables de estos trabajadores anónimos y reales, condenados de por vida -obsérvese que ha incluido dos generaciones: la más joven seguirá inevitablemente a la más vieja- a un trabajo del que difícilmente puede enorgullecerse una sociedad esperanzada en el progreso y embaucada en la aventura industrial.

Historia de los picapedreros...

2012-02-10T18:30:00.000Z

PICAPEDREROS DEL SIGLO XXI.

Manuel Cabrera Espinosa y Juan Antonio López Cordero.
Aunque en nuestros días el oficio de picapedrero ha llegado a estar en vías de extinción sus orígenes son antiquísimos, pues la piedra ha sido trabajada por el hombre casi desde los inicios de su existencia.

Pero fundamentalmente desde que nuestros antepasados decidieron dejar la caza, y con ello el nomadismo, para comenzar a domesticar a los animales, dando lugar a la aparición de los asentamientos fijos y por tanto al sedentarismo. Ya durante el Neolítico llegaron los excedentes alimentarios dando lugar a la llamada “ Revolución urbana" y con ella surgió el auge de la construcción.

En las construcciones el hombre echaba mano de los materiales que tenían a su alcance y que por su composición podían ser más duraderos, entre ellos la piedra ocupó un lugar preponderante. Con la evolución de la construcción los picapedreros o trabajadores de la piedra se fueron especializando llegando a ser una profesión muy considerada, hasta el punto que tanto en la civilización egipcia como en la griega y romana los obreros de las grandes construcciones eran esclavos y sin embargo los canteros o picapedreros eran profesionales libres con una consideración social más que apreciable.

Tampoco debemos de olvidar la importancia de los canteros en la creación de nuestras iglesias y catedrales después de la reconquista. Y el poder que ostentaron desde el siglo XI, primero con sus cofradías y posteriormente con los gremios, creados en defensa de la profesión, a partir de una rígida reglamentación y distinguiendo entre las categorías de aprendices, oficiales y maestros.

Pero creemos que no es necesario recurrir a los famosos canteros que han participado en la construcción de las pirámides o en labrar las piedras de nuestras maravillosas iglesias, catedrales o edificios civiles dejando su firma en cada una de ellas, para encumbrar esta profesión. Como si lo importante, trascendental o significativo sólo lo pudiéramos encontrar en las obras majestuosas.

Estamos convencidos que también han sido fundamentales las pequeñas construcciones en piedra, trabajo que podemos decir que ha llegado a constituir uno de los pilares básicos de la historia humana. Nos estamos refiriendo al inmenso trabajo llevado a cabo por los pedreros sin firma. Aquellos que han llenado con su conocimiento, trasmitido de generación en generación, tanto nuestros campos con sus trabajos de piedra en seco, en su descomunal esfuerzo de humanizar la naturaleza, como su participación en la creación de nuestros pueblos y aldeas a través de la construcción de viviendas que han servido de cobijo y a la vez han sido la forma de expresión de las relaciones sociales de su tiempo y su contexto. Y que en un oficio duro, pero reconocido, han perdurado hasta que la llegada de la técnica y los nuevos materiales de construcción los ha hecho casi desaparecer.

Porque hasta no hace demasiado tiempo la construcción era pura artesanía, incluso podemos decir que era pura manifestación cultural que enclavada en su contexto histórico y social nos habla de la estructura de la sociedad en que se desarrollaba. Nos relata, con la imagen de sus formas, las relaciones sociales, las creencias, las vivencias, en definitiva las formas en que una comunidad vivía, se relacionaba y estaba estructurada.

Y es que no podemos olvidar que tanto el pequeño y redondo chozo de piedra en seco en medio de nuestras sierras de un pastor, como la gran casona rectangular de tres plantas que se asoma a la plaza mayor y a la iglesia de nuestras aldeas, son auténticos libros abiertos que con igual importancia, a pesar de su distinto tamaño, nos muestran las interrelaciones de un grupo humano. Aquellas que les hicieron creer y vivir de una determinada forma, pero también han sido aquellas que han influido para configurar nuestro presente y que influirán en cierta medida en la ordenación de nuestro futuro.

Vídeo: La Construcción Tradicional III. LA PIEDRA: La cantería en el Pirineo - La cantera de granito - La piedra de marés - La piedra negra de Caratorao - El cantero -La piedra rosa de Sepúlveda.

Gustave Courbet...

2012-02-09T12:30:00.000Z

Gustave Courbet es el máximo representante del Realismo francés. Nació en Ornans en 1819, trasladándose a París con 20 años y realizando en esa capital su formación artística, copiando obras en el Louvre y trabajando en la Academia Suiza.

Caravaggio, Rembrandt, Velázquez y la Escuela veneciana fueron sus maestros, desarrollando un estilo naturalista aunque adaptado al siglo XIX, representando escenas de la vida cotidiana, retratos, desnudos o paisajes.

Courbet participó abiertamente en la Revolución de 1848, ganándose la reputación de artista peligroso, tanto por su actitud como por su pintura. Siempre rechazó la idealización del arte, proclamando que sólo el Realismo era genuinamente democrático, debiéndose tomar como modelos a los campesinos y trabajadores.

Al participar en la Comuna de París fue encarcelado y multado, por lo que decidió exilarse a Suiza en 1873.

Ejerció una notable influencia sobre los pintores impresionistas por su intransigencia frente al academicismo. En Suiza se dedicó a realizar, junto a una gran cantidad de colaboradores, paisajes suizos casi en serie para poder pagar al Estado francés la multa impuesta. Sería en Suiza donde fallecería Courbet en 1877.

Vídeo: GUSTAVE COURBET, ACTIVISTA DEMÓCRATA -"ORIGEN DEL MUNDO". Gustave Courbet (Ornans, Francia, 1819 - La Tour-de-Peilz, Suiza, 1877) fue un pintor francés, máximo representante del realismo, y comprometido activista democrático. "LOrigine du monde"-Gustave Courbet . (1866). Famosísimo desnudo femenino. El 26 de junio de 1995 se exponía por primera vez, en el Musée d'Orsay de París, L'origine du monde (El origen del mundo), una tela de Gustave Courbet pintada entre 1865 y 1866 y que llevaba 130 años oculta, sólo accesible a la mirada de sus sucesivos compradores.

Pintura Realista...

2012-02-08T18:00:00.000Z

“La pintura es una parte de la conciencia social, un fragmento del espejo en el cual las generaciones se contemplan una y otra vez, y como tal, debe seguir a la sociedad paso a paso” (Castagnary).

El denominado realismo pictórico surge como oposición a las corrientes idealistas y románticas que se impusieron durante la primera mitad del siglo XIX. Propugna la exposición de la realidad objetiva y, del momento presente, con representación de escenas de la vida cotidiana, protagonizadas generalmente por campesinos y obreros, y con adquisición de una importancia preponderante del paisaje. Se trata de una forma de manifestación artística, centrada en Francia, que determina la transición hacia el impresionismo y el simbolismo.

Los grandes maestros:

Por su unidad de presupuestos estéticos, la escuela pictórica realista es probablemente una de las mejor definidas durante la segunda mitad del siglo XIX, época en la que otros movimientos como el impresionismo crearon líneas evolutivas diferentes que dieron lugar a cierta confusión en su ordenación.

Éste no es el caso de los pintores realistas, entre los que se diferencian las siguientes personalidades relevantes:

Gustave Courbet (1819-1877) es la primera gran figura del realismo pictórico francés. Creó el término cuando organizó la exposición «El Realismo» en un pabellón anexo a la Exposición Internacional de París de 1855, que había rechazado una de sus obras.

Jean-François Millet (1814-1875) caracteriza su obra por el desarrollo de escenas de la vida campesina, con un tratamiento rudo y esforzado, alejado del halo de ingenuidad que anteriormente era propio de la representación de la actividad en el ámbito rural.

Honoré Daumier (1808-1879) crea obras de temática esencialmente urbana, con representación en tonos oscuros de personajes proletarios y humillados. Destaca su innovadora concepción del dibujo, con trazo denso y distorsión de las figuras, y que hace aparecer su obra gráfica entre los antecedentes de la caricatura como género.

Los Viajes de Aileen... "Barcelona, paso a paso".

2012-02-07T22:10:00.000Z

Nuestra amiga y compañera Aileen, nos ha enviado este reportaje fotográfico de su visita a Barcelona; disfrutemos con su regalo.

Marianne y la divisa de la República Francesa...

2012-02-07T19:00:00.000Z

La Gaceta de Cyrano.

Marianne encarna la República francesa. Marianne representa la permanencia de los valores que fundan la adhesión de los ciudadanos a la República: "Libertad, Igualdad y Fraternidad".
Unas veces empleado por los adversarios del régimen republicano y otras por sus defensores, el nombre de Marianne (Marie-Anne), popular, es el símbolo de una República construida mediante la progresiva adhesión a la divisa de todos los ciudadanos.

Marianne se convirtió paulatinamente en la representación de la madre patria más fácil de compartir, unas veces fogosa y guerrera y otras pacífica y sustentadora.

El origen de la imagen de La Marianne data de la Antigüedad. El gorro frigio era utilizado por los libertos del Imperio Romano, esclavos a los cuales su amo devolvió la libertad y cuyos descendientes se consideraron por este motivo como ciudadanos del Imperio. La Democracia ya se representaba bajo rasgos femeninos; a sus pies un timón y un saco de trigo volcado a la mitad; poco interesada por el poder, su preocupación principal reside en efecto en las aspiraciones del pueblo.

A partir de 1789, las esculturas y los cuadros representarán personajes femeninos que llevan con ellos los valores de la Revolución francesa y en cuyo primer lugar está situada la Libertad. La Libertad aparece bajo los rasgos de una joven, que lleva un vestido corto y que sostiene en su mano derecha una pica adornada con el gorro frigio. Es una guerrera que simboliza la idea de que la libertad se adquiere por las armas. En ocasiones, esta imagen de la Libertad aparece más sensata, más grave, vestida con una túnica larga y una postura más serena. En este caso pierde muchos de sus atributos entre los cuales el gorro frigio, usado por los revolucionarios. Marianne se encuentra a menudo armada y con casco, como la Atenea griega.

Después de 1799, el fin de la República y la instauración del régimen del Imperio conllevan un debilitamiento de la representatividad de Marianne, pese a la vivacidad persistente del tema de la Libertad. Múltiples artistas la perpetúan, entre los cuales cabe hacer especial mención de Eugène Delacroix en "La liberté guidant le peuple aux barricades" ("La Libertad guiando al pueblo en las barricadas") de 1830.El nombre de Marianne vuelve a aparecer por un tiempo con la Segunda República pero a menudo adopta un sentido peyorativo. Los partidarios de la República social, "los rojos", recuperan el nombre. Simultáneamente, en 1848 se organiza un concurso a fin de definir la representación de la nueva República en la cual habrían de reaparecer los valores revolucionarios.

Al proclamar el régimen del Imperio en 1852, Napoleón III ordenó la substitución de la imagen de Marianne en las monedas y en los sellos de correos por su propia efigie. Paralelamente, se constituyen grupos de oposición republicanos y adoptan La Marianne como símbolo de adhesión.

Una vez reinstalada la República, la Comuna de París desarrolló el culto de la combatiente revolucionaria con el busto desnudo que lleva el gorro frigio rojo de los sans-culotte (revolucionarios franceses de 1792). Mas en París nunca se le llamó Marianne y el nombre sólo se utilizó en las provincias. En cada ciudad, estatuas y campanas llevan ese nombre y evocan los grandes momentos revolucionarios: 1789, 1830 y 1848.

En el siglo veinte, todos los ayuntamientos se dotan progresivamente de un busto de Marianne que a partir de ese momento llevará sistemáticamente el gorro frigio y estará libre de sus otros atributos (pabellón de armas, nivel o balanza).

Marianne se representa de una manera sumamente depurada. Las últimas representaciones en boga en los ayuntamientos actuales, son aquellas que adoptan los rasgos de Brigitte Bardot, de Catherine Deneuve y de Laetitia Casta. Al margen de las representaciones oficiales, proliferan representaciones libres, los caricaturistas se adueñan de Marianne como la imagen símbolo de la Nación.
Hoy, la asimilación de la República francesa a "La Marianne" es un hecho. Marianne ha sobrevivido a cinco Repúblicas y a las vicisitudes de la historia, fortaleciendo su poder simbólico a medida que se reafirmaba la idea de la nación francesa. (...)

Vídeo: Delacroix.

Delacroix from Philip Scott Johnson on Vimeo.

La bandera de Francia, su historia...

2012-02-06T21:00:00.000Z

Historia en la guía 2000.
La actual bandera que ondea en el estado francés, tuvo su origen en las ideas liberales de la Revolución Francesa de 1789, y sus colores y diseño se debieron a la inspiración del marqués de Lafayette, quien dispuso que se adoptara como insignia patria, un emblema de tres colores verticales: el rojo junto al asta, en el medio el blanco y azul al otro extremo. Durante el mandato de la Primera República, el 15 de febrero de 1794, respetándose los colores, se varió el orden de las franjas, dejando en medio la blanca, pero invirtiéndose la roja con la azul, quedando ésta junta al asta, siguiendo los consejos del famoso pintor revolucionario, amigo de Robespierre, Jacques-Louis David.

El blanco representaba a la monarquía, y el rojo y el azul a la ciudad de París, que se habían mostrado en la escarapela que lucían los integrantes de las milicias de la guardia nacional, y que incluso lució el rey Luis XVI.

Con la derrota de Napoleón, y la asunción de los borbones al trono francés, la bandera tricolor fue reemplazada por la tradicional de la monarquía, que era blanca y con una flor de lis. Esto perduró hasta 1830, cuando el monarca constitucional Luis felipe de Orleáns, volvió a imponer la bandera roja, azul y blanca, que perduró hasta nuestros días. Esa bandera tenía además, un gallo, símbolo de Francia.

Con el derrocamiento de Luis Felipe, y el establecimiento de la Segunda República, la bandera tricolor continuó siendo la oficial, aunque el pueblo prefirió identificarse con la roja de la revolución.

En el gobierno de la Tercera República ya no hubo discusión en el uso de la bandera tricolor.Durante el período revolucionario de 1848 el gobierno provisional adoptó la bandera tricolor; el pueblo, en cambio, prefirió enarbolar la bandera roja en las barricadas, para marcar la fuerza de su rebelión. (...)

Eugène Delacroix (1798-1863)...

2012-02-04T18:00:00.000Z

Delacroix fue un artista de gran éxito en su época, guardando aún su obra alguna reminiscencia del Clasicismo a la vez que del Romanticismo más claro. Siendo un supuesto hijo de Talleyrand, estudio también con Guérin, especializándose en 1815 en cuadros de grandes dimensiones. Conoció a Géricault en 1817, quien influirá en su pintura.

Delacroix estudió a los grandes maestros del Barroco en el Louvre, interesándose por los grandes artistas venecianos y por Rubens y Rembrandt; también conoce la producción contemporánea, especialmente la de los ingleses Bonington y Constable, y la obra de pintores próximos como Wappers, y le influyen Turner y los retratistas ingleses, de Reynolds a Lawrence.

En 1825 viajó a Inglaterra, yendo en 1832 a Marruecos, donde se pone en contacto con el colorismo, la sensualidad y la luz de la pintura norteafricana. En 1833 recibe la protección del primer ministro Thiers. En 1847 visita a Corot, pintor realista, a quien admirará, pero seguirá pintando grandes encargos decoraciones y no obras realistas. En estos momentos también le influirá notablemente Poussin.

Delacroix escribió un diario, en el que se presentan vínculos con el Impresionismo "las sombras de un objeto son del color complementario a éste". Entra también en contacto con Chopin, a quién retratará, así como con otros músicos.

Obras: “La barca de Dante” (1822, Louvre, París), “La matanza de Quíos” (1824, Louvre, París), “La muerte de Sardanápalo” (1827, Louvre, París), “La libertad guiando al pueblo” (1830, Louvre, París), “Mujeres de Argel” (1834, Louvre, París), “El soldado de Marruecos” (1845, Museo de Toulouse)...

Théodore Géricault, (1791 - 1824)...

2012-02-03T11:30:00.000Z

Una biografía peculiar:

Siempre se ha dicho que Géricault encarna el Romanticismo temperamental. Él es el prototipo de hombre romántico de proponía Stendhal, el romántico típico y tópico al modo de Byron. Nace en el seno de una familia acomodada, pronto queda huérfano, lleva siempre una vida inquieta, azarosa y de aventuras. Su vida fu muy corta, ya que muere a los 33 años.

A Géricault lo podemos encuadrar en el marco de Gros por el dinamismo de una línea que recuerda a Rubens, por el color y los temas épicos. Su relación con la pintura es casual. Se hizo pintor porque era la mejor salida a su impulso. Su formación es muy irregular. Las primeras enseñanzas que recibió fueron muy elementales por parte de un pintor de batallas bastante mediocre. Luego pasó por el taller de Guerin, donde termina su formación irregular. Desde el principio dio muestras de rebeldía y no respetaba las reglas. Aunque su maestro fuera tolerante, pronto se dio cuenta de que su pasión por lo excesivo, y la pincelada empastada, lo que revelaba un marcado temperamento.

En 1816 marcha a Italia, lo hizo así porque dejó embarazada a una tía suya y le dio miedo las consecuencias que pudiera tener este amor prohibido. En Italia era absurdo el que se presentara a concursos ya que no respetaba ninguna norma. Allí, se fija en carreras populares de caballos. También observa nuevas formas de vida, en definitiva es un flâneur. Se preocupa más de la observación que de asuntos formales, lo cual le otorga gran libertad.

En Italia queda fascinado por la figura de Miguel Ángel, le maravilló la Capilla Sixtina. También quedó impresionado por Caravaggio. En 1820 ,Géricault va a Londres. Allí pasó un año largo, le impactó el arte de Constable, también la pintura de caballos de Stubbs. La pasión por los caballos en Gran Bretaña, estimula su arte. Regresa a Francia hacia 1821-1822, enferma, se cree que de cáncer de huesos. Vive alejado del mundo con visión trágica y pesimista de la vida. Así deriva hacia lo descarnado pintando retratos de gente enferma.

Entre sus obras destacan: “La muerte de Hipólito”, “La captura del caballo salvaje”, “La balsa de la Medusa”…

Vídeo: La Balsa de la Medusa (Le Radeau de la Méduse) - Theodore Gericault - 1818.

El 2 de julio de 1816 una fragata francesa encalló cerca de Marruecos. No habían suficientes botes salvavidas. Los restos del navío formaron la única balsa que mantuvo a 149 personas. La tempestad los arrasó a mar abierto por mas de 27 días sin rumbo. La experiencia impresionó al pintor Theodore Gericault que lo plasmó en estas reflexiones sobre lo profundo del alma humana y nuestras reacciones en los momentos límites de la vida.

Romanticismo: Gericault y Delacroix...

2012-02-01T18:00:00.000Z

En el siglo XIX se producen dos movimientos opuestos en la pintura:

· Pintura neoclásica: se basa en la razón.

· Pintura romántica: se basa en los sentimientos.

Los primeros años del siglo XIX estuvieron dominados por la vertiente neoclásica. El cambio se produjo cuando los filósofos alemanes, como Kant, empezaron a hablar de lo subjetivo y del sentimiento.

No hay una filosofía del romanticismo definida, ni tampoco cronología exacta. Es una consecuencia de una nueva sensibilidad y una nueva forma de ver la sociedad donde se aspira a nuevas formas de expresión y ya se han liberado las estructuras sociales en la que ese nuevo hombre que surge se asienta.

Además, hay una exaltación épica de las grandes victorias napoleónicas (ya que las derrotas finales no logran empañarlo). Como consecuencia surge el mito del hombre.

Los artistas y poetas se emocionan con la posibilidad de representar lo subjetivo, que puede ser la exaltación del héroe, o luego, con las derrotas, la exaltación del combatiente.

Por tanto, el arte romántico surge a consecuencia del giro y del cambio. Nace como un arte revolucionario, que aspira a conseguir cambios sociales, culturales, políticos...

Los más importantes son Teodoro Gericault y Eugène Delacroix.

Teodoro Gericault:

Teodoro Gericault atesora las características típicas del pintor romántico:

· Es un artista disconforme con su entorno.

· Tiene una personalidad melancólica.

· Se encierra en la incomprensión, cayendo a veces en la locura.

· Tiende a la crítica de lo que le rodea.

Gericault tuvo una infancia difícil. La revolución acrecentó este malestar, lo que despertó en él un carácter sensible.

Marchó a París a corta edad y allí asistió al taller de un pintor enteramente clasicista, con el que no se identificó.

Acudió a diferentes sesiones de París, donde descubrió a Goya, cuya técnica le fascinó y también admiró el tenebrismo de Caravaggio.

Eugène Delacroix:

Delacroix es el pintor romántico por excelencia. Es la personalidad de un artista extraordinariamente culto, con buena fama en el ambiente artístico.

Fue el prototipo de artista inquieto cuyo valor se le fue reconocida en vida.

Se esforzó por mejorar los procedimientos pictóricos, la técnica de mezcla., etc.

Lo que mejor expresa es el intento de perfección con que Dante expresó el sentimiento profundo del dolor, del sentimiento exaltado...

Delacroix es el único pintor que representa en su época las pasiones de la época: liberalismo revolucionario, pesimismo byroniano, filohelenismo (pasión por Grecia) y orientalismo contemporáneo.

"Aquelarre", Francisco de Goya y Lucientes...

2012-02-01T15:00:00.000Z

El cuadro representa, como su propio nombre indica, un aquelarre (reunión o invocación al demonio) en el que bastantes brujas rinden culto a éste, situado a la izquierda del cuadro.

Su composición es simétrica ya que están sentadas en círculo (composición similar a "La gallinita ciega").

Podríamos decir que el centro de esta composición lo forma la mujer del pañuelo blanco a cutos lados se encuentra el demonio el cual destaca en la escena por su tamaño y su enorme mancha negra) y una mujer sentada en la silla (el retrato de Leocadia, amante de Goya, no demasiado favorecida al encontrarse junto a las brujas.

Como en la mayoría de sus Pinturas Negras, Goya, utiliza una paleta sucia (varios colores mezclados con negro). La pincelada es muy suelta, pero en algunas figuras Goya realiza el contorno con líneas bastante finas, como por ejemplo la figura de la izquierda. Todo esto hace crear una escena de terror, macabra.

La luz es expresiva, da fuerza, energía a la imagen, y se centra en las figuras de delante, donde tiene mayor movimiento la escena. Nos permite ver con mucho realismo en la escena y percibir el morbo de la situación junto con el hecho tan tenebroso que representa una invocación al diablo. Se utilizan fuertes claroscuros, como el pañuelo de la bruja sentada en la silla.

Por otra parte, su perspectiva es aérea, ya que a las brujas que están situadas más lejos su rostro no se puede distinguir del todo bien, en cambio en las de delante sí, aunque (como ya decíamos) le interesa sobre todo el primer plano.

En cuanto a los rostros de las brujas están deformados (quizá Goya nos quiso hacer ver la típica imagen de bruja como alguien monstruoso y malévolo). Éstas, rindiendo culto al demonio, muestran su atención puesta en el demonio y a la bruja de la silla. Además de un espectáculo tenebroso; al parecer, Goya nos intenta hacer ver una iniciación diabólica entre ambos. Las figuras están muy juntas y no hay espacio visible entre ellas, por ello nos da la sensación de que son bastantes brujas observando el espectáculo, lo cual es una verdadera novedad, crear un efecto de masa, no de figuras juntas.

Vídeo: Historia de Goya y sus Pinturas Negras.

Vídeo: LA ENFERMEDAD DE GOYA. Pedro Montilla López, profesor de la universidad de córdoba, es el autor del libro Enfermedad y Envejecimiento en la Creatividad de Goya: Enfoque Neurobiológico. Esta obra, profundiza en la repercusión que pudieron tener las enfermedades del pintor aragonés en su evolución artística. La primera crisis severa la sufrió Goya en 1792, cuando perdió el sentido del oído, lo que lo aisló del mundo. Luego tuvo distintos achaques. Pedro Montilla apunta a que probablemente fuera malaria, lo que desconectó el hemisferio izquierdo del cerebro, el del lenguaje y la lógica, con el derecho que es el de la imaginación. Esto explicaría que el pintor pasara del costumbrismo a una pintura mucho mas alejada de la realidad que desembocó en las pinturas negras.

Restauración inédita de dos obras maestras de Goya dañadas durante la Guerra Civil...

2012-01-30T21:00:00.000Z

La Vanguardia.

Madrid, España.- Dos célebres cuadros del pintor español Francisco de Goya, "Los fusilamientos del 3 de mayo" de 1808 y "La carga de los mamelucos" del 2 de mayo, dañados durante la Guerra Civil (1936-39), fueron objeto de una restauración inédita, indicó el miércoles el Museo del Prado.

Estas dos obras maestras de Goya, que ilustran el levantamiento popular de los madrileños contra las tropas francesas lideradas por Napoleón, estaban hasta ahora expuestos en esa famosa pinacoteca de Madrid con sus "heridas de guerra" a la vista.

Estos dos cuadros fueron restaurados con miras a la exposición "Goya y los años de la guerra" que el Museo del Prado ofrecerá del 14 de abril al 13 de julio próximos, coincidiendo con las celebraciones por el bicentenario de la Guerra de la Independencia de España (1808-1814).

"La decisión de la restauración remonta al año 2000 cuando se organizó un simposio internacional con especialistas de Goya", explicó Manuela Mena, responsable de conservación de los cuadros del siglo XVIII de Goya.

Estos cuadros resultaron dañados durante la Guerra Civil. A raíz de los bombardeos de la aviación alemana -aliada con las tropas franquistas- sobre el Museo del Prado, el gobierno de la Segunda República se vio obligado, en marzo de 1938, a trasladarlos a Valencia (este) para protegerlos. Durante el trayecto entre la capital y Valencia, un gran balcón se derrumbó sobre el camión que los transportaba, dañando los cuadros, indicó Mena.

Los dos cuadros habían sido sometidos a reparaciones puntuales en estos años, pero "por primera vez" se les ha practicado un proceso completo de restauración, subrayó la responsable.

30 de enero, 2012: “Día Internacional de la Paz y la no Violencia”...

2012-01-30T07:00:00.002Z

“Da igual nuestra raza, nuestro color, nuestras creencias, nuestra forma de ser o de actuar o de pensar. Sea como sea, todos deberíamos tener un interés común: el deseo de encontrar la paz.

Hoy comienza un día de paz, un día para toma conciencia, un día para ser amable, un día para reír, divertirnos, crear amistad, y sobre todo, querer.

Pero, ¿realmente necesitamos un día para celebrar la paz?

Hagamos todos juntos que todas las personas puedan disfrutar de esa paz todos y cada uno de los días. Siempre”

Johanna Ekelund - 1º Bach., C.

"1808 o la raíz de nuestra Historia Contemporánea"...

2012-01-29T09:00:00.003Z

Breve resumen de la obra “Año 1808: Guerra y Revolución”, de J. Gregorio Torrealba.

Rioja2.com (20/3/2008).

1808 es el punto de partida de diversos procesos cuyo desarrollo, a lo largo de las dos últimas centurias, han marcado la historia de España y que se encuentran aún, en buena medida, en la raíz de algunos de los rasgos más característicos de nuestro presente.

La propia idea de España como Estado-Nación, tal y como la concebimos en la actualidad, tiene su arranque en los acontecimientos que llenan esos doce meses. Merece la pena subrayar la importancia de aquellos episodios, llenos de dramatismo y de consecuencias de muy largo alcance, y al mismo tiempo intentar situarlos en su contexto histórico para que un público amplio pueda apreciar adecuadamente su relevancia, más allá de la exaltación de los héroes.

Pero también es necesario no olvidar el sufrimiento de aquellas gentes, a la vez tan próximas a nosotros y tan alejadas; un sufrimiento que podemos ver a través de la mirada horrorizada del que podría considerarse el primer reportero contemporáneo, Francisco de Goya. Un sufrimiento sobre el que se cimenta nuestro presente.

Visita a La Laguna, vimos una actuación teatral...

2012-01-26T21:53:00.003Z

Departamento Lengua Castellana:

Hoy, jueves, 26 de enero, 2º de Bachillerato ha realizado la actividad “Teatro literario para estudiantes” (Universidad Laboral, La Laguna) con la participación del actor Ricardo Frazer, cuya actuación dentro del espectáculo de Tempestades, fue dedicada a la Generación del 27.

Los alumnos y los profesores disfrutaron, aprendieron y se emocionaron con poemas de Miguel Hernández, Pablo Neruda, García Lorca, y León Felipe, entre otros. Y qué podemos decir del Dalí que vimos en el escenario...

La pintura registra la historia y la reúne con la fantasía.

2012-01-26T21:00:00.000Z

Varios autores de la pictórica mundial eligieron el camino de la pintura de historia. Su base es contar algo que nace de la historia en sí y la literatura.

"El Telégrafo" (Primer diario público).

Guayaquil (13/03/2009).

La pintura de historia, o pintura histórica, es un género pictórico que se inspira en escenas con eventos de la historia cristiana, de la historia antigua (mesopotámica, egipcia, griega, romana, …), de la mitología o de los acontecimientos históricos recientes. Igualmente, se incluye en este género la alegoría y aquellos cuadros que toman su narración no de la historia sino de la literatura. Es decir, se le llama ‘histórica’ no porque represente exclusivamente acontecimientos históricos sino porque narra una historia. Así conceptualiza el autor Nadeige Laneyrie-Dagen en el texto Leer la pintura.

Uno de los autores españoles que pintó hechos históricos fue Francisco de Goya. Una de las obras más representativas es "El tres de mayo de 1808 en Madrid" o "Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío".

A la obra se la conoció popularmente como "Los fusilamientos del tres de mayo". El cuadro del pintor aragonés fue realizado entre 1813 y 1814.

En la actualidad se conserva la obra en el Museo del Prado, Madrid, España. En él, Goya intenta plasmar la lucha del pueblo español contra la dominación francesa en el marco del levantamiento del dos de mayo, al inicio de la Guerra de la Independencia Española. La pintura es oscura, muestra imágenes fuertes y crea el arquetipo de horror en la pintura española, que Goya aprovechó en esa época para sus aguafuertes titulados Los desastres de la guerra. También hace un registro de los cambios políticos acaecidos en el siglo XIX en España con "La Alegoría de la villa de Madrid" (1810) . En principio aparecía en el óvalo de la derecha el retrato de José I Bonaparte, y en la composición la figura femenina que representa a Madrid no aparece claramente subordinada al rey, que está algo más al fondo.

Ello reflejaría el orden constitucional, en que el pueblo, la villa, rinde al monarca fidelidad —simbolizada por el perro que a sus pies apunta hacia el rey— pero no se subordina a él.

Vídeo: El Museo del Prado: Historia y desolación.

Breve biografía de Francisco de Goya y Lucientes...

2012-01-25T19:00:00.000Z

Nació el año 1746, fue pintor y grabador español. Estudió con J.Luzán y, a partir de 1763, con su futuro cuñado J.Bayeu.

Obra primeriza son los frescos del Pilar de Zaragoza. En 1766-92 realizó más de 45 cartones para tapices, (“El cacharrero”, “El pelele”, “La gallina ciega”...) .

Pintor de cámara de Carlos IV en 1789.

En 1792, a consecuencia de una grave enfermedad, quedó sordo. En 1794 publicó una serie de aguafuertes, “Los caprichos”.

De esta época son también una serie de pequeños cuadros y una de sus obras principales, “El entierro de la sardina”. En mil 1798 decoró, al temple y al fresco, la ermita madrileña de San Antonio de la florida.

Gran retratista (“Duques de Osuna”, “de Alba”, “Jovellanos”, “Moratín”, “Condesa de Chinchón”, “Isabel Cobos”); en 1800 pintó el gran lienzo “La familia de Carlos IV”, una de las joyas del Museo delPrado. De hacia 1802 son los sensuales lienzos “Maja Vestida” y “Maja Desnuda”.

La Guerra de la Independencia le sugirió los aguafuertes de la serie “Desastres de la guerra” (1810-13) y los cuadros “El Dos de Mayo” y los “Fusilamientos del Tres de Mayo” (Prado). En 1815-16 grabó la serie “La tauromaquia”.

Amargado por el absolutísimo de Fernando VII, se retiró a su quinta del Sordo en las afueras de Madrid (1819), cuyos muros decoró con las llamadas “pinturas negras” pasadas después al lienzo (Prado). Grabó entonces la colección de “Los disparates”. En 1823 se exilió a Burdeos, donde en 1828 murió.

"Las Meninas" de Picasso...

2012-01-24T22:00:00.000Z

Vídeo: "Las Meninas" de Picasso.

Museo del Prado, Madrid...

2012-01-23T19:00:00.000Z

El Museo Nacional del Prado, ubicado en Madrid, España, es uno de los más importantes y más visitados del mundo (el noveno en 2009). Singularmente rico en cuadros de maestros europeos de los siglos XVI al XIX, su principal atractivo radica en la amplia presencia de Velázquez, Goya (el artista más extensamente representado en la colección), Tiziano y Rubens, de los que posee las mejores colecciones que existen a nivel mundial, a lo que hay que sumar destacados conjuntos de autores tan importantes como El Greco, Murillo, Ribera, Zurbarán, Rafael, Veronese, Tintoretto, Van Dyck o El Bosco, por citar sólo los más relevantes. Las crónicas limitaciones de espacio explican que el museo exhiba solamente una selección de obras de máxima calidad (unas 900 pinturas), del total de más de 7.800 que tiene en su inventario, y que por ello sea definido como «la mayor concentración de obras maestras por metro cuadrado». Gracias a la reciente ampliación de Rafael Moneo, se prevé que la selección expuesta crezca en un 50%, con unas 450 obras más.

Al igual que otros grandes museos europeos, como el Louvre de París y los Uffizi de Florencia, el Prado debe su origen a la afición coleccionista de las dinastías gobernantes a lo largo de varios siglos. Refleja los gustos personales de los reyes españoles y su red de alianzas y sus enemistades políticas, por lo que es una colección asimétrica, insuperable en determinados artistas y estilos, y débil en otros. Sólo desde el siglo XX se procura, con resultados desiguales, solventar las ausencias más notorias.

Vídeo: El Museo del Prado - Prado Museum. Las obras maestras del Museo del Prado en súper alta resolución en Google Earth.

Vídeo: El Prado en Google Earth.

Las enfermedades de "Las Meninas"...

2012-01-22T13:00:00.000Z

Faro de Vigo, Orense.

X. M. del Caño.

El jefe de pediatría del Hospital Infanta Elena de Orense, Federico Martinón Sánchez, realizó un estudio sobre los personajes que aparecen en el cuadro de "Las Meninas", de Diego de Silva Velázquez, simplemente por su apariencia física, gracias a la gran perfección de la obra del genial pintor sevillano.

Según Martinón, toda la escena gravita en torno a la Infanta Margarita, que aparece radiante y en magnífico estado de salud en el centro de la obra, a la que el pintor está retratando, con multitud de personajes secundarios a su alrededor, que presentan síntomas de distintas dolencias.

Al fondo se refleja en un espejo la imagen del monarca, Felipe IV, que entra por una puerta, acompañado por su esposa. "El rey aparece completamente demacrado, por sus dolencias físicas y los problemas de Estado que arrastraba, por la situación política complicada en la que se encontraba España. Está completamente hundido. Por eso contemplaba a la Infanta Margarita como la gran esperanza, que era la heredera; en ese momento no había varón".

Martinón describe a la Infanta Margarita como "una niña normal, guapa y atractiva, que pierde algo de belleza cuando la retrata de adolescente. Pero es mucho más guapa que todos los Habsburgo, que con tanta consanguinidad eran bastante feos. En ella no se aprecia ninguna anormalidad, hasta donde se puede llegar a través de la pintura". (...)

Por otra parte, en primer término están los dos enanos, que "son patológicos", MariBárbola, de origen alemán, que estaba al servicio de la reina, y Nicolás Pertusato, que le está dando con el pie al perro. Mari Bárbola "padecía la enfermedad de la condroplasia. Tiene unos rasgos toscos y muestra que hay subnormalidad. Presenta una expresión de vanidad, pero hay necedad completa". (...)

Nicolás Pertusato tenía doce años en el momento que hizo Velázquez el cuadro. "No cabe duda de que era un enano, como puede apreciarse si lo comparamos con la Infanta Margarita. Es mucho más pequeño. Hay quien suscitó que podía tratarse de un niño. Tiene aspecto grácil, delicado, es bien proporcionado y con una carita como de muñeca. Eso es propio de los que tienen déficit de hormona de crecimiento. Y además se sabe que tenía un hermano, que se llamaba Cristóbal, que también era enano. Lo más probable es que padeciese una de las formas hereditarias, ligadas al gen de la hormona de crecimiento".

El pediatra orensano resalta que el perro era un noble mastín español, que aparece en primer plano, adormecido. Y el cuadro también ofrece la imagen del propio pintor, Diego de Silva Velázquez, vestido de negro. Tiene en el pecho la Cruz de Santiago, que era el honor más codiciado que existía para los hidalgos, que le concedieron dos años después del momento en el que pintó el cuadro, por lo que se la añadió el artista más tarde.

Federico Martinón afirma que el cuadro refleja una atmósfera familiar y armonía. "Es como una continuidad del sólido orden cotidiano interior de palacio, donde está todo tranquilo, frente al ruido y a la catástrofe exterior". Por otro lado, "también se ve el asfixiante y rígido ceremonial cortesano de la época. Incluso llegaron a decir que expresa el discurso vital de cada uno de los protagonistas".

El pediatra considera que hay que interpretar el cuadro de "Las Meninas" como "una réplica de la realidad, pero al mismo tiempo presenta tal veracidad que es como una realidad sucedánea que vemos a través de una ventana. No vemos la pintura que hizo Velázquez, sino lo que estaba pintando".

Influencia de Las Meninas de Velázquez...

2012-01-21T15:42:00.007Z

El primer seguidor de Velázquez fue sin duda su yerno Juan Bautista del Mazo, pintor de cámara de Felipe IV el año 1661. En el retrato de la infanta Margarita de Austria de 1666, en el plano posterior se puede apreciar la colocación de Carlos II y la enana Mari Bárbola en una escena similar a la de Las Meninas de Velázquez.

También la ambientación y la disposición de los diversos elementos de su obra La familia del pintor Juan Bautista Martínez del Mazo, en la que representa a toda su familia y personal de servicio, remite sin duda a Las Meninas.

Luca Giordano, conocido en España como Lucas Jordán, en 1700, después de su viaje a Madrid, donde admiró el cuadro de Las Meninas, realizó una pintura con el título Homenaje a Velázquez que se conserva en la National Gallery de Londres.

Francisco de Goya y Lucientes, fue un pintor fuertemente influenciado por la pintura de Velázquez. Cuando entró a trabajar en la corte española, tuvo acceso a las colecciones de pintura de la corte, y en 1778 publicó una serie de aguafuertes en la que reprodujo cuadros de Velázquez. Hizo un grabado de Las Meninas, pero no le dejó satisfecho y optó por no publicarlo con el resto de la serie. La plancha sería impresa mucho después. También en el año 1800 Goya realizó el retrato de La familia de Carlos IV donde, en un acto de homenaje al pintor de Las Meninas, Goya se autorretrata mirando hacia el espectador a la izquierda de la familia real, se acerca en esta pintura a la instantánea fotográfica, como ya había hecho en el cuadro La familia del infante don Luis del año 1784, en la que también se autorretrata en la parte izquierda como Velázquez.

Gran número de artistas han realizado obras a partir de Las Meninas, por tanto se puede decir que sus obras han estado influidas por Velázquez, entre los que destacamos: Richard Hamilton, Cristóbal Toral, Antonio Saura, Equipo Crónica, también escultores se han unido con obras relacionadas como Jorge Oteiza en el 1958 con la escultura Homenaje a Las Meninas, Las Meninas de la serie Entretenimientos en el Prado de Pablo Serrano o Las Meninas de Manolo Valdés. Todos estos artistas han estado reunidos para una gran exposición en el Museo Picasso de Barcelona con el nombre Oblidant Velázquez Las Meninas durante el año 2008.

Famosa es la frase de Picasso dicha en 1950 a su amigo Sabartés en una conversación sobre arte:

"Si alguien se pusiese a copiar Las Meninas, totalmente con buena fe, al llegar a cierto punto y si el que las copiara fuera yo, diría: ¿Y si pusiera ésta un poquito más a la derecha o a la izquierda? Yo probaría de hacerlo a mi manera, olvidándome de Velázquez."

Vídeo:Las Meninas de Velázquez.

Diego de Silva y Velázquez, "Las Meninas"...

2012-01-20T18:00:00.000Z

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, 1599 – Madrid, 1660) es considerado uno de los más prolíficos pintores del Barroco español. Cuando contaba tan sólo once años comenzó su aprendizaje en el taller del maestro Francisco Pacheco, quien más tarde se convertiría en su suegro. Su primera etapa está marcada por la influencia del pintor Caravaggio. El tenebrismo es el elemento más destacado en este período, como puede apreciarse en El aguador de Sevilla y La adoración de los magos.

En 1623 se instala en Madrid y se convierte en el pintor oficial del rey Felipe IV; de esta época destaca el cuadro Los borrachos.

Seis años más tarde, el pintor viaja a Italia donde estudia y se ve influido por Tiziano, Miguel Ángel y Leonardo da Vinci.

La década de los treinta supone un cambio en la pintura de Velázquez, que se vuelve más colorista lo que puede apreciarse en cuadros como Las lanzas y La Venus del espejo.

En 1649 realiza un segundo viaje a Italia, en el que llega a pintar al Papa Inocencio X; a su regreso a Madrid, pinta su cuadro más conocido, Las Meninas.

En 1659, es galardonado con la Cruz de Santiago y muere en Madrid en 1660.

“Las Meninas” (Imagen P.A.U.):

Sobre esta obra se han dicho los calificativos más elogiosos, Luca Giordano, pintor de Carlos II, la llamó “la teología de la pintura” por reunir de un solo golpe todas las virtudes posibles en el arte pictórico. Carl Justi dijo “no hay cuadro alguno que nos haga olvidar éste”. O Teophìle Gautier, que cuando se lo enseñaron, se quedó tan maravillado por la naturalidad y realismo de lo representado que exclamó: pero... ¿dónde está el cuadro?

Sencillamente, es una de las cumbres de la pintura universal, muy imitada posteriormente y admirada por todos. Velázquez la pintó en 1.656.

LO QUE PUEDES VER:

El tema del cuadro parece trivial, la infanta y sus damitas de compañía (meninas en portugués) irrumpen en el estudio de Velázquez, pintor de cámara del rey Felipe IV, que se encuentra pensativo y observa los modelos que se dispone a pintar. Nosotros podemos ser esos modelos ya que somos contemplados por Velázquez. Sin embargo, los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, a quienes vemos reflejados en el espejo del fondo, son las personas que el pintor retrata.

Pero vayamos por partes, en primer término y de izquierda a derecha tenemos a María Agustina Sarmiento que está haciendo una reverencia y ofreciendo en una bandeja plateada un jarrito o búcaro rojo a la infanta Margarita de Austria que se encuentra en el centro de la composición y resulta ser una deliciosa y encantadora niña de seis añitos de edad. Margarita acepta con su mano el jarrito y nos observa con su candorosa mirada infantil. Un poco más a la derecha vemos a otra menina, Isabel de Velasco, que también muestra sus respetos mediante una suave reverencia. La siguiente es Maribárbola, enana macrocéfala de origen alemán, que también nos mira y, finalizando este plano, Nicolasillo Pertusato, que parece un niño pero también era un enano, bastante travieso por cierto, pues ya ves que le está dando una patada a un gran mastín tumbado en el suelo.

Un poco más atrás, a la izquierda, está el pintor Velázquez sujetando un pincel en la mano derecha y la paleta con los demás pinceles en la izquierda. Se está inspirando para pintar a los reyes y se ha representado a sí mismo muy elegante y como de cuarenta años cuando ya rondaba los cincuenta y siete. Delante de él está la parte posterior del lienzo sobre un caballete.

Ahora pasas a la zona derecha y, en un segundo plano, ves dos personajes: la dama Marcela Ulloa, “guarda menor de damas” y un caballero sin identificar que sería un sirviente de la corte y que tiene las manos juntas mientras escucha la conversación de la dama. Para marcar la distancia y el espacio, Velázquez los sitúa a ambos en penumbra y más abocetados que las meninas.

Al fondo, una puerta de madera con cuarterones se abre a una estancia posterior muy iluminada y José Nieto, aposentador de la corte, está en las escaleras, no sabemos si viene o se va. Lleva un sombrero en la mano y viste una elegante capa negra. La luz es de tal intensidad que hace brillar la escalera, la puerta y la persona de José Nieto.

Colgado en la pared ves un espejo que refleja la luz y donde el rey y la reina aparecen con un cortinaje rojo. No sabemos si están quietos posando para Velázquez o si entran en ese momento en la habitación.

La estancia es amplia y de techo alto, sería el estudio del pintor y por es o hay grandes cuadros por las paredes (identificados en la actualidad). Existen ventanas en la pared derecha y están alternativamente abiertas y cerradas lo que nos acentúa la sensación de profundidad y de atmósfera real. El gran tamaño de las figuras, casi natural, subraya aún más su presencia en un espacio muy creíble.

LA TÉCNICA.

Técnicamente el cuadro es insuperable. El conjunto de perspectivas utilizadas es único y produce un efecto “atmosférico” en el ambiente representado, como si el pintor hubiese pintado el aire entre las figuras. Vamos a analizarlo: la primera perspectiva que observas es la lineal, diversas líneas imaginarias o no (línea del techo-pared; cuadros colgados, el suelo) guían nuestra vista hacia el fondo y nos hacen creer en una fuerte tridimensionalidad. Este asombroso efecto se refuerza con un suelo neutro, de moqueta, que avanza hacia nuestra posición y, sobre todo, con unos espacios alternativamente iluminados y en penumbra que subrayan el efecto de alejamiento. La otra perspectiva es la aérea, la difuminación progresiva de los contornos y la degradación de las gamas tonales con el aumento de la distancia y el alejamiento. Como remate, Velázquez pone un agujero iluminado en el centro (la puerta abierta) que da a una estancia donde no vemos el fin, es decir, el cuadro tiene una perspectiva ilimitada.

Esta combinación de perspectiva aérea y lineal es lo que ha fascinado a todos, expertos o no, desde el siglo XVII.

La gama cromática empleada por Velázquez en esta obra es limitada y contenida, predominan los grises y los ocres, no obstante, aplica colores fuertes como el rojo fuego en pequeños detalles de la vestimenta de las niñas como lacitos, pasadores de pelo y adornos florales. De este modo rompe la monotonía de colores y atrae nuestra atención. La calidad de representación de las sedas brillantes con grises y blancos muy luminosos resultan de una belleza deslumbrante.

LO QUE NO SE VE.

Por otra parte, el espejo es la burla espacial por antonomasia, nos engaña y confunde, crea espacios ilusorios y, si te colocas de espaldas y miras el cuadro con un espejito, te llevarás una sorpresa por el efecto fuertemente realista que produce. Cuando contemplas el cuadro directamente, tu vista es dirigida hacia el fondo y el espejo te devuelve la imagen. Así se crea una interrelación tan estrecha entre lo pintado y lo real que resulta difícil distinguirlos.La aparente trivialidad del tema es también engañosa ya que Velázquez estuvo toda su vida reivindicando la superioridad de la pintura por encima de las actividades puramente artesanales entre las que estaba incluida; él consideraba la pintura como una actividad intelectual superior, cuyo momento importante no era el acto de pintar sino la idea, el concepto y el pensamiento previos al hecho mecánico de aplicar el óleo sobre el lienzo. En resumen, la superioridad del artista sobre el artesano.

Otro mensaje es el futuro prometedor de la monarquía española, con la sucesión asegurada. La última lectura de la obra sería la relación de profunda amistad del pintor con el rey y la infanta , todos ellos aparecen representados en el mismo cuadro.

LO QUE PUEDES DESCUBRIR.

Existen detalles que te proponemos observar para que comprendas la excepcionalidad de este cuadro único. Fíjate en el perro, tan real que sólo le falta ladrar, o en la carita delicadísima de la infanta, o en el cabello de Nicolasillo, brillante y recién lavado, o en la prestancia y apostura de Velázquez con su cuidado bigote, su peinada melena y su esbeltez anatómica. O bien en los cuadros de la estancia, identificados como Minerva y Aracne (Rubens) y Apolo y Pan (Jordaens) y que vuelven a incidir en el tema de la superioridad de lo intelectual sobre lo manual.

Hay que señalar que la obsesión del pintor por demostrar la superioridad de la pintura sobre otras artes perseguía, entre otras cosas, la exención de impuestos.Interesante es también el espejo iluminado (de bronce muy bruñido) y las ventanas laterales, una abierta en primer término, las tres siguientes cerradas y la última abierta.

LA LEYENDA.

Un cuadro así no podía pasar desapercibido para la imaginación popular y el hecho que dio pie para inventar una bonita leyenda lo provocó la cruz de Santiago que lleva pintada Velázquez sobre su vestimenta. Sabemos que fue nombrado caballero de la Orden de Santiago a título póstumo en 1.660. eso significa que alguien se la pintó después de muerto en Las Meninas. Sería, según la tradición el propio rey Felipe IV, que, agradecido por los numerosos servicios de Velázquez como aposentador real y, sobre todo, como pintor, realizaría la cruz con su regia mano.

Vídeo: Versiones de "Las M eninas"

Las meninas
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Diego de Silva y Velázquez, Biografía...

2012-01-18T15:00:00.001Z

En esta entrada, os voy a colgar el vídeo sobre la vida de Diego de Silva y Velázquez; és de fácil visualización y permite el acercamiento general a la biografía y a la obra de este genio de la pintura universal.

Vídeo: Velázquez, pintor de los pintores.

La pintura barroca en España...

2012-01-17T17:00:00.000Z

El Barroco es para España la época de oro de la pintura. El tema principal es el religioso, ya que España es la campeona de los valores tridentinos. La Iglesia es el gran mecenas de artistas, junto con la Corte, por lo que los temas religiosos dominan sobre todos. Los pintores españoles conocen el arte europeo más que por los viajes porque muchos de los grandes artistas trabajan en algún momento en España. Su técnica preferida es el óleo, aunque utilizan todas.

Al igual que en Italia, la pintura se debatirá entre el tenebrismo y el eclecticismo. En el siglo XVIII triunfarán los modelos flamencos más coloristas, aunque no hasta llegar al rococó. Seguirá habiendo dos grandes centros Madrid, por la Corte, y Sevilla, la puerta de América, aunque aparecen centros secundarios como Valladolid, Toledo, Valencia y Badajoz. Distinguiremos tres escuelas: la valenciana, la andaluza y la madrileña.

La Escuela Valenciana está muy influida por el tenebrismo de Caravaggio; por el puerto de Valencia entran en España los cuadros italianos destinados a las colecciones reales. Destacan Francisco de Ribalta, que es el primer gran pintor español que acepta los supuestos barrocos de Caravaggio (Cristo abrazando a san Bernardo, San Bruno, San Francisco abrazando al Crucificado, La Sagrada Familia); José de Ribera trabaja en Italia, donde le llaman el “Spagnoletto” y es uno de los grandes pintores del momento (San Andrés, Martirio de san Bartolomé, El patizambo, Arquímedes, El sueño de Jacob).

En la Escuela Andaluza son frecuentes los temas mitológicos y el de la Inmaculada, por sí sola, pone a la pintura española como referente del arte universal. Entre sus pintores destaca Francisco Zurbarán, que es uno de los pintores geniales del periodo; trabaja fundamentalmente para la Iglesia, por lo que su tema más recurrente son los frailes y las monjas; trata de conmover desde la sencillez; es un pintor adicto al tenebrismo, con el que consigue modelados muy plásticos; tiene cuadros como La Inmaculada Concepción, Bodegón, Santa Catalina, San Hugo en el refectorio de los cartujos, Autorretrato.

Otro de los grandes pintores es Alonso Cano; se forma en Sevilla junto con Velázquez; utiliza, en sus obras, el tenebrismo, pero rehuye el realismo y opta por el idealismo de la escuela de Bolonia; pinta: La vida de la Virgen, La anunciación, Virgen con el Niño. Bartolomé Esteban Murillo es otro de los grandes genios de la pintura; trabaja en Sevilla junto a Zurbarán; sus composiciones son sencillas, las figuras se recortan en el cielo con fondos vaporosos; impone el modelo de Virgen con el Niño y de Inmaculada: Niños comiendo sandía, Los niños de la concha, La Inmaculada Concepción, La adoración de los pastores. Otros pintores son Juan Valdés Leal, Juan de Roelas, Francisco Herrera el Viejo y Francisco Pacheco, maestro de Velázquez.

En la Escuela de Madrileña trabaja Diego de Silva Rodríguez y Velázquez, que es, probablemente, el pintor más genial de todo el período. Velázquez viaja a Italia y es pintor de la Corte, lo que le libera de la servidumbre del mecenazgo religioso; recibe la influencia de Rúbens; hace grandes avances técnicos, como la resolución de la perspectiva aérea; pinta temas mitológicos, aunque alegóricos, como La fragua de Vulcano, y temas históricos como La rendición de Breda; retrata a la familia real y a su corte, junto con sus bufones; en estos retratos consigue plasmar toda la profundidad psicológica del personaje; también pinta cuadros de gran complejidad compositiva, como Las hilanderas o Las meninas; otras obras importantes suyas son los retratos del Papa Inocencio X, Felipe IV cazador, La dama del abanico, El bufón Pablo de Valladolid, y cuadros como La Inmaculada, El Cristo crucificado, La vieja friendo huevos, El aguador de Sevilla, El triunfo de Baco o La venus del espejo. Junto a él trabajan los pintores de la Corte, como fray Juan Sánchez Cotán, Juan Carreño de Miranda, Claudio Coello o Juan Bautista Mazo.

"Alatriste"... Una gran historia de aventuras ambientada en la España del siglo XVII...

2012-01-17T00:00:00.000Z

En la España Imperial del siglo XVII, Diego Alatriste (Viggo Mortensen), valeroso soldado al servicio de su majestad, combate en una guerra en las frías tierras de Flandes.

En una emboscada de los holandeses, Balboa, amigo y compañero de armas, cae herido de muerte. Alatriste escucha de los labios de su amigo una última petición y promete cumplirla: cuidará de su hijo Íñigo y le alejará del oficio de soldado.

A su regreso a Madrid, Alatriste se encuentra con un imperio moribundo. La misma España en la que Quevedo y Góngora escriben sus versos, Velázquez pinta sus cuadros, y Lope de Vega estrena sus comedias, se desmorona ante la impasibilidad de su Rey.

La corte de Felipe IV, dominada por las intrigas y la corrupción, es manejada a su antojo por el Conde Duque de Olivares (Javier Cámara), con el apoyo de la Santa Inquisición. El propio Alatriste, que malvive vendiendo su espada, se verá implicado en una de estas intrigas cuando es contratado junto a otro mercenario, el italiano Gualterio Malatesta (Enrico Lo Verso), para dar muerte a dos misteriosos personajes que viajan de incógnito a Madrid.

El destino de Alatriste quedará marcado cuando, intuyendo algo turbio en el siniestro encargo, decide perdonar la vida a los dos extranjeros y enfrentarse a un Malatesta que pretendía terminar el trabajo. Esa noche se ganará un enemigo para toda la vida. Cuando Alatriste descubre a quién ha salvado la vida, entiende que tendrá que enfrentarse a fuerzas demasiado poderosas para combatirlas con la espada.

Pero no estará solo, la bellísima María de Castro (Ariadna Gil), sus inseparables compañeros en el campo de batalla y sobre todo Íñigo (Unax Ugalde), ahora casi un hijo para él, serán el apoyo incondicional del Capitán y personajes claves de esta gran historia de aventuras.

El siglo XVII: "La España del Barroco"...

2012-01-16T16:00:00.000Z

Si Carlos I Y Felipe II se ocuparon personalmente de los asuntos del Estado y del fortalecimiento de su autoridad, los monarcas del siglo XVII –Felipe III, Felipe IV y Carlos II- delegaron sus funciones de gobierno en manos de validos, que encaminaron a la monarquía hacia la pérdida de poder y un desprestigio creciente.

En política exterior, el contraste entre las dos centurias fue aún mayor. El siglo XVI representó para la monarquía hispana su momento de máximo poder y hegemonía en el mundo, por el contrario, a lo largo del siglo XVII, y sobre todo tras la guerra de los Treinta Años, España quedó relegada a un segundo plano en el escenario internacional, mientras Francia emergía como la nueva e indiscutible potencia europea.

A la crisis política se le añadió una profunda depresión económica y un notable descenso demográfico provocado, entre otros factores, por la aparición de nuevas y muy letales epidemias de peste. No obstante, desde 1680 aproximadamente se manifestaron ciertos síntomas de recuperación, que anunciaban una nueva fase expansiva.

Sólo en el plano cultural se mantuvo, e incluso se superó, el alto nivel alcanzado en la centuria anterior, lo que ha justificado la denominación de Siglo de Oro aplicada a la producción literaria y artística de la mayor parte de los siglos XVI y XVII.

Pero lo más llamativo de estos dos siglos fue la forma en que la monarquía hispánica pasó del esplendor de un inmenso imperio territorial a una situación de decadencia y de ruina, que escandalizó a los propios españoles de la época.

Escultura Barroca en España...

2012-01-15T10:00:00.000Z

En España la escultura barroca tiene sus propias peculiaridades que la diferencian del resto del mundo. Se caracteriza por el uso prioritario de la madera policromada, que se conocerá como imaginería. La escultura está al servicio de la Contrarreforma. Busca la sensibilidad popular, la expresividad, que se manifiesta en los pasos de Semana Santa. La religiosidad trasciende a la calle y comienzan a popularizarse las procesiones. La necesidad de sacar las figuras a la calle supone que deben ser de bulto redondo y, en general, de cuerpo completo, o al menos que se puedan vestir. Su mayor realismo la aleja del gusto italiano, las obras se realizan para ser objeto de la devoción popular.

Apenas existe escultura civil, incluso la funeraria está en decadencia. Los escultores trabajan para gremios y cofradías de carácter religioso. Los temas son religiosos, se representa ante todo la pasión de Cristo y la Virgen. En España encontramos dos centros principales: la escuela castellana y la escuela andaluza.

En Castilla encontramos dos centros Madrid y Valladolid. Gregorio Fernández, fue uno de los imagineros más representativos, tanto por su expresionismo, como por su patetismo y su carga dramática, en el que refleja un hondo sentimiento religioso y un profundo naturalismo. Tratará de despertar la piedad popular a través de la visión de figuras descarnadas. Presta gran atención a la representación del cuerpo humano. Fue el creador de los tipos iconográficos más característicos, como el Cristo yacente, el crucificado o la piedad. Realiza obras como el Cristo yacente, paso del Descendimiento y la Piedad.

En Andalucía también encontramos dos centros: Sevilla y Granada. Su imaginería tiene un carácter más íntimo, de recogimiento interior, y un lenguaje más clásico. Las figuras tienden a tener un aspecto infantil, y una expresión más melancólica y mística que trágica. Las tallas son de un gran virtuosismo técnico. Trabajan aquí escultores como Montañés o Alonso Cano, que se caracterizan por su idealismo figurativo y sus vírgenes niñas.

En Sevilla trabajó Juan Martínez Montañés, muestra en sus figuras una tendencia al equilibrio y la serenidad. Crea los tipos de la Inmaculada y los crucificados, más humanos. Obras suyas son: el Cristo de la Clemencia, Inmaculada de santa Clara, San Ignacio y Jesús de la Pasión. Discípulo de Montañés fue Juan de Mesa: Jesús del Gran Poder, Cristo de la Buena Muerte. Tiene una cierta tendencia al patetismo.

En el siglo XVIII podemos considerar otra escuela en Murcia, en la que destaca Francisco Salzillo, caracterizado por sus figuras delicadas y su gusto rococó. Crea pasos en grupo, conjuntos con varias figuras. No sólo hace pasos de Semana Santa sino también belenes. Sus figuras están llenas de movimiento y poseen una delicadeza femenina. Entre sus obras destacan la Virgen de la leche, el paso de la Oración del huerto y sus belenes.

Bernini... "Plaza de San Pedro del Vaticano"

2012-01-13T18:00:00.000Z

Giovanni Lorenzo Bernini, autor de la plaza de San Pedro, nació en Nápoles en 1598 y murió en Roma en 1680.

Arquitecto, escultor, pintor y dibujante, representa destacadamente el Barroco clásico. Hijo del escultor Pietro Bernini, su familia se estableció en Roma en 1604.

Ya era famoso como escultor a los veinte años de edad pero fue en 1629 que fue nombrado arquitecto de San Pedro e ideó el diseño alrededor del obelisco que está en el medio.

La mayor parte de sus edificios más importantes pertenecen a su madurez, principalmente durante el pontificado del papa Alejandro VII (1655 - 1667). Tuvo por clientes a las grandes familias patricias romanas y hasta, aunque sin éxito, al rey de Francia, Luis XIV.

Contribuyó a transformar decisivamente la fisonomía de Roma. Renovó muchos conceptos estilísticos, sobre todo en el orden espacial, apoyado en un especial talento para conseguir efectos ópticos y lumínicos, recurriendo muchas veces al perspectivismo forzado o ilusorio.

Entre sus obras principales destaca la Plaza de San Pedro del Vaticano, enorme recinto oval (integrado en el palacio papal del Vaticano) cuyo axis corre transversalmente, paralelo a la fachada de San Pedro.

Está rodeado por cuatro hileras de columnas exentas -trescientas en total- talladas en travertino romano formando un óvalo de doscientos metros en el axis más largo, marcado por tres monumentos: lateralmente por dos fuentes y en el centro un obelisco egipcio que había servido como poste de giro en las carreras de carros en el antiguo Circo de Nerón. Las columnas son una versión modificada del dórico y tienen una altura de quince metros. La plaza da paso a la Basílica de San Pedro, sede de la iglesia católica y símbolo de su poder. El notable arquitecto diseñó sus suelos, los relieves sobre la puerta central, la estatua de Costantino y la adyacente Scala Regia. La apertura de la Piazza San Pedro delimita la frontera con Roma.

Se dice que la Basílica de San Pedro esta construida, sobre el lugar que la tradición oral de los primeros cristianos, afirmaba murió San Pedro. Los primeros cristianos, cuenta la tradición, erigieron allí una capilla y más tarde el emperador Constantino y su madre Santa Helena, mandaron construir una iglesia, y desde entonces en el mismo lugar se ha ido reedificando, hasta llegar al siglo XV y XVI en el que se construyó la actual Basílica. El tratado de Letrán de 1929 convirtió la ciudad del Vaticano en un Estado independiente, el más pequeño del mundo.

O Miguel Ángel contra Bernini. O Renacimiento contra Barroco...

2012-01-12T22:03:00.003Z

Un mismo tema y diferencias más que evidentes, marcadas por el paso de más de 100 años de historia y desarrollo artístico (las obras datan de 1501 y 1623 respectivamente), y acentuadas por la genialidad de dos de los más grandes artistas de todos los tiempos.

Las diferencias entre ambas figuras se hacen extensibles a las dos corrientes citadas, principalmente en la rama de la escultura, aunque también son aplicables a su ideología en general. Mientras que en la obra de Miguel Ángel apreciamos a un hombre sereno, impasible, diseñado casi a imagen y semejanza de las esculturas de la antigua Roma, la de Bernini rebosa movimiento y sentimiento.

Se observa claramente el gesto de esfuerzo de David ejecutando un movimiento acompasado, en el cual todas las partes del cuerpo se ponen a disposición de la acción que pretende realizar. Se trata de una imagen mucho más realista, un paso más allá en la representación.

Dudo que ninguno de nosotros imaginemos a David en la escena bíblica en la que se enfrenta a Goliat de la forma en que lo representó Miguel Ángel. Cuando uno trata de hacerse a la idea piensa en una persona en pleno esfuerzo, dejándose la piel por salir victoriosa. En una situación así no sé si podría existir un momento de absoluta tranquilidad, como da a entender la figura renacentista, de una belleza y armonía que delatan los principales valores del movimiento.

El Barroco, como contrapunto, se aleja de esta espiritualidad para hacer hincapié en la expresividad, manejando formas menos clásicas, aunque aprendiendo del pasado, cosa que queda patente en esta figura (al igual que en todas las demás) en el inmejorable trato dado a la anatomía.

"Historia de David y Goliat"...

"Salió de entre las filas filisteas un guerrero llamado Goliat que medía alrededor de tres metros de altura. Toda su armadura y sus armas eran de bronce: el casco, la coraza

de escamas que pesaba sesenta kilos, las polainas y la lanza que pesaba siete kilos. Delante de él marchaba el que llevaba su escudo.

Se detuvo frente a las líneas israelitas y gritó: "¿Por qué habéis salido para poneros en orden de batalla? Yo soy filisteo; vosotros, en cambio, sois los servidores de Saúl. Escoged, pues, un hombre que pueda pelear conmigo. Si es más fuerte que yo y me mata, nosotros seremos vuestros esclavos, pero si yo soy más fuerte y lo mato, entonces vosotros seréis nuestros esclavos y nos serviréis." El filisteo se presentaba cada mañana y cada tarde, y lo hizo por espacio de cuarenta días.

David, hijo de un efrateo de Belén de Judá, que también había escuchado al filisteo, preguntó a los que estaban a su lado: "¿Qué es lo que darán al hombre que mate a ese filisteo y quite la afrenta a Israel? Porque ¿quién es ese filisteo incircunciso que insulta así a los batallones del Dios vivo?" Y la gente dijo: "Si alguien mata a este hombre, que así insulta a Israel, el rey le colmará de riquezas, le dará a su hija por esposa y librará de impuestos a la familia de su padre."

Entonces Saúl lo mandó llamar, le puso su equipo de combate: le dio un casco de bronce y una coraza. Después, David se abrochó el cinturón con la espada por sobre la coraza, pero no pudo andar porque no estaba acostumbrado. Y se deshizo de todas estas cosas. Tomó, en cambio, su bastón, escogió en el río cinco piedras lisas y las colocó en su bolsa de pastor. Luego avanzó hacia el filisteo con la honda en la mano.

El filisteo se acercó más y más a David, precedido por el que llevaba su escudo, y cuando lo vio lo despreció porque era un jovencito.

Cuando el filisteo se lanzó contra David, éste metió rápidamente su mano en la bolsa, sacó una piedra y se la tiró con la honda. La piedra alcanzó al filisteo, hundiéndosele en la frente. Éste cayó de bruces al suelo. David, entonces, corrió y se puso de pie encima de su cuerpo, tomó su espada y lo remató cortándole la cabeza. Los filisteos, al ver muerto a su campeón, huyeron. Así, pues, sin otra arma que su honda y una piedra, David derrotó al filisteo y le quitó la vida." (BIBLIA.- Libro de Samuel. 17, 4-50.

"El éxtasis de Santa Teresa" de Bernini ( II )...

2012-01-11T19:55:00.001Z

Cuando Bernini esculpió más tarde el "Éxtasis de Santa Teresa" para una capilla de la iglesia romana Santa Maria della Vittoria pretendía por medios similares despertar una emoción más religiosa.

San Ignacio había dado mucha importancia al valor que tiene para un cristiano revivir las experiencias emocionales de la Pasión de Cristo, su Resurrección y Ascensión; y meditar sobre los tormentos del infierno y sobre la felicidad de la comunión con Dios. Bernini, como tantos otros en aquella época, hizo los ejercicios espirituales prescritos por San Ignacio.

La función del grupo de santa Teresa es que la persona arrodillada bajo el altar penetre en la mística experiencia de la santa. Según ella misma, un ángel la visitó armado con un dardo rosado acabado en una punta de llama. El ángel hundió varias veces el dardo en su corazón produciéndole un dolor intenso, pero dejándola al mismo tiempo consumida por el amor de Dios.

Bernini nos ofrece de nuevo una imagen momentánea: el momento en que el ángel levanta el dardo para volverlo a clavar. Pero lo que realmente nos presenta es una visión del hecho. Cuando nos arrodillamos en la capilla el artista ha creado ante nuestros ojos esta visión. De hecho, el grupo escultórico de la santa y el ángel es sólo una parte de la visión total. La santa, esculpida en mármol pulido blanco, cae desvanecida hacia atrás sobre una nube de color más oscuro, mientras los rayos dorados de la iluminación divina se esparcen desde arriba, iluminados por una ventana oculta. En la bóveda superior, los cielos se abren revelando más ángeles.

Y la autenticidad de la visión queda reforzada por la irrupción de la estructura arquitectónica hacia nosotros y por la presencia de las figuras de fieles esculpidas en balcones a cada lado de la capilla poco profunda.

Sería una gran exageración definir la capilla como obra típica de la arquitectura barroca; ninguna obra por sí sola puede serlo, y menos una capilla cuyo simple plano rectangular fue un legado de un período anterior. (...) En la capilla de Bernini la escultura, la arquitectura y la pintura se funden y se convierten en una sola cosa, y en lugar de sentirnos intrusos, nos atrae. En este sentido podríamos decir que la arquitectura romana barroca es dinámica como el "David" de Bernini, y que la arquitectura del Renacimiento es estática, aunque tensa y poderosa, como el "David" de Michelangelo.

También podríamos decir que en el Éxtasis de Santa Teresa la escultura asume algunas de las cualidades de la pintura. La situación del grupo dentro de su marco arquitectónico, y la iluminación procedente de la ventana oculta, refuerza la impresión de color que proporciona el dorado y la utilización de mármol de colores. También los ángeles y las nubes pintadas en la bóveda tienen una cierta cualidad escultórica, porque crean la ilusión de una forma tridimensional. (. . .)

Pero, en general, los escultores, pintores y arquitectos trabajaban con medios distintos. El escultor y el pintor quizá deseen ofrecer ilusiones de la realidad similares, pero mientras el escultor puede crear formas tridimensionales visibles con luz real, el pintor sólo puede sugerirlas utilizando el color sobre una superficie plana. Y normalmente el arquitecto es el único que crea espacios a través de los cuales podemos movernos realmente.

M.y R.- Mainstone.- El S: XVII. Ed. Gustavo Gili. Barcelona. 1985. Págs. 16-20

Vídeo: Santa Teresa. Santa Teresa de Jesús padecía un tipo de epilepsia que los expertos denominan crisis de felicidad. Son las conclusiones de la obra Teresa de Jesús: una ilustre epiléptica del neurólogo Esteban García-Albea. Orgasmos, histeria, intervención directa de Dios...

"El éxtasis de Santa Teresa" de Bernini ( I )...

2012-01-10T16:14:00.000Z

Detalles de la imagen "El éxtasis de Santa Teresa", Bernini; 1645-1652.

•Capilla: Aunque nos centremos en la imagen protagonista, a su alrededor también hay otras figuras. En las paredes laterales se abren balcones artificiales donde se asoman para ver la escena parte de la familia Cornaro. También en el techo hay pinturas de querubines y grandes trampantojos.

•Santa Teresa: Escritora mística que fue beatificada. En sus escritos hablaba de encuentros con Dios, los llamados éxtasis. Relata cómo llegó a ella un ángel que le clavó una flecha en el corazón, simbolizando el amor divino.

•Rayos: Los rayos que vemos detrás son realizados en bronce y simbolizan como una gloria divina, ya que parten de una luz cenital que hay encima del grupo escultórico.

•Barroco: En el Barroco, la unión de teatro, espiritualidad y escultura es un rasgo significativo que se ve a la perfección en este grupo escultórico. Así se ve en la cara de la santa, en éxtasis, ante la llegada del ángel.

•Daga: La flecha se va a clavar en el corazón de la santa. Es el instante justo anterior, recalcando el dramatismo y escenografía de la situación.

•Tela: Otro rasgo significativo del Barroco es el movimiento, que aquí se ve en las telas que revolotean. Es un escenario con gran dinamismo, fruto de la situación que se está viviendo y del estado anímico de la santa.

Vídeo: SANTA TERESA.G.L.BERNINI. La obra maestra en la capilla Cornaro, a la izquierda del altar, es el Éxtasis de santa Teresa del escultor favorito de Scipione, Gian Lorenzo Bernini. La estatua representa un momento descrito por santa Teresa de Jesús en su autobiografía, cuando tuvo la vívida visión de un ángel perforando su corazón con una flecha de oro, causándole una inmensa alegría y dolor. Las ropas flotantes y la postura contorsionada abandonan la restricción y el reposo clásicos para representar un trance más apasionado, casi voluptuoso.

Bernini, el escultor del Barroco Italiano...

2012-01-09T18:22:00.001Z

Nacido en Nápoles en 1598, hijo del también escultor Pietro Bernini, pronto empezó a trabajar para el cardenal Scipione Borghese, quien le convirtió en su protegido.

De ésta primera época son las obras "Cabra amaltea" (1615), "Eneas y Anchises" (1618-19) y "Neptuno y Tritón" (1620) de claro estilo manierista por influencia de su padre. Por encargo del cardenal realiza "El rapto de Proserpina" (1621-2), "David" (1623) y "Apolo y Dafne" (1622-24), obras caracterizadas por una evolución de su estilo hacia la caracterización psicológica de los personajes, que esculpe repletos de fuerza interior, y la delicadeza de los acabados.

Su estilo bebe de fuentes diversas, como Miguel Angel, el clasicismo greco-romano, el naturalismo de Caravaggio o el tratamiento de los rasgos corporales de Guido Reni. Su básica innovación consiste en acercar al espectador a la obra, haciendo a éste partícipe de la acción, rompiendo las fronteras tradicionales de la obra de arte. Es por ello considerado como uno de los creadores del Barroco.

Las mejores muestras de su hacer son el “Extasis de Santa Teresa” y las tumbas de Urbano VIII y Alejandro VII en el Vaticano. También trabajó para Luis XIV, para quien realizó un excelente busto, si bien no intervino en la modificación del diseño del Louvre como inicialmente estaba previsto. Falleció en 1680.

Y con la llegada del siglo XVII... Luis XIV, "El Rey Sol"...

2012-01-07T11:54:00.001Z

José Manuel Hernández Guzmán (Profesor de Derecho Constitucional).

Martes, 13 de marzo de 2001.

Al comienzo de la velada, Fouquet estaba en la cima del mundo. Cuando la fiesta llegó a su fin, había caído en un abismo. Voltaire, 1694-1778.

Nicolás Fouquet, el ministro de Finanzas de Luis XIV durante los primeros años del reinado de éste, era un hombre generoso, amante de las fiestas opulentas, las mujeres bonitas y la poesía. También amaba el dinero, dado que llevaba un estilo de vida bastante extravagante. Fouquet era muy hábil y, en gran medida, un colaborador indispensable para el rey; por lo tanto, a la muerte del primer ministro Jules Mazarin, en 1661, el ministro de Finanzas esperaba ser designado su sucesor. El rey, en cambio, decidió suprimir ese cargo. Éstas y otras actitudes llevaron a Fouquet a sospechar que estaba cayendo en desgracia y, por lo tanto, decidió congraciarse con el rey organizando la fiesta más espectacular jamás vista. El motivo oficial de la fiesta era celebrar la inauguración del castillo de Fouquet Vaux-le-Vicomte, pero su objetivo real era homenajear al rey, invitado de honor del agasajo.

Los más notables representantes de la nobleza europea y algunas de las mentes más brillantes de la época -La Fontaine, La Rochefoucauld, madame de Sévigné- asistieron a la fiesta. Moliére escribió una obra teatral para la ocasión, en la cual él mismo actuaría, sobre el final de la velada. La fiesta comenzó con una opulenta cena de siete platos, en la que se sirvieron especialidades de Oriente nunca antes probadas en Francia, así como nuevos platos especialmente creados para la ocasión. La cena fue acompañada por música compuesta por expreso encargo de Fouquet en honor al rey.

Al día siguiente, Fouquet fue arrestado por el jefe de los mosqueteros del rey, D'Artagnan. Tres meses más tarde, fue juzgado por desfalco al Tesoro Nacional. (En realidad, la mayor parte de los fondos, de cuyo robo se lo acusó, habían sido sustraídos para la Corona y aprobados por el rey.) Fouquet fue hallado culpable y enviado a la prisión más remota de Francia, en lo alto de Los Pirineos, donde pasó los últimos veinte años de su vida en solitaria reclusión.

Luis XIV, el Rey Sol, era un hombre orgulloso y arrogante que deseaba ser siempre el centro de atención. No soportaba que nadie lo superase en inteligencia, en astucia, en elocuencia y mucho menos ser opacado por su “ministro” de Finanzas.

El sucesor de Fouquet, Jean-Baptiste Colbert, se aseguró que cuanto fondo líquido hubiese en el Tesoro fuese a parar directamente a manos del rey. Con estos dineros, Luis XIV construyó un palacio aún más espléndido que el de Fouquet: el célebre palacio de Versailles. Empleó a los mismos arquitectos, decoradores y paisajistas que construyeron el palacio de su ex ministro de Finanzas. Y en Versailles, Luis XIV celebró fiestas aún más extravagantes que aquella que costó a Fouquet su libertad.

Fouquet en lugar de halagar a Luis XIV con la elaborada fiesta, ofendió la vanidad personal del soberano. Por supuesto, Luis XIV no iba a admitir semejante cosa de modo que encontró en cambio, una excusa conveniente ara librarse del hombre que, sin darse cuenta, lo había hecho sentirse inseguro.

Este es el destino que corren, con sus variantes de personajes forma y tiempo, aquellos que desequilibran la autoestima del cacique, hieren su vanidad o le hacen dudar de su preeminencia. Claro está que cualquier símil o comparación con alguna gracia en esta tierra de gracias es pura casualidad.

Época del Barroco: siglo XVII...

2012-01-06T19:09:00.000Z

Es dudoso el origen de la palabra barroco. Algunas teorías hacen derivar el término de la palabra portuguesa barocco (que en castellano sería barrueco) que significa "perla irregular con deformaciones". Esta es la opinión más extendida, pero también se ha dicho que puede proceder del dialecto florentino en su voz barochio, con el significado de engaño. Otras fuentes aseguran que viene del francés y que se refiere a una figura del silogismo.

El concepto de barroco aparece en la Historia del Arte en el siglo XVIII. Sus creadores fueron los teóricos del Neoclasicismo que adoptaron el término con un sentido peyorativo; para ellos este arte y forma de pensamiento era pura extravagancia con una carencia total de lógica. Pero más tarde, en el siglo XX, tras la Primera Guerra Mundial, una serie de estudiosos del tema demostraron y pusieron de manifiesto el carácter coherente y lúcido del barroco.

Se trata de un estilo complejo, que no es sino la consecuencia de una época de crisis, en la historia de Europa sobre todo. Expresa el estado de ánimo del hombre del siglo XVII; sus manifestaciones estéticas son fruto de la sensibilidad de una época que tiende a lo emotivo y a lo desbordante. En este sentido, está bastante cerca del pensamiento romántico; en ambos periodos se da la exaltación de los sentimientos. Su existencia arranca del Renacimiento, pero desde el principio posee un carácter muy diferente. El centro de formación fue Roma y desde allí se extendió por toda Italia y después pasó al resto de Europa.

Según las circunstancias socioeconómicas, políticas o religiosas que impulsan su desarrollo se puede distinguir:

Barroco cortesano y católico, que fue el instrumento de propaganda de la Iglesia de la Contrarreforma y del Estado absoluto. Ambos estamentos fueron grandes mecenas del arte barroco y se sirvieron de él para la propagación de la fe católica. Se dio sobre todo en Italia, Francia, Alemania y España.

Barroco burgués y protestante, naturalista y laico, que se dio en Inglaterra y Holanda. El protestantismo aconsejaba austeridad y sencillez arquitectónica, características ambas que se dan en el arte barroco impulsado por la reforma protestante.

"Natividad" de Alberto Durero...

2012-01-06T07:00:00.000Z

"Adoración de los Magos" de El Bosco...

2012-01-05T07:00:00.000Z

"Adoración de los Magos" de Leonardo da Vinci ...

2012-01-04T09:26:00.003Z

¡Feliz Año Nuevo!...

2012-01-01T00:00:00.000Z

Veamos este movie maker de postales antiguas de Año Nuevo...

30 de diciembre, celebración de la Sagrada Familia...

2011-12-29T20:00:00.004Z

El 30 de diciembre se celebra la fiesta de la Sagrada Familia. Es una fiesta de devoción, introducida por primera vez como celebración opcional en 1893. El culto de la Sagrada Familia se hizo muy popular en el siglo pasado, sobre todo en Canadá. El papa León XIII lo promovió muchísimo. En unos tiempos en que las fuerzas secularizantes constituían una amenaza clara para la familia cristiana, se propuso a la Sagrada Familia de Nazaret como modelo, como fuente de inspiración y de ayuda.

Disfrutemos de unos días de vacaciones navideñas...

2011-12-25T22:41:00.003Z

Veamos este Movie Maker dedicado a postales antiguas de Navidad...

¡Felicidades a todos!...

2011-12-21T07:17:00.002Z

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Protección del "Entierro del señor de Orgaz" durante la Guerra Civil...

2011-12-20T18:53:00.002Z

Blog "Toledo olvidado" (8/02/2009).

El "Entierro del Señor de Orgaz" (incorrectamente denominado muy a menudo como "Entierro del Conde de Orgaz", pues cuando Gonzalo Ruiz de Toledo falleció en 1323 no era conde, sino señor, ya que no fue hasta 1522 cuando Orgaz pasó de señorío a condado) es una de las obras cumbre de la historia de la pintura universal. Tal vez por ello, en los fatídicos días del enfrentamiento fratricida que comenzó en 1936, todas las partes tenían clara la importancia de su preservación. De este modo, el cuadro fue hasta en dos ocasiones protegido para evitar que los inminentes bombardeos ocasionaran daños en el lienzo de El Greco de la Iglesia de Santo Tomé.

Así, en septiembre de 1936, el cuadro fue protegido por el Comité de Defensa del Patrimonio del Frente Popular bajo las indicaciones del Director General de Bellas Artes, Josep Renau Berenguer, y del escultor Emiliano Barral. Renau ordenó que el cuadro fuese tumbado en el suelo sobre cuatro montones de mantas colocando algunas otras en el bastidor a modo de relleno. Sobre él, debían situarse a modo de sandwich capas de tablones gruesos y más mantas.

Y así fue como encontraron el cuadro, sano y salvo, las tropas nacionales al tomar la ciudad. Sin embargo, en 1937, una nueva amenaza de bombardeos republicanos hizo que el cuadro tuviera que ser de nuevo protegido. En esta ocasión el encargado de dirigir las tareas fue el destacado arquitecto vasco Pedro Muguruza, ayudado por los carpinteros Jaime García Gamero y Meneses. Colocaron el cuadro bajo el coro de la iglesia y utilizaron colchones de lana, maderas y sacos terreros.

Las fotografías del archivo Rodríguez que os muestro han sido atribuidas a ambas protecciones, tanto a la que efectuaron las autoridades republicanas en 1936 como la que realizaron las nacionales en 1937.

El Greco: "El Entierro del Señor de Orgaz"...

2011-12-19T20:05:00.000Z

"El Entierro del Señor de Orgaz" es un óleo sobre tela de 4,80 x 3,60 metros , pintado entre 1586 y 1588, de estilo Renacentista (manierista), obra de un pintor griego llamado Domenikos Theotokopoulos, conocido por El Greco, que se conserva en la Iglesia de Santo Tomé en Toledo y en él se representa el milagro que en 1323 ocurrió en aquella iglesia cuando se iba a enterrar a Gonzalo Ruiz de Toledo, señor de Orgaz: en ese momento bajan del cielo San Agustín (con la mitra porque era Obispo) y San Esteban el otro que coge su cuerpo y lo entierran ellos mismos con sus propias manos (asisten también San Francisco con hábito gris y San Benito con hábito negro de monje encapuchado) debido a la fama de piadoso y caritativo que este noble tenía en Toledo tal cual su título indica. Aunque se le ha llamdo Conde Orgaz no era conde; el condado de Orgaz no se constituyo hasta el siglo XVI.

El origen del cuadro es un encargo del párroco de dicha Iglesia a El Greco para con esta pintura recordar de una manera más directa al fiel la necesidad de la caridad para lograr la salvación. El cuadro en sí es una catequésis.

Este gran cuadro es de estilo manierista (estilo artístico difundido por Europa en casi la segunda mitad siglo XVI, caracterizado por la expresividad y la artificiosidad) y está dividido en dos grandes zonas, por un lado en la parte alta se observa una zona celestial en donde aparecen Cristo, la Virgen, ángeles, santos y otros personajes ya fallecidos.

En la parte inferior, la terrenal, se representa un entierro rodeado de personajes, unos eclesiásticos y otros civiles. Ambas zonas tienen una luz diáfana que no procede de un punto concreto ( luz artificial usada a criterio del autor; típico del manierismo), es decir, no se han tenido en cuenta las antorchas pintadas como procedencia de la luz del cuadro, si no, habrían habido contrastes entre luces y sombras en función de la ubicación de las antorchas.

Se podría decir que el Renacimiento es la plasmación a través de la belleza y la explosión de colores (sobre todo en la escuela veneciana: Tintoretto, Tiziano), de los modelos clásicos de acuerdo con la nueva mentalidad del hombre moderno y cristiano que ya no necesita una interpretación eclesiástica de la realidad, el pensamiento y la conciencia. Es un arte que es una recreación del espíritu. Concretamente el Cinquecento se ubica en la ciudad de Roma donde todo el arte es religioso bajo el mecenazgo de los Papas (Julio II, Leon X y Clemente VII).

El Renacimiento de los patrones y modelos (arquitectura, pintura, escultura...) no es un hecho aislado y desvinculado sino que forma parte de los cambios políticos (Monarquía Autoritaria y Estado Moderno), económicos (comienza el Capitalismo), sociales y urbanos (afianzamiento de la burguesía). Se consagra al hombre y la naturaleza (sobre todo en la pintura) combinandolos de forma real y dando volúmen (buena anatomía a los cuerpos humanos).

El Greco concebía este cuadro como una creación de su mente no como "un retrato de lo que debió pasar", es decir, impera su creatividad y no la realidad. Aunque representa un milagro del siglo IV está situado en el Toledo de su época se cree para ganarse la simpatía de la ciudad (se empadronó dos años más tarde) y obtener encargos de cuadros de donde vivir pintando. Es característico de su estilo el alargamiento de las figuras, el horror a los espacios vacíos, el contraste lumínico y el colorido acentuado.

También resaltan lo alargadas que son las figuras humanas (sigue un canon según el cual a la cabeza le corresponde una décima parte de todo el cuerpo) y en sí el cuadro que es mucho más alto que ancho porque El Greco con los manieristas postulaban que el cuerpo humano no puede medirse objetivamente sino que intenta estilizar bellamente las formas alargandolas en muchos de sus cuadros (concretamente las manos estilizadísimas en este, los cuerpos y sobre todo las caras).

Dispone a los personajes y al cuadro en altura y no en la acostumbrada horizontalidad teatral y renunciando a los fondos y escenarios arquitectónicos enormes llenos de pórticos y columnas para lograr profundidad y perspectiva y suprimiendo aludir a tiempo y lugar como también haría en "El Expolio".

Destaca en el cuadro: Los aristócratas asistentes al entierro son caras reales de señores nobles del Toledo de la época.

La cara real del cura que oficia es la del que le encargó este cuadro (totalmente a la derecha con estola).

La de su hijo señalando la escena principal y la de su padre (del pintor) son las únicas caras de todo el cuadro que miran de frente al espectador.

A la vírgen la coloca en el medio de la zona celestial como "medianera" entre la multitud de santos y Jesucrito para apoyar la contrareforma católica contra la herejía protestante que postulaba que la vírgen no tenía un papel medianero entre la humanidad y Dios.

El cuadro tiene forma asemajada a los iconos del arte sacro para indicar el desapego a lo terrenal.Los cuerpos terrenales muy anatómicamente logrados ( muy "miguelangelesco").

Explosión de color para resaltar la zona celestial mientras que en la terrenal predomina el contraste negro/blanco con las escepciones de los ropajes de los seres celestes en zona terrenal (incluido el fallecido porque también va al cielo). Con ello acentúa el dramastismo del cuadro.

En la zona celestial se aprecia la poca frencuencia de la linea sustituída por las pinceladas y formas de color mientras que sobre todo en las caras las lineas definen todo.Un afán por llenar todo el lienzo que hasta da la sensación de apretujarse.

En la actualidad se conserva justo encima de la tumba del Señor de Orgaz en Toledo.

Vídeo: Trailer, "El Greco"

Corre el año 1566. Tras huir de la ocupación veneciana de Creta, su isla natal, el pintor Domenicos Theotocopoulos, más conocido universalmente como El Greco, llega a Venecia y comienza a trabajar ...

El Escorial y El Greco - El Greco y el Escorial...

2011-12-17T23:56:00.001Z

Felipe II se encargó personalmente de supervisar las obras y equipar el Monasterio de El Escorial. Muchas de las pinturas elegidas por él exaltan los sacramentos más atacados por el protestantismo, como el de la Confesión y el de la Eucaristía; así como también la figura de la Virgen, relegada por los protestantes. En resumen, el Monasterio de El Escorial es un edificio que ejemplifica las aspiraciones del Concilio de Trento, que vino a ser la respuesta católica a la Reforma Protestante.

Vamos a detenernos en una de estas reliquias... la de San Mauricio, que se encuentra separada en uno de los altares principales.

El interés de Felipe II por este santo se basa en que Felipe II era el gran maestre de la orden del Toisón de Oro. Uno de los fines de esta orden era defender la fe, y su “titularidad” estaba en los Habsburgos (los Austrias) españoles.

Felipe II encargó el retablo de la capilla de San Mauricio a El Greco. El cuadro fue entregado en 1583, pero nunca se puso en la capilla a la que estaba destinado, por el contrario se encargó otro cuadro del mismo tema a Romulo Cincinnato, que estaba trabajando en El Escorial desde 1567. Sigüenza, un cronista de la época señalaba:

“Cincinnato era poco original, sin embargo su Martirio de San Mauricio era harto alegre y bien tratado … [el rechazo del cuadro del Greco por parte del Rey se debió a que] no le contentó a su Majestad (no es mucho) porque [El Greco] contenta a pocos, aunque dicen que es de mucho arte, y que su autor sabe mucho y se ven cosas excelentes de sus manos”.

Según Osten, en el cuadro de Cincinnato, las ejecuciones se encuentran en primer término de forma drástica y patética A su vez, las lanzas, la espada, la luz, la palma del martirio, el dedo índice etc., establecen unas relaciones que explican bien el martirio y sus consecuencias, sin embargo, hay una falta de claridad en la relación de los hechos. En el cuadro de El Greco, la escena principal representa una idea abstracta, la de una decisión consciente y libre de aceptación del martirio, mientras que las ejecuciones y los movimientos de masas se dan dentro de una cierta lógica realista, pero se sitúan al fondo.

Osten concluye:

“En comparación con el cuadro de Cincinnato, el del Greco era más consecuente y más claro en la composición y en la representación del desarrollo de los hechos. Pero era menos patético, menos evidente, y por tanto no podía satisfacer en la misma medida que el cuadro de Cincinnato la exigencia de un arte didáctico discursivo que inspirara piedad y profundo respeto [por la ética el martirio]…”.

Renacimiento español: El Monasterio de San Lorenzo del Escorial...

2011-12-17T10:30:00.000Z

El Monasterio de El Escorial fue fundado por Felipe II en conmemoración de la victoria en la batalla de San Quintín contra las tropas francesas.

Tal batalla tuvo lugar el 10 de agosto, festividad de San Lorenzo, mártir cristiano que murió en una parrilla, por lo que se decidió que la planta del edificio tuviera esta forma.

Se trata de un edificio derivado de fuentes italianas, pero de gran sobriedad y desornamentación, lo que unido a su colosal tamaño y el color gris del granito de su fábrica, le confiere una solemnidad aplastante; se reúnen en un mismo espacio: monasterio, iglesia, palacio y panteón real.

Juan Bautista de Toledo inicia las obras en 1562. A él se deben la planta general del edificio, la fachada meridional y el patio de los Evangelistas. Le sucedió como arquitecto general principal el italiano Giovanni Battista Castello "el Bergamasco", que construyó la gran escalera a la imperial del interior, la primera de este tipo en Europa.

A partir de 1572 dirigió las obras hasta el final de las mismas (1584) Juan de Herrera, auxiliado por Antonio Villacastín, y le imprimió su sello característico. Los trabajos de ornamentación, sin embargo no terminaron hasta comienzos del siglo XVII.

Herrera, estudioso de las teorías del romano Vitrubio, es una de las grandes figuras de la arquitectura española de todos los tiempos e influyó decisivamente en la arquitectura española del último cuarto de siglo. Otras obras de Herrera, al margen del Escorial, serán la Lonja de Sevilla y la catedral de Valladolid.

La arquitectura herreriana se basaba en el protagonismo de la pureza de la línea frente a los elementos decorativos.

No fue azarosa, por tanto, la inmensidad de los muros del edificio, casi desnudos y sólo interrumpidos por hileras de ventanas. Los torreones de las esquinas añaden un sentido militar a la construcción. Estas torres se rematan en chapiteles a cuatro aguas, con pizarra negra, que repiten el contraste cromático con la piedra. La decoración arquitectónica se basa en columnas jónicas y dóricas y frontones triangulares, además de pináculos con bolas.

El Renacimiento en España (II)...

2011-12-16T18:00:00.000Z

El Renacimiento en España tarda en penetrar desde Italia, especialmente por la fuerza que el gótico final isabelino tiene en nuestras tierras.

En el siglo largo que recorre la arquitectura renacentista en España se sucederán las corrientes estilísticas, en especial el plateresco y sobre todo, en el tramo final el grave y austero herreriano, que incluso llegará a fundirse con el primer barroco español de comienzos del siglos XVI.

La arquitectura plateresca corresponde a la primera mitad del siglo XVI en el contexto de una arte oficial dominado por la poderosa monarquía de los Reyes Católicos primero y de Carlos V después. En él se combinan estructuras arquitectónicas del gótico final flamígero o isabelino con elementos decorativos venidos de Italia, que además incorpora elementos mudéjares.

Las características decorativas del plateresco es la profusión de filigrana de piedra (de ahí su nombre, pues imita el trabajo de los orfebres) a base de medallones, los frontones y enjutas, los entablamentos y basamentos, los grutescos, los festones, las columnas balaustradas, todo ello decorando las fachadas de los edificios, que sin embargo tiene la típica estructura gótica de pilares fasciculados soportando bóvedas de crucería compleja.

El plateresco castellano es especialmente abundante en ciudades como Toledo, Valladolid o Salamanca.

Sobresale especialmente la archiconocida fachada de la Universidad, de autor desconocido, constituida como un paño decorativo, independiente del edificio, donde los temas decorativos, de flores, medallones, escudos y grutescos, ofrecen un inusitado ritmo.

Vídeo: viajemos por la ciudad de Salamanca, "País Leonés Sur"

Pero veamos poco a poco la Universidad de Salamanca.

Como decíamos…

De autor anónimo, construida entre 1529 y 1533 la fachada, en la calle Libreros, es uno de los más grandiosos y mejor conservados monumentos del estilo plateresco (variante dentro del Renacimiento). Se debe a una merced de los Reyes Católicos, aunque se construyó después de su muerte, en 1534. Su recuerdo ha quedado perpetuado en un medallón que se encuentra en el primer cuerpo, en el que están sus bustos tallados.

En la parte inferior se puede leer "Fernandino - Elisabeta", y en la parte alta, en griego, "Los Reyes a la Academia, y esta a los Reyes". Parece un tapiz labrado en piedra de Villamayor (piedra caliza de gran calidad plástica y finura) que se levanta sobre una doble entrada.

La fachada está llena de escudos, medallones, figuras de héroes y personajes de todo tipo, constituyendo un auténtico cuadro en el que el espectador puede pasar horas interpretando su exuberante contenido.

En resumen, en esta fachada predominan filigranas y relieves que recuerdan a las labores de los artesanos de la plata y de ahí lo de plateresco. Sobre las dos arcadas de la fachada, ésta se divide en tres cuerpos: en el primero, aparece un medallón con los Reyes Católicos, una inscripción en griego que reza " Los reyes a la Universidad, y ésta a los reyes", en el central, El escudo imperial de Carlos V y en el superior, la figura del Papa con dos cardenales.

Se caracteriza la talla plateresca porque aumenta de tamaño a medida que gana altura, con el fin de provocar un efecto visual más real. Es popular entre los estudiantes una "rana" tallada en la fachada, que en realidad es un sapo, símbolo del pecado.

Tras las puertas de esta antigua universidad, un zaguán o vestíbulo y un corto pasillo, ambos de techumbre góticas nos lleva al claustro de dos pisos siendo original sólo el lado occidental, y los otros remodelados en 1.879.

Las aulas que se distribuyen en torno a él llevan el nombre de algunas personas insignes que pasaron por esta universidad. Destacan también la capilla en donde se encuentra el sepulcro de Fray Luis de León; en el cuadro central figura el juramento hecho por el claustro de profesores del misterio de la inmaculada Concepción, tras la creación del Estudio General por el rey Alfonso IX en 1.218.

En el piso superior, tras una reja renacentista, se encuentra la espléndida biblioteca que alberga en sus estanterías barrocas importantes manuscritos e incunables del s. XI al XIV y unos 40.000 libros editados entre el s. XVI al XVIII.

El Papa Alejandro IV definió a la Universidad de Salamanca "una de las cuatro lumbreras del mundo".

Tal vez sea este el monumento que mejor simboliza la inmortalidad de Salamanca y la une más a las letras y las artes habiendo hecho pasar por ella a insignes personalidades tales como Fray Luis de León, Nebrija, Francisco Vitoria, Cervantes, Menéndez Valdés, S. Juan de la Cruz, Miguel de Unamuno, Torrente Ballester...

Vídeo: Curiosidades de la fachada de la Universidad de Salamanca.

Y llega a España el Renacimeinto...

2011-12-16T14:44:00.001Z

En busca del Renacimiento en España...

Los ideales del Renacimiento y el Humanismo italianos, forjados entre los siglos XIV y XV aunque contase con bases anteriores, pronto calaron en el conjunto de la Europa culta.

El contacto entre España e Italia fue temprano, pues ya desde finales del Trecento y, sobre todo, a lo largo del Quattrocento se documenta una intensa relación cultural. Esta relación prosiguió y se intensificó a lo largo del siglo XV.

El Renacimiento afectó a todos los aspectos de la vida; pero la introducción del Renacimiento en España no supuso, sin embargo, una ruptura total con la Edad Media.

Suelen distinguirse tres etapas en la evolución de las corrientes renacentistas en España:

En el siglo XV, se desarrolla un período de contacto con el humanismo italiano que podemos calificar de Prerrenacimiento.

Ya en el siglo XVI, tras una intensificación de estas tendencias durante el reinado de los Reyes Católicos, se distingue la época correspondiente al rey Carlos I (1516-1556), que se puede calificar de primer Renacimiento, en el que el influjo de Italia se intensifica con un predominio de sus ideales y un marcado espíritu vitalista.

Por último, será en la segunda mitad del siglo XVI, con Felipe II (1556-1598), cuando las tendencias renacentistas se debiliten y cuando España, encerrada en sí misma tras la Contrarreforma, se aísle del resto de Europa.

Vídeo: El Renacimiento en España".

¿Conocemos estas obras?...

2011-12-15T23:31:00.001Z

El artista chino Ju Duoqi es el responsable de la creación de estas réplicas de obras famosas pintadas por Van Gogh, Picasso o da Vinci entre otros.

Lo curioso es que réplicas como éstas hay muchas en cualquier lugar pero ninguna de ellas hecha con vegetales.

Y es que lo único que puede ser mejor que el arte es el arte mismo pero hecho con cosas naturales saludables

Masaccio, "La Trinidad" -tres Personas, un Dios-: un reto para la pintura...

2011-12-12T07:00:00.000Z

La Trinidad es un misterio de gran densidad teológica, y frecuente en los textos del Nuevo Testamento. Tres Personas distintas y un solo Dios verdadero. Tres personas que aparecen en el Bautismo de Jesús, Mt. 3,16-17:

“Después de ser bautizado, Jesús salió del agua. De repente los cielos se abrieron, y él vio al Espíritu de Dios descender en forma de paloma y se posó sobre él. Y una voz que venía del cielo decía: Este es mi Hijo bienamado”.

Y el mismo San Mateo insiste en Mt 28,19:

“Id pues, haced discípulos de todos los pueblos, bautizándolos en el nombre del Padre y del Hijo y del Espíritu Santo”.

"La Trinidad", Masaccio:

Tommaso di Giovanni Guidi, llamado Masaccio por su aspecto descuidado, nació en Castel San Giovanni, hoy San Giovanni Valdarno, el 21 de diciembre de 1401. Era hijo de un notario que murió siendo Masaccio aún muy pequeño. Vivió en un ambiente rodeado de arte, y junto con su hermano y su madre, se estableció en Florencia hacia 1420.

Hacia 1424, según cuenta Vasari, entró en el taller de Masolino que había recibido el encargo de la decoración de la capilla Brancacci, a la derecha del crucero de la iglesia de Santa María del Carmine. Parece que Masaccio colaboró en muchos trabajos junto a Masolino.

Un encargo personal fue la Trinidad de Santa María la Novella. Obra de gran realismo, fechada entre el verano de 1425 y Febrero de 1426. Una obra de gran perspectiva, que aprovecha el monumentalismo de la arquitectura de Brunelleschi. Una obra calculada hasta el mínimo detalle.

Al pintar su Trinidad en la pared de Santa María la Novella, en Florencia, inició el estudio consciente de la perspectiva en la pintura, algo que ya había realizado Donatello en la escultura. Utilizó la perspectiva lineal por primera vez, marcando el punto de fuga, debajo de las figuras representadas, a la altura de la vista del espectador, coincidiendo con los cánones más clásicos. El efecto de relieve, de profundidad, es muy evidente.

La Capilla de la Trinidad es una construcción amplísima, delimitada por la perfecta proporción de las figuras. Bajo el intradós, la parte interior del arco, el Padre celestial sostiene la cruz; entre su cabeza y la de Cristo, aparece el Espíritu en forma de paloma. La figura de Cristo, serena, grave, con gran majestad. Después de una pendiente muy ligera, están la Virgen y San Juan, y debajo, en una simulada mesa de altar, un esqueleto, como si se tratara de una reliquia.

El rostro del Padre y el rostro de la Virgen, son modelos reales. El sentido jerárquico, Trinitario, está presente en toda la obra. Una distribución exacta del espacio, sentido piramidal, la Trinidad perfectamente conjuntada, centro de la composición. Masaccio sintetiza las figuras y el ambiente, con una precisión geométrica.

Un espacio perfectamente delimitado, una luz frontal que se distribuye uniforme sobre toda la obra, remarcando la claridad del misterio Trinitario. Las figuras del Padre y el Hijo tiene el mismo tamaño que las figuras humanas, la representación es grandiosa, las imágenes se han dispuesto en forma triangular, con un vértice superior centrado en el Padre.

Es una obra que ha tenido diferentes interpretaciones. La más habitual, es la Trinidad, pero existen otras, como la alusión al Trono de la Gracia, con la Virgen y San Juan como orantes, intercesores ante Dios, como Padre, como Espíritu y como Crucificado; para algunos, es una obra que destaca un doble Gólgota, el real, en la cima del monte, en la parte superior, y el alegórico, en el plano inferior, el esqueleto, que representaría a Adán.

Vídeo: Santa María Novella; Trinity, Masaccio.

Y ya hicimos la visita a La Laguna, "FOTONOVIEMBRE 2011"...

2011-12-10T01:25:00.003Z

Veamos el vídeo de nuestra visita; no tiene, ni mucho menos, todas las fotos, ni las mejores, pero nos servirá para rememorar nuestro desplazamiento a La Laguna.

Os tengo que felicitar, hablo también por Manolo, por vuestra participación y por vuestra asistencia generalizada a la actividad; pero dejémonos de palabras que el vídeo empieza...

Visita a La Laguna - Fotonoviembre 2011...

2011-12-07T21:30:00.002Z

Acerquémonos a la La Laguna, declarada por la UNESCO Ciudad Patrimonio de la Humanidad...

Visita a La Laguna (9 de diciembre, 2011) - Fotonoviembre 2011...

2011-12-06T21:44:00.002Z

Vídeo: María Pisaca, Fotonoviembre 2011. 23/11/2011. María Pisaca ganadora del tercer premio del certamen regional de fotografía de prensa en Fotonoviembre 2011.

Vídeo: Germaine Krull en Estudio ARTIZAR. 14/11/2011. Vídeo de la exposición de Germaine Krull realizada en Estudio ARTIZAR, incluida en el programa de FOTONOVIEMBRE 2011 de Tenerife.

Vídeo: Tethys Gallery, montaggio mostra Carlo Gianferro. 15/04/2011.

Vídeo: Gypsy Interiors, by Carlo Gianferro.

Gypsy Interiors from Carlo Gianferro on Vimeo.

6 de diciembre, "Día de la Constitución Española"...

2011-12-06T09:59:00.000Z

… “Garantía de los derechos”:

La Constitución española es la LEY FUNDAMENTAL y superior a todas las demás leyes. Tiene como misión establecer la forma de gobierno que desean los españoles, y por eso se la denomina también “LEY de LEYES”.

La Constitución supone una garantía contra las extralimitaciones de poder por parte del Estado y protege a todos los ciudadanos. Les asegura sus derechos individuales y colectivos, así como sus libertades públicas frente a los abusos de los poderes estatales, regionales o locales de cualquier entidad pública o privada.

El texto constitucional que fija por escrito estas garantías se redacta en el seno de una Asamblea Constituyente, elegida por los ciudadanos. Una vez redactado, el texto constitucional se somete a referéndum para su aprobación definitiva.

A partir de ese momento, todo el ordenamiento del país deberá adecuarse a lo establecido en la Constitución.

Vídeo: ¿Qué es una Constitución?. Juan José Lucas.

Vídeo: El referéndum constitucional.

Vídeo: Sanción por S.M el Rey de la Constitución de 1978.

El viernes, 9 de diciembre, nos vamos de visita fotográfica artística a la Ciudad de los Adelantados, La Laguna...

2011-12-03T09:43:00.001Z

La XI Bienal Internacional de Fotografía de Tenerife Fotonoviembre lleva a La Laguna cuatro muestras repartidas en tres espacios emblemáticos de la ciudad universitaria.

En la Casa de los Capitanes de La Laguna se exhiben trabajos de seis artistas: Cristian Maturana Ortiz, José Luis Trujillo, Linda Troeller, Maykel Lima, Meritxell Santos y Ricardo Canino.

Otras dos exposiciones colectivas de Fotonoviembre están localizadas en el antiguo convento de Santo Domingo, donde pueden verse imágenes de Anne Sophie Costenoble, Juan Carlos Rodríguez, Rafael Arocha, Rob Maclnnis, Vicky Delgado, Ada Ramos, Marco Rigamonti, Nancy Newberry, Óscar Santana, Pelle Cass, Samiel Sánchez, Susan Barnett y Telemacox.

Por otro lado, la sala de arte del Instituto Cabrera Pinto es el escenario de la muestra "Familia y comida europea", incluida en la Sección Oficial de Fotonoviembre'11. Los participantes son la eslovaca Petra Cepková, el polaco Tomasz Galecki, el húngaro György Gáti, la italiana Simona Ghizzoni, el finlandés Kapa, el griego Georgios Makkas, la española Vanessa Pastor y el francés Alain Willaume.

Acerquémonos a uno de los lugares que visitaremos el próximo viernes, la conocida Casa Lercaro.

Los Lercaro eran una familia genovesa que en el XVI se instalaron en el palacete. La hija, Catalina, fue obligada a casarse con un pretendiente a la fuerza y desesperada se suicidó tirándose al pozo. Al ser una suicida la familia la enterro en un lugar desconocido de la casa. Al poco empiezan a pasar cosas y la familia deja el palacio.

En los años 90 el cabildo restaura la casa como museo de historia y los vigilantes de las obras comienzan a hablar de ruidos extraños, hasta los actuales del museo. Hay apariciones, ruidos, olores, dolores de cabeza.

Masaccio, o lo que es lo mismo... Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai.

2011-12-02T17:03:00.001Z

Tommaso di Ser Giova Mone Cassai, "Masaccio", nació en Florencia (Italia) en 1401 y falleció 1428. Pertenece al Renacimiento Italiano (Quattrocento).

Su padre, notario de profesión, se llamaba Ser Giovanni Cassai - apellido derivado de la profesión de su abuelo, artesano que hacía muebles y cajas - y su madre Iacoba. En 1406 queda huérfano de padre. Se traslada Masaccio a Florencia hacia 1417, acompañado de su madre, viuda de su segundo matrimonio.

El 7 de enero de 1422 aparece inscrito en el gremio de médicos, boticarios y pintores de la ciudad, empapándose del ambiente humanista que se respiraba en la capital de la Toscana, relacionándose con Donatello y Brunelleschi, como se observa en el Tríptico de San Giovenale, su primera obra conocida. Se considera que al año siguiente realiza un viaje a Roma, donde se interesa por el mundo antiguo. En 1424 se inscribe en la "Compagnia di San Luca" e inicia sus relaciones con Masolino, con quien trabaja en algunas obras como la Santa Ana, Virgen con Niño y ángeles y en la decoración de la capilla Brancacci, su obra maestra. La ejecución de los frescos se prolongará hasta 1428, trabajos que compagina con otros encargos como el Políptico de Pisa o el fresco de la Trinidad de la iglesia de Santa Maria Novella.

En 1428 se traslada a Roma, interrumpiendo los trabajos en la capilla Brancacci - que continuará 60 años después Filippino Lippi - para colaborar nuevamente con Masolino en la ejecución de un tríptico para la iglesia de Santa Maria Maggiore, que no llegó a finalizar ya que falleció misteriosamente ese mismo año, sugiriéndose que fue envenenado, aunque no existen datos fidedignos que avalen esta hipótesis.

El estilo de Masaccio destacará por sus figuras monumentales, inspiradas en la escultura de Donatello, actualizando las ideas de Giotto y situándose frente a Gentile da Fabriano, quien triunfaba en Florencia con sus elegantes escenas tardogóticas. Masaccio aporta un elevado interés hacia la perspectiva científica al dotar de un nuevo sentido del espacio a sus composiciones, la expresión de sus personajes y el empleo de la iluminación, que transmiten a sus obras un lenguaje crucial para la evolución de la pintura renacentista, considerándose como el primer maestro del Quattrocento, que influiría en artistas como Botticelli, Fra Filippo Lippi o Miguel Ángel.

Vídeo: Masaccio.

El Renacimiento: pintura y perspectiva...

2011-11-30T22:35:00.001Z

Una de las principales preocupaciones del pintor del Renacimiento es conseguir un efecto naturalista de la profundidad en el cuadro de forma que se reproduzca la realidad tal y como se percibe con la vista. Los principales intentos se realizan tanto en Flandes como en Italia, aunque la línea de investigación es diferente, y confluyen hacia el final del S. XV al intercambiarse sus conocimientos y descubrimientos.

La realidad tiene tres dimensiones, alto, ancho y profundo, pero un cuadro sólo dos, lo alto y lo ancho. Este es el principal problema de todo pintor: ¿cómo conseguir dar la ilusión de profundidad en un cuadro?. La respuesta es mediante el engaño a nuestro sentido de la vista. Nuestros ojos no son infalibles, más bien es fácil distraerlos y hacerles ver efectos engañosos.

La perspectiva o tridimensionalidad, que también tiene que ver con la corporeidad y la volumetría es por tanto un fraude a nuestros sentidos, es una apariencia falsa, pero nosotros caemos en la trampa y nuestra vista resulta burlada.

En la antigüedad y durante la Edad Media no se sabía representar la distancia ni la profundidad. Todo aparece en el mismo plano, los colores no están gradados, los contornos son claros y marcados y no hay fondo. Durante el gótico se elabora una jerarquización perspéctica o perspectiva teológica, los personajes son más grandes cuanta mayor significación poseen, caso de Jesucristo, la Virgen o algún santo.

Es en el Renacimiento cuando los pintores florentinos comienzan a investigar en serio la perspectiva como una ciencia, con sus leyes y sus principios matemáticos. Genios como Mantegna, Ghiberti, Massaccio y otros establecieron ciertos principios necesariamente observables para reproducir la distancia. Estos principios fueron posteriormente perfeccionados por Leonardo, Miguel Ángel, Giorgione y Rafael.

Vamos al grano, ¿cuáles son los engaños necesarios para lograr la tridimensionalidad en un plano?. Ahí los tienes:

Perspectiva lineal: El cuadro se estructura como si mirásemos una pirámide desde dentro de su base. Vemos así un punto de fuga imaginario al fondo sobre el que convergen una serie de líneas de fuga, a veces imaginarias y a veces reales (pavimentos, techos, personajes, etc.).

Perspectiva menguante: A medida que aumenta la distancia, disminuye la nitidez, los contornos se van haciendo borrosos y desdibujados, al igual que ocurre en la realidad.

Perspectiva de color: En este caso, cuanto más lejos aparece representado un objeto, más tenues son sus colores. Existe también en el mundo real un desvaimiento de los tonos al aumentar la lejanía. (Vemos las montañas azules desde lejos). Además de estas tres perspectivas generales hay otros recursos añadidos para subrayar la tridimensionalidad como por ejemplo el punto de vista alto (perspectiva caballera) aumenta el campo visual y por tanto la sensación de profundidad. También la alternancia de planos iluminados y otros en penumbra; o un fondo ilimitado e infinito; o disminuir el tamaño de los objetos progresivamente según se alejan del espectador, etc. A la perspectiva que toma en consideración las tres citadas anteriormente se la suele conocer como perspectiva aérea.

El Renacimiento - pintura: Italia...

2011-11-29T19:16:00.001Z

Las raíces de la pintura renacentista se encuentran en el arte de Giotto, el gran maestro del siglo XIV. La pintura del Quattrocento (siglo XV) se diferencia claramente de la pintura gótica. Desaparece el retablo y por eso se subordina a un conjunto: cada cuadro es un mundo en él mismo, sin ninguna conexión con un ámbito exterior. Sin dejar de tener una presencia constante, los temas religiosos son tratados a menudo como temas profanos. El paisaje, la belleza idealizada de los desnudos, el volumen de las formas y el sentido espacial son las dimensiones cardinales de la pintura renacentista.

La luz se trabaja con más perfección, pero en general sirve para resaltar planos. En contraste con las formas planas, el pintor del Renacimiento está obsesionado por captar la profundidad. El paisaje se conrea con pasión, con sus prados primaverales para obtener efectos de profundidad y encuadrar las figuras.

La composición en el Renacimiento es complicada, es frecuente que haya diferentes escenas en un mismo cuadro o diferentes figuras principales.

La pintura renacentista aparece en el siglo XIV pero su máximo apogeo se produce en el siglo XV y sobretodo en XVI. En este período el color ya se trabajaba de una manera más libre, y por tanto, el dibujo y el contorno pierden la primacía. Las formas, con el claroscuro de sombras y luces, adquieren un aspecto redondeado en detrimento de la apariencia plana; para conseguir el volumen el artista se sirve de muchos recursos, a parte de los sombreados: por ejemplo, el brazo delante el busto en los retratos.

La luz en la pintura renacentista adquiere una importancia nueva juntamente con las sombras, casi ausentes de los cuadros del siglo anterior.

Durante el Renacimiento desaparece la obsesión por la perspectiva y, no obstante esto, las escenas adquieren una profundidad que parece natural, no una cosa conseguida con esfuerzo. El paisaje es rico en vibraciones luminosas y la primavera y los prados floridos dejan de ser el único encuadre de las figuras; los fondos de boira, las rocas, los crepúsculos, dan cierto matiz romántico a las escenas. La composición es clara, a menudo triangular, las figuras se relacionan con la mirada y con las manos, cada cuadro representa solo una escena o se destaca la acción y la figura principal.

"Miguel Ángel, "David"...

2011-11-28T19:01:00.000Z

“Escoged a un hombre y que venga contra mí. Si pudiere pelear conmingo y vencerme, nosotros seremos vuestros siervos; mas si yo prevaleciere sobre él y lo matare, vosotros seréis nuestros esclavos“…

Apareció de entre la multitud un pequeño muchacho, un pastor llamado David. Aquel muchacho metió la mano en el zurrón, saco una piedra, la puso en la honda y disparó. El gigante cayó fulminado en el suelo con un tremendo impacto de la piedra en medio de la frente. Corriendo, David se acercó a él, cogió su espada y decapitó al gigante Goliat.

Durante siglos esta historia nos ha servido a todas las generaciones como ejemplo de valor, de seguridad, para darnos cuenta de que cualquier cosa, por muy grande y difícil que sea, podemos vencerla si nos lo proponemos. Esta misma historia, tiempo ha, cautivó también a los florentinos, quienes veían en su figura un reflejo de las cualidades de Florencia. Valor para enfrentarse una pequeña república como era la florentina, a toda una república italiana, y belleza, la que tiene Florencia en cada uno de los rincones de la ciudad. Aquel 13 de septiembre de 1501, David, el rey de Israel, quedó ligado a la historia de Florencia para siempre.

Pero no fue ésta la idea original. La enorme piedra de mármol que llevaba años (desde mediados del siglo XV) almacenada en la propiedad del Arte de la Lana (gremio de tejedores de Florencia) era conocida como “el gigante”, antes incluso de ser tallada. Estaba destinada a escultura de algún profeta para la catedral de Santa María del Fiori. Era la época del papado de Alejandro VI, el papa Borgia; era la época justo posterior a la caída de los Medici en Florencia; era la época en que la estrella de un conocido artista toscano empezaba a brillar: Miguel Ángel Buonarroti.

Sin embargo, aquella piedra no fue a parar en primer lugar a las manos de Miguel Ángel. Fue Agostino di Duccio quien afrontó tamaña tarea. Era el año 1460, y di Duccio sólo llegó a vaciar parte del mármol, pero de tal modo que dejó la piedra casi inservible. Por ello, aquel mármol se dejó abandonado y estuvo durante tantos años oculto.

El cambio de siglo trajo nuevas ideas, como la de afrontar de nuevo el proyecto pero dedicándolo a “David”. Se ofreció la obra, y tres artistas se presentaron voluntarios: Andrea Sansovino, Leonardo da Vinci y Miguel Angel Buonarroti. El primero quedó descartado rápido, y la elección quedó entre los dos últimos. Leonardo acababa de esculpir un caballo de terracota inmenso para los Sforza de Milán, que desgraciadamente había sido destruido por las tropas francesas. Miguel Ángel venía de esculpir la soberbia “Pietà” en Roma.

Lo que decantó la elección fue la seguridad dada por Miguel Ángel de que con el bloque de mármol que le pusieron en las manos sería capaz de construir aquella colosal estatua, sin necesidad de más piedras, y, además, hacerlo “ex uno lapide“, o sea, de una sola pieza, estilo que estaba considerado como sólo propio para obras maestras.

La obra comenzó el 13 de septiembre de 1501. En el más absoluto de los secretos Miguel Ángel se encerró con su obra, y sólo el 23 de junio de 1503 dejó ver algo de ella a los ciudadanos. En mayo de 1504, Miguel Ángel acabó la que es considerada como la escultura más bella y perfecta del Mundo.

Pero su Historia no acabó ahí, porque el detalle de su localización ya fue motivo de controversia. Inicialmente, la idea era colocarlo en la catedral apoyada en un contrafuerte, pero entonces se perdía la visión trasera de la estatua, y entre ello, la visión de la honda que iba a la espalda. En enero de 1504, 32 artistas y ciudadanos de renombre de la ciudad de Florencia se reunieron para buscarle emplazamiento. Se decidió que sería en la Piazza de la Signora. Pero la controversia no se quedó ahí, pues aquella mirada amenazante de la estatua; aquellos ojos que parecían cobrar vida en el mármol eran una cuestión políticamente crucial.

Si la ponían mirando hacia Pisa, significaría el deseo de Florencia de reconquistar Pisa, una ciudad que había sido ya florentina. Si se ponía mirando hacia Roma, parecería una mirada de despecho hacia un lugar donde el papa Alejandro VI había cobijado a los Medici que habían sido expulsados de la ciudad por el gobierno florentino. Finalmente, sin embargo, se escogió esta última, y fue tal el rechazo que tuvo entre el pueblo llano que en los cuatro días que duró el traslado del “David” desde el taller a su lugar de emplazamiento, fue apedreado.

El 8 de septiembre de 1504, la estatua quedó inaugurada.

Miguel Ángel y la escultura...

2011-11-28T08:04:00.000Z

Miguel Ángel es el artista con mayúsculas; aunque también se dedicó a la pintura y a la arquitectura, la verdadera pasión de Miguel Ángel fue la escultura.

Miguel Ángel es el gran escultor de todos los tiempos. Fue ante todo un artista que prefirió este género por encima de los demás. Descubrió su arte con Donatello, donde empezó a impresionarse por las obras clásicas que no eran copiadas, sino que desarrollaban su imaginación.

Miguel Ángel es un estudioso del movimiento, siendo innovador y presentando nuevas soluciones.

Poseía una amplia visión de la composición escultórica, siendo sus composiciones originales, novedosas, fruto de una gran reflexión.

Toma posesión del espacio, el volumen es una preocupación de su escultura, da siempre el volumen adecuado. Sus composiciones escultóricas están llenas de ritmo, inspirado en la propia vida.

Trabaja siempre grandes bloques de mármol, nunca hace añadidos. Suele trabajar sólo por lo que es un maestro del cincel, realiza desde el vaciado grueso hasta la pulido del mármol.

Es un perfeccionista, sus obras pasan la mayor de las exigencias, la suya personal. Si no está satisfecho la destruye, aborrece la chapuza.

Distingue como nadie las figuras dentro de los bloques de mármol, tiene una visión escultórica donde los demás solo ven una roca. Miguel Ángel dota a sus obras de una gran espiritualidad, cobran vida interior, nos transmiten pasiones y sentimientos humanos, unidos a su gran perfección física.

La escultura de Miguel Ángel no es lineal sino que presenta una evolución, pudiendo distinguir en el autor 3 etapas:

a) Una juvenil, en donde destacan "Relieve de la virgen de la escalera", "Piedad del Vaticano" y "David de Florencia".

b) Madura entre las que resaltan todos los relacionados con el Mausoleo del papa Julio II ("Moisés" y "los esclavos"). Los relacionados con las capillas mediceas ("retrato de los Medici", "las alegorias").

c) Vejez, donde destacaremos "La Piedad rondanini".

Ghoethe dijo de él: "En cada uno de sus pinceladas y martillazos vibra el espíritu del artista por excelencia, en su mas doble dignidad y en su mas elevada pureza". Con 89 años, sus manos no le obedecían, temblorosas y agotadas por el continuo crear, le decía a su amigo con triste y resignada sonrisa "las manos de la muerte son eternas, y ya siento que me agarran por el manto" Murió en Roma. De acuerdo con su voluntad, su ataúd fue llevado e inhumado en la iglesia de Santa Croce en Florencia.

Vídeo: David de Miguel Angel (Florencia). Esta es la vista interior de la Galeria de la Academia en donde esta el David de Miguel Angel en Florencia.

Sonriamos un poquito...

Vídeo: "DAVID" DE MIGUEL ÁNGEL, REGRESA A ITALIA. Este es un video que nos trata de hacer ver (entre broma y broma) que la "COMIDA" que se consume hoy en día, no es la más adecuada para la salud.

"Bóveda y testero" de la Capilla Sixtina (Miguel Ángel)...

2011-11-27T22:02:00.000Z

La capilla Sixtina tomó nombre del papa que mandó construirla en 1473: Sixto IV. Aun cuando los planos los hizo el arquitecto Baccio Pontelli, fue construida por Giovannino de´ Dolci. Es famosa por los frescos pintados por Miguel Ángel en el techo de la capilla, el Juicio Final en la pared del altar (donde previamente estaban otros de el Perugino; famoso pintor renacentista italiano también) y otros frescos en las paredes laterales de Signorelli, Perugino, Botticelli... y otros autores renacentistas.

La bóveda, realizada entre 1508 y 1512, presenta una distribución arquitectónica en la que son adaptados los diferentes personajes de la composición.

En 1508 el papa Julio II encargó a Miguel Ángel pintar la boveda. La preparacion de la boveda se inicio el 10 de mayo de 1508, fecha de la firma del contrato.

Hasta principios de enero de 1509, el artista debio de estar haciendo bocetos y preparando los cartones, iniciando a partir de fines de 1509, una primera seccion que comprenderia la Embriaguez de Noe, el Diluvio y el Sacrificio de Noe, junto con Zacarias, Joel, la Sibila Delfica, Isaias y la Sibila Eritrea, los correspondientes Ignudi, David y Judtih en las esquinas y los lunetos de los antepasados.

La segunda seccion, debio de realizarse entre 1509 y 1510 y comprendió la Caida y Expulsión, y la Creación de Eva, Ezequiel y la Sibila Cumana, junto con los correspondientes Ignudi y los dos lunetos adyacentes. Escenas que van de pared a pared de la bóveda, distribuidos en una decoración arquitectónica de pilastras y entablamentos fingida.

La tercera seccion se realizo en 1511, y comprendía las cuatro últimas historias: Daniel, la Sibila Pérsica, la Sibila Libica, Jeremias y Jonas, con sus Ignudi, los correspondientes lunetos de los antepasados y en los angulos la Crucifixion de Aman y la Serpiente de bronce.

La cuarta seccion, realizada entre 1511 y 1512, comprendia todos los lunetos de los muros.

La representacion del Juicio Final, fue encargada por el Papa Clemente VII, pero al fallecer éste, la obra quedo suspendida puesto que Paulo III retiró el encargo, que se continuará a partir de 1535 a 1541. El programa aquí representado no fue de libre elección por parte del propio pintor sino que le vino impuesto.

Miguel Ángel siguió de esta manera las bóvedas de los monumentos romanos, cubriendo con su pintura todo el espacio, tratando de engañar al espectador. Los trabajos se iniciaron desde el muro situado frente al altar mayor que más tarde sería decorado con el Juicio, apreciándose en el sentido inverso al que aparecen en el Génesis. Esto ha sido interpretado por algunos especialistas como el retorno del alma hacia Dios, relacionándose con la filosofía neoplatónica que Buonarroti conoció en el palacio de los Médici.

El programa iconográfico que observamos en la decoración no surgió del pintor ya que debió ser consensuado con el pontífice y asesorado por alguna autoridad teológica, sometiéndose de nuevo a la aprobación definitiva del papa.

El resultado es una de las obras maestras de la pintura, recientemente restaurada y limpiada para ofrecer a los espectadores. Como es característico en todas las obras de Miguel Ángel resalta la maravilla y la fuerza del color sin olvidar su admiración por la anatomía humana desnuda presente en todo el proyecto y que le costó serios disgustos debido a la inmoralidad de los desnudos. Supo incorporar el espíritu de la Antigüedad clásica a los temás bíblicos cristianos.

Con Miguel Ángel se produce la destrucción del clasicismo, se tiende al manierismo (movimiento puente entre el renacimiento y el barroco). Típico de él es la eliminación del paisaje, la exaltación de la fuerza física y moral, gran vigor, escorzos violentos y enormes proporciones, gigantismo. En estos frescos se observa un elemento muy utilizado por él: la cuadratura, que consiste en fijar en la pintura una arquitectura fingida.

En su obra dibuja arcos, pilastras y con esto divide las distintas escenas. Miguel Ángel lo pinto él solo sin aceptar ayuda subido en un andamio construido por él mismo.

La Capilla Sixtina, Miguel Ángel...

2011-11-27T22:00:00.000Z

RESTAURA.NET (10/05/2008).

(G.Papini, Vida de Miguel Ángel).

El 10 de Mayo de 1508 Miguel Ángel comienza a pintar los frescos de la Capilla Sixtina en el Vaticano.

La capilla es de forma rectangular y mide 40,93 m de longitud por 13,41 de anchura (las dimensiones del Templo de Salomón según el Antiguo Testamento). Su altura es de 20,7 m. Miguel Ángel lo pinto él solo subido en un andamio construido por él mismo.

La bóveda de la Capilla Sixtina estuvo decorada con un cielo raso de estrellas doradas sobre un fondo azul (simbología que se aplicaba al manto de la Virgen y que ya se encuentra en las decoraciones de cielos rasos precristianos egipcios), obra de Pier Matteo d´Amelia, desde su construcción en 1484 hasta la intervención de Miguel Ángel en dicha bóveda, realizada entre 1508 y 1512.

El film “El tormento y el éxtasis” de Carol Reed (1965) se centra en el periodo que comprendió la creación de la Capilla Sixtina, a manos de Miguel Ángel, y la relación entre éste y el Papa Julio II, quién le encargó la obra. Una de las mejores interpretaciones de Charlton Heston, encarnando al artista junto a Rex Harrison, en el papel de Julio II.

Dos personalidades de fuerte carácter que, aunque existía una admiración mutua y amistad entre ellos, chocaban incesantemente.

Sus pinturas debieron ser consensuadas con el pontífice, sometiéndose estas a la aprobación definitiva del papa, que temía fallecer antes de que acabara el trabajo.

De cuando en cuando, entre una audiencia y un consistorio, entre una y otra guerra, Julio II se acordaba de su artista e iba a la capilla Sixtina para ver cómo iba de adelantada la pintura de la bóveda.

Miguel Ángel no podía darle con la puerta en las narices, como había hecho con sus ayudantes florentinos, y por fuerza -era el Papa- había de recibirle y escucharle. “Mientras pintaba -refiere Condivi-, varias veces quiso el Papa Julio ir a ver la obra, subiendo por una escalera de mano, y Miguel Ángel le tendía la mano para ayudarle a subir al andamio.”

El Pontífice se aproximaba a los sesenta años. Condivi añade que Julio “le quiso entrañablemente, haciendo más aprecio de él que de ninguna otra de las personas que le rodeaban“, pero no siempre los coloquios entre aquellas dos almas grandes eran tranquilos y amistosos. El Papa no daba punto de reposo al pintor, porque no veía el momento de mandar descubrir la bóveda: cada visita suya era un reproche; cada palabra un golpe de espuela. Y un día se produjo la explosión:

Queriendo Miguel Ángel, por San Juan, ir a Florencia, pidió dinero al Papa, y, al preguntarle éste cuándo acabaría la capilla, Miguel Ángel, según su costumbre, le contestó: “Cuando pueda.”

El Papa, que tenía unos prontos terribles, le golpeó con un bastón que tenía en la mano, diciendo; “¡Cuándo pueda! ¡Cuándo pueda!” Miguel Ángel, irritado por aquella nueva ofensa, se fue enseguida a casa y se dispuso a partir para Florencia, quizá con la misma intención que la otra vez, es decir, la de no regresar. Pero el Papa, que se acordó a tiempo de la primera fuga y quizá se arrepintió de haber golpeado a Miguel Ángel con un bastón, como si hubiera sido un palafrenero cualquiera, mandó a un favorito suyo, un tal Accursio, que le llevara quinientos ducados y le presentase excusas, de su parte, por aquellos bastonazos tan poco pontificios ni cristianos. Miguel Ángel aceptó el dinero; pero partió de todas maneras hacia Florencia.

Vídeo: Visita privada a la Capilla Sixtina a través de un tour virtual. Con sólo un click se puede visitar una de las capillas más famosas del mundo.

Las diversas Romas y el legado de Miguel Ángel Buonarroti...

2011-11-27T18:28:00.001Z

Mucho queda, hoy día, de la Roma Imperial, hay grandes monumentos de la época papal y renacentista, también está presente el masivo poblamiento después de la Unificación y hay otras Romas modernas en la periferia.

Entre todo esto hay que destacar a un hombre que contribuyó decisivamente a la Roma renacentista. Es tal su influencia que ella está presente en la Basílica de San Pedro, la principal del catolicismo, su genio está en su cúpula y en la nave central. También en la escultura "La Pietà" que se encuentra en su interior. Otra escultura magnífica es el "Moisés", que se encuentra en la iglesia romana de San Pietro in Vincoli.

También está en el diseño de "Il Campidoglio" plaza y centro cívico de la Roma Papal. Hasta el diseño del uniforme de los guardias suizos que custodian al Papa lo hizo Miguel Ángel. Y esto no es todo, falta lo principal: la mayor obra de arte de Occidente es la monumental pintura del techo y el frente de la Capilla Sixtina realizada por Miguel Ángel. Sin este genio, Roma sería mucho más opaca porque gran parte de su brillo y belleza surgió de su mente y su obra.

Vídeo: La Guardia Suiza. La Guardia Suiza es el cuerpo militar encargado de la defensa del Vaticano y del Sumo Pontífice.

Miguel Ángel se inspiró en burdeles para pintar la Capilla Sixtina...

2011-11-27T10:29:00.001Z

Experta dice que artistas iban a baños públicos donde a menudo se ejercía la prostitución para estudiar a modelos.

Generacion.com (12/11/2010).

No sólo recibió inspiración divina, sino también de algo más terrenal … y pecaminoso. Una investigación de la estudiosa Elena Lazzarini reveló que el genio renacentista Miguel Ángel Buonarroti buscó inspiración en varios burdeles italianos para pintar la famosa Capilla Sixtina.

Según Lazzarini, era frecuente que los artistas renacentistas italianos acudieran a las llamadas "stufa", baños públicos similares a un burdel donde a menudo se ejercía la prostitución, para estudiar a modelos que después serían representados en sus obras.

"Los cuerpos masculinos, muy viriles, que componen la pintura del Juicio Final corresponden con la apariencia física de peones y cargadores de esa época que podía encontrarse en los baños públicos", dijo Lazzarini.

Vídeo: Miguel Ángel y la Capilla Sixtina. Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.

Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos. Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo.

La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.

La Mona Lisa tenía el colesterol demasiado alto...

2011-11-26T08:31:00.001Z

EUROPAPRESS (7/01/2010).

El misterio de la sonrisa de la Mona Lisa, el secreto que ha traído -y trae- de cabeza a los historiadores del Arte, es una simple anécdota si se compara con el último descubrimiento en torno al cuadro de Leonardo Da Vinci. El verdadero enigma no es por qué sonreía la modelo, sino cómo no murió mucho antes de un infarto.

El encargado de realizar un examen que fuera más allá de lo artístico de la icónica obra de Leonardo Da Vinci ha sido el doctor Vito Franco, de la Universidad de Palermo (Italia). El científico ha realizado un detallado análisis de las características físicas de La Gioconda basándose en la representación que de ella se realiza en el óleo.

Así, según ha explicado en declaraciones al diario 'La Stampa' recogidas por Europa Press, la Mona Lisa presenta claros signos de una acumulación de ácidos grasos bajo la piel, claro síntoma de unos niveles de colesterol estratosféricos. Además el científico afirma haber visto un lipoma, un tumor benigno, en su ojo derecho.

"La enfermedad existe dentro del cuerpo, no tiene una dimensión metafísica o sobrenatural. La gente retratada en el arte revela su aspecto físico, (los cuadros) nos hablan de su vulnerabilidad humana, al margen de que el artista se diera cuenta de ella", argumenta Vito Franco para justificar su investigación.

El científico, profesor de Anatomía Patológica en la Universidad de Palermo, ha presentado sus conclusiones en una conferencia médica en Palermo en la que ha expuesto su diagnóstico de varios personajes que aparecen en algunas de las obras del arte más famosas de la humanidad.

Entre ellos ha podido "pasar consulta" al mismísimo Miguel Angel, gracias a su aparición en "La escuela de Atenas" de Rafael, que le ha permitido averiguar que el escultor, arquitecto y pintor del renacimiento podría haber sufrido de cálculos renales, como demostrarían las rodillas hinchadas de la pintura.

Además, Vito Franco sugiere que el "Retrato de joven" realizado por Boticelli indica, por los alargados y finos dedos de su protagonista, que el joven en cuestión podría sufrir del síndrome de Marfan, una enfermedad genética que produce un alargamiento inusual de la longitud de los miembros del que la padece.

Vídeo: Mona Lisa, Leonardo.

Mona Lisa
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"Condottiero Gattamelata" de Donatello...

2011-11-25T18:56:00.001Z

Nacido en Florencia en 1386 en el seno de una humilde familia, -su padre era cardador de lana- Donatello desde joven se formó con Ghiberti colaborando en los relieves de las puertas del Baptisterio de San Juan de Florencia y posteriormente, trabajó con Brunelleschi. Conocedor de la antigüedad clásica, cuya influencia se reflejará a lo largo de su obra, sus inicios están marcados por la escultura gótica. Así, sus primeras obras son las estatuas de San Marcos, San Jorge, San Juan Evangelista y Josué, todas ellas en Florencia.

El clasicismo más vigoroso se muestra a partir de 1425, cuando empieza a trabajar con Michelozzo y en la ciudad de Roma, donde esculpe "El entierro de Cristo" y el cáliz de la sacristía de la basílica de San Pedro. De nuevo en Florencia realiza su obra más sobresaliente, el David en bronce. Después de 1435, su estilo se desliza claramente hacia el realismo y la acción dramática, dando a sus personajes una mayor fuerza expresiva y psicológica. De este período son El Condottiero Gattamelata (escultura Quattrocentocentista), "Judith y Holofernes" y "Los milagros de San Antonio". La expresividad de su obra en esta época sentará escuela no sólo entre los escultores posteriores sino también entre pintores, como Mantegna. Donatello falleció en Florencia el 13 de diciembre de 1466.

La estatua (de bulto redondo fundida en bronce) representa a Erasmo da Narni (1370 Padua y fallece en 1443) caudillo italiano, a caballo, vestido de soldado romano con la rienda en su mano izquierda y el baston de mando de oficial en la derecha. Mercenario al servicio de Venecia, luchó contra Milán al mando de un ejército mercenario. En 1347 fue nombrado capitán general de Venecia. Fue su hijo Gian Antonio quien tras su muerte (murió de apoplejía muy joven) le encargó a Donatello realizar su estatua ecuestre en pago a los servicios prestados a la Republica de Venecia. Realizada en la ciudad de Padua (aun permanece allí en la plaza de la ciudad) en 1453 está hecha de bronce y tiene una altura de 3,40 metros aproximadamente. Corresponde su realización al ideal de nobleza encarnado en una verdadera realidad.

Pertenece al temprano renacimiento. Movimiento cultural que nació en Italia en el siglo XV y pronto se difundió por toda Europa. Pretende contrastar con la Edad Media, marcada por el dominio de la iglesia y el teocentrismo. Ahora el centro ya no es la idea de Dios sino es el mismo hombre, "es la medida de todas las cosas". Uno de los aspectos más característicos es el renacer con mucha imaginación y fantasía de los mundos clásicos: Grecia y Roma queda reflejado sobretodo en el arte ( pintura, escultura y arquitectura ) con los ideales de proporción, armonía y geometría. Es concretamente en Florencia donde nace el renacimiento, utilizando de nuevo en la arquitectura los arcos de medio punto, las bóvedas, cúpulas y sobretodo las columnas, capiteles y frontones de la antigüedad. El arte progresa tanto en la arquitectura religiosa como en la civil. Un elemento esencial es la cúpula, que además de funciones arquitectónicas también tienen que ver con la filosofía de la época.

La escultura es considerada como una evolución de la medieval. En Pisa se dan los primeros inicios de esta nueva escultura, de carácter naturalista, realista, y monumental, usando proporciones y elegancia en la línea. Sin embargo la esencia de la escultura clásica se recupera en Florencia y se separa de la arquitectura. Aunque predomina la escultura religiosa, la escultura fúnebre y el retrato adquieren gran importancia. Donatello usa el marmol junto al bronce casi siempre.

Donatello fue el primero en aplicar las características clásicas a la escultura renacentista con un cierto carácter expresionista, como se muestra en "La Magdalena". Esculpe en broncen y marmol "El David" (tiene versiones en bronce y mármol) y la figura ecuestre "El Condotiero Gattamelata" empleando los conceptos de realismo e idealización con un estudio naturalista de la figura humana. Esta última fue inspirada en la estatua (ecuestre tambien) dedicada al emperador Marco Aurelio que está frente a la Basílica de Letrán en Roma.

Vídeo: A Tour in Padua, Italia.

Vídeo: Condottiero Gattamelata.

Condottiero Gattamelata
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Tras su restauración el David de Donatello de nuevo entre nosotros...

2011-11-24T20:01:00.000Z

Roma.- El "David" de Donatello, la obra maestra en bronce del escultor florentino del Renacimiento, volverá a exponerse en el Museo Bargello de Florencia, después de someterse a una restauración de 18 meses que pudo ser seguida en directo por los visitantes de la galería.

EFE.

Las restauración ha permitido recuperar el brillo del oro presente en el bronce, sobre todo en los cabellos, pero también la calidad cromática del metal, aseguran los responsables de la Superintendencia de bienes culturales de Florencia.

Para la limpieza de esta obra maestra, considerada innovadora por su manera de tratar el desnudo masculino, se han utilizado técnicas de vanguardia, a partir de un rayo láser que limaba las impurezas para hacer resaltar las partes doradas y más frágiles.

La operación de limpieza del bronce, de unos 158 centímetros de altura, encargado a Donatello por Cosimo de Medici para decorar el patio de su palacio, fue ejecutada en la misma sala del museo Bargello donde siempre se ha expuesto.

Cada movimiento de los restauradores era capturado por unas cámaras y de esta manera, el público que visitaba la galería florentina podía seguir a través de una pantalla el espectáculo de la restauración de la escultura.

Vídeo:2009_DAVID DI DONATELLO RESTAURATO AL MUSEO DEL BARGELLO_ita

Donatello (Florencia, 1386 - 1466)...

2011-11-23T13:00:00.002Z

Escultor florentino. Entre 1404 y 1407 trabaja como ayudante de Ghiberti, desarrollando un estilo diferente a la elegancia gótica de su maestro y destacando sobre todo, por su fuerza emocional.

Su concepción revolucionaria queda ejemplarizada en la serie de figuras de pie que ejecuta para las hornacinas de Orsanmichele y la catedral de Florencia, caracterizadas por una aguda penetración psicológica y una técnica original que pone de manifiesto su interés por los efectos ópticos, al tener en cuenta la posición desde la que van a ser observadas. Donatello inventa la técnica del "relievo schiacciato", un relieve tan bajo que es como un dibujo en piedra.

Entre 1430 y 1432, viaja a Roma, causándole una gran impresión el arte antiguo tal y como demuestran sus posteriores obras: su “David”, se considera la primera escultura desnuda desde la Antigüedad, y su “Gattamelata”, la primera ecuestre a tamaño natural, con guiños a la escultura ecuestre del Marco Aurelio romano.

En 1454 se establece en Florencia, caracterizándose su obra tardía por su intensidad emocional y por explotar las posibilidades expresivas de la distorsión. Crea junto con Alberti, Brunelleschi y Masaccio, el lenguaje del renacimiento florentino, encontrando en Miguel Ángel a su auténtico heredero espiritual.

La mayoría de su obra se encuentra en la ciudad de Florencia y, en especial, en el Museo del Barghello de dicha ciudad.

Vídeo: PRATO IL PULPITO DI DONATELLO.

El Renacimiento, Escultura italiana...

2011-11-22T20:40:00.000Z

La escultura renacentista se caracteriza por la proporción, la simetría y el canon. Lo importante es la belleza, más que lo que representa, por eso reaparecen los temas mitológicos. Estudia la anatomía a través del desnudo y el retrato. Utiliza materiales nobles como el mármol y el bronce, con los que se alcanza gran perfección.

Amplía los temas, ya que se retrata a individuos, y desaparece el sentido narrativo de la obra. Los protagonistas son el hombre y la naturaleza. No se descuida el relieve, de tres tipos: alto, medio y bajo, que se utilizan en la misma obra para dar sensación de profundidad. Al igual que en las demás obras, el artista abandona el anonimato. Se suelen hacer bustos, figuras de cuerpo entero, motivos funerarios y estatuas ecuestres.

El Quattrocento es la época en la que triunfan el hombre y la naturaleza. Lorenzo Ghiberti es el escultor más importante, realiza “las puertas del baptisterio de Florencia”. En «las puertas del paraíso», que dijera Miguel Ángel, resuelve con originalidad el problema del espacio y la perspectiva, fijando las técnicas clásicas. Otras obras suyas son “San Juan Bautista” y “San Mateo”.

En Florencia trabaja también Donato Niccolo, Donatello, el más grande escultor del momento. Su contribución más importante la realiza en el campo de la figura humana. Evoluciona desde la serenidad hacia un realismo dramático. Representará todos los estados de ánimo. Su “San Jorge” será la primera escultura de tamaño natural desde la antigüedad.

En sus obras utiliza un sistema de relieves planos que consiste en su multiplicación para conseguir el efecto de profundidad. Sus obras emblemáticas son el “David”, “Los cuatro profetas”, “Magdalena” y “Gattamelata”, que es su obra más clásica, un retrato ecuestre que crea un modelo típico.

También son grandes escultores Jacobo della Quercia, Luca della Robbia; Andrea della Robbia; Andrea Verrochio; Antonio Jacobo Pollaiuolo.

En el Cinquecento destaca sobre todas la figura de Miguel Ángel Buonarroti, el gran escultor del Renacimiento, tanto por su técnica como por su fuerte personalidad. Es el prototipo universal del escultor, capaz de plasmar cualquier sentimiento, desde el lirismo al dramatismo, incompatible con la serenidad renacentista. Estudia los problemas de movimiento y composición.

Utiliza grandes bloques de mármol. Exalta por igual la fuerza física y la espiritual. Hace un extraordinario estudio de la anatomía humana, hasta llegar al hiperrealismo. Entre las obras más representativas encontramos: “La piedad” en el Vaticano, el “David” en Florencia, una figura de gran tensión, el “Moisés”, una figura gigantesca y un tanto expresionista plenamente manierista, el “sepulcro de los Medici” y multitud de esculturas inconclusas.

Otros escultores de este periodo son Gian Francesco Rustici y Sansovino.

Las últimas obras de Miguel Ángel pertenecen al manierismo, momento en el que se exageran las actitudes y se llega al colosalismo de las figuras. Otros escultores manieristas son Benvenuto Cellini, Baccio Bandellini, Juan de Bolonia y Leone Leoni.

Aprender a gestionar la innovación desde el arte...

2011-11-22T07:00:00.000Z

Ecoaula.es (3/12/2009).

Pintores y escultores como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Caravaggio o Tiziano se reunieron en torno a Florencia para convertirla en la catedral del arte renacentista. Su talento y, sobre todo, la innovación creativa de ese talento, hicieron realidad una de las mayores innovaciones artísticas de la historia. Talento e innovación, de las que surgió, como Steinair Bjartveit, profesor de la Norwegian Management School, de Oslo, el liderazgo necesario para gestionar y dirigir el cambio y la innovación.

A partir del esplendor de Florencia, Bjartveit ha creado un modelo de liderazgo de la innovación, premiado a nivel internacional, y con el que enseñará a liderar esa innovación a los participantes del International Master in Innovation Management (Im2), el nuevo máster executive para altos directivos que abandera la apuesta de la Deusto Business School por la innovación y que, a juicio del director del programa, Guillermo Dorronsoro, director de innovación tecnológica de Innobasque, "supone la unión en un único máster de la innovación, tecnología, estrategia, liderazgo y competitividad".

Vídeo: Deusto Business School. Vídeo de presentación de la nueva escuela de negocio de la Universidad de Deusto: Deusto Business School.

"Filippo Brunelleschi, Cúpula Santa María dei Fiore"...

2011-11-20T09:40:00.001Z

"Cúpula de Santa María dei Fiore" de Filippo Brunelleschi: Arquitectura renacentista italiana. 1418-1446 (Quattrocento) Florencia, Italia; 114 m (alto) x 41'7 m (diámetro)

Se trata de la cúpula de la catedral de Florencia. Santa María de las Flores (Santa María dei Fiori) es una catedral gótica, iniciada en 1296 por el arquitecto Arnolfo di Cambio y continuada desde 1331 por Giotto, quién realizó su bello campanile exento, y posteriormente por otros arquitectos. La catedral tiene planta de cruz latina con tres naves. Como es típico en el gótico italiano, tiende a la horizontalidad y a la policromía, al intercalar hiladas de piedra y mármol. En 1418 la Corporación de la Lana convocó un concurso para elegir el mejor proyecto para construir una cúpula sobre el crucero, que aún faltaba. La maqueta presentada por el arquitecto Filippo Brunelleschi ganó el concurso, al que también se había presentado Ghiberti.

Materiales: Ladrillo, piedra y mármol .

Planta e interior: Brunelleschi ganó el concurso gracias a su innovador sistema constructivo: sin cimbras de madera y empleo de un aparejo de ladrillo hueco en forma de espina de pez, utilizado ya por los romanos. Planteó la grandiosa cúpula- de casi 43 m. de diámetro- como un doble cascarón con un espacio vacío en medio: el cascarón interno era de forma semiesférica, el externo era apuntado, dividido en ocho partes triangulares divididas por nervios exteriores de mármol. Aligeran el peso en el exterior diversas semicúpulas de descarga y, desde el interior, una serie de costillas horizontales concéntricas y nervios ocultos.

Exterior: La cúpula se alza sobre un tambor octogonal de piedra revestido de placas de mármol (blanco, verde y rosado), con una gran ventana circular (óculo) en cada uno de sus lados . La cúpula, cuyas ocho caras están cubiertas de tejas rojas planas , tiene un aspecto esbelto gracias a su perfil apuntado, debido a la curvatura de los nervios de mármol blanco que la recorren ascendiendo hacia la cúspide. En la unión de los nervios aparece una estilizada linterna, punto de fuga del sistema, terminada en 1471, ya muerto Brunelleschi. En ella se emplean volutas.

Estilo: esta cúpula es la primera obra renacentista. Está inspirada en los sistemas de construcción romanos, especialmente en la cúpula del Panteón de Agripa, y también en la tradición gótica, pero los supera . Unifica y centraliza el espacio del edificio.

El autor: Brunelleschi, Filippo (1377-1446). Genial arquitecto, orfebre, ingeniero y constructor de máquinas, fue el descubridor de la perspectiva moderna. Buen conocedor de matemáticas y geometría, inventó nuevas técnicas constructivas. Se inspiró en modelos arquitectónicos paleocristianos, romanos y góticos, pero racionalizándolos. Algunas de sus obras son: las iglesias de San Lorenzo y del Santo Spirito, la capilla Pazzi, la logia del Hospital de los Inocentes, el palacio Pitti, así como la obra estudiada, todas ellas en Florencia.

Significado: La cúpula superaba en altura y destacaba del resto de las edificaciones de la ciudad de Florencia. Dominaba la perspectiva y jerarquizaba el espacio urbano. Era el símbolo del orgullo de esta ciudad-estado, la más prestigiosa del siglo XV. La cúpula tendrá un enorme éxito y será muy imitada durante el Renacimiento, dentro y fuera de Italia. Miguel Ángel se inspiró en ella para su cúpula del Vaticano. Posteriormente, tanto en Europa como en América, se realizarán otras cúpulas siguiendo el modelo de Brunelleschi. Ejemplos: la cúpula de la catedral de San Pablo en Londres (siglo XVII) y la del Capitolio de Washington (comienzos del XIX).

El Renacimiento - Arquitectura ( III )...

2011-11-19T11:57:00.000Z

El oficio aprendido no era por lo común sólo el de la pintura, el de la escultura o el de la arquitectura; sin hacer justicia a los términos de la época, se podría afirmar que el joven aprendiz lo que quería conocer era el secreto de las artes, el de conseguir pintar o esculpir la figura humana y el de crear espacios, fuesen éstos los de la casa de Dios o los que tenían que mostrar el poder de lo humano.

Por ello no era extraño que un mismo artista pudiera decorar una silla de montar, un estandarte, fundir un bronce, pintar una pala de altar o trazar la planta de una iglesia. Las artes en realidad eran una capacidad creativa que confluía por lo general en una obra arquitectónica en la cual se integraban las distintas manifestaciones de lo artístico. Eso daba a la arquitectura cierta nobleza y al ar¬quitecto una mayor consideración social, si bien, como se ha dicho, el arquitecto también era práctico en otros trabajos artísticos; escultores fueron Brunelleschi, Michelozzo, Filarete, Bernardo Rosellino, Pietro Lombardo; trabajadores de la madera como Antonio de Sangallo, Giuliano de Sangallo y Benedetto da Maiano llegaron a levantar bellos edificios, igual que lo hicieron pintores como Bramante y Rafael, por no citar verdaderos humanistas con una visión integral del arte como lo fue Alberti. Y de éste es de quien se puede extraer la más lúcida definición de arquitecto renacentista: “Un arquitecto -afirmaba Alberti en su De re aedificatoria (1443-1445)- no es un carpintero o un ebanista... el trabajo manual no es más que un instrumento para el arquitecto que, por medio de una habilidad segura y maravillosa y de un método, es capaz de completar su obra... y para poder hacer esto, debe tener un discernimiento perfecto en cuanto a las ciencias más nobles y exactas”.

Este pensamiento sólo podía ser fruto del ideal humanista que se fue gestando en Florencia a lo largo de los últimos siglos medievales y que tuvo su floración a principios del Quattrocento. La arquitectura florentina de esta época es por definición la arquitectura renacentista; de Florencia a partir de la segunda mitad del siglo XV, esta arquitectura se expandirá por los diferentes centros humanistas: Urbino, Milán, Roma, Venecia, Nápoles... y sólo a finales de siglo traspasará las fronteras italianas para afian¬zarse lentamente en otras regiones europeas.

El Renacimiento - Arquitectura ( II )...

2011-11-18T21:57:00.001Z

El «maestro de obra» medieval era un «práctico», alguien que construía formas pero que no daba razones sobre ellas, alguien que no teorizaba, que no se consideraba inventor ni menos científico. Para Vitrubio, el tratadista romano inspirador de la arquitectura renacentista, ésta era «una ciencia», y el arquitecto debía ser un estudioso, un teórico que entendiese lo que debía hacer, pero que, sobre todo, reflexionase sobre ello al tiempo que conociese los medios para llevarlo a cabo. En el Renacimiento, el arquitecto o, al menos, el arquitecto ideal, no es quien construye la arquitectura: la piensa; para él, lo importante es el concepto de la arquitectura, no la práctica de la misma.

Y ese principio emanado del mundo clásico, nunca abandonado del todo a lo largo de la Edad Media, es el que en el siglo XV convirtió al arquitecto en el más reconocido de los artistas, en el primero y durante mucho tiempo el único cuya labor llegó a tener el privilegio de ser considerada arte liberal; es decir, arte en el que el intelecto predomina por encima de la capacidad manual de las artes mecánicas.

Con todo, hay que tener en cuenta que el ideal no se correspondía exactamente con la realidad; en el Renacimiento, pintores, escultores, arquitectos e incluso poetas y filósofos no surgieron de las clases privilegiadas, sino de las clases medias acostumbradas al trabajo, fuese éste el del artesano o el del comerciante, y también, por lo común, no llegaron a alcanzar altas cotas sociales. Hubo, evidentemente, excepciones, como la de Brunelleschi, hijo de notario, y Alberti, hijo natural de un patricio, pero aun y con ello, el concepto de hombre que trabaja con las manos, aunque lo hiciera cerca de los centros de poder, fue el que dominó en aquellos que, después de poseer los mínimos conocimientos de lectura y escritura, ingresaban en un taller para aprender un oficio.

Renacimiento - Arquitectura ( I )...

2011-11-17T20:40:00.000Z

De las artes de los siglos XV y XVI, la arquitectura es quizá la que reciba de una manera más apropiada el calificativo de renacentista. La pintura, tenida en ocasiones como paradigmática del Renacimiento, apenas pudo contar con referencias clásicas, si no eran las literarias, recogidas por Plinio y, en menor grado, por otros escritores clásicos; la escultura griega era casi del todo desconocida en la época; sólo las copias romanas daban, y aún dan, conocimiento de lo que fue el arte de modelar el barro y de labrar la piedra de la antigua Grecia; la arquitectura, desde siempre, estuvo presente a los ojos de aquellos que quisieron verla.

Los arcos de triunfo, los templos, los anfiteatros, los circos, las termas con sus moles prepotentes, con sus piedras arruinadas por el tiempo o convertidas en cantera de lo cotidiano, fueron durante siglos testigos de un pasado glorioso que los humanistas recuperaron para cimentar un presente de esplendor. (...)

En los siglos XV y XVI, primero en Italia y luego en las demás regiones europeas, la arquitectura cambió porque tuvo que servir a nuevas necesidades, porque los poderes sociales exigieron nuevas maneras de expresión monumental. La sociedad acentuó el proceso de afianzamiento urbano ya iniciado en la época gótica; la arquitectura renacentista, principalmente en el siglo XV, es una arquitectura urbana. Los concejos municipales, la Iglesia, los príncipes, los burgueses convierten la ciudad en instrumento y manifestación de su poder y es entonces cuando se remodelan las casas consistoriales, cuando se concluyen las catedrales, cuando se amplían las viejas iglesias y conventos, cuando los patricios levantan sus palacios, cuando la ciudad toma conciencia de los problemas sanitarios y surgen los grandes hospitales.

La arquitectura renacentista hubo de crear nuevas tipologías para servir a las nuevas funciones y lo hizo volviendo los ojos hacia el pasado. La arquitectura se impregnó del ideal humanista pero el estudio de «lo antiguo» no supuso una mimesis.

La arquitectura del Renacimiento no se diferencia únicamente de la gótica por recuperar el vocabulario formal de lo antiguo. Los órdenes, los arcos, las bóvedas, las columnas o las pilastras se refieren al mundo romano, pero no configuran propiamente su lenguaje. Éste es el fruto de las exigencias de las nuevas funciones, de una nueva manera de componer las unidades arquitectónicas, de crear tipologías y también, como es lógico, de una nueva forma de establecer relaciones armónicas entre los elementos constructivos, de concebir el espacio y de crear un nuevo concepto de belleza, el de la belleza unitaria.

En este nuevo concepto de belleza, la perspectiva, en el sentido de ordenar matemáticamente la percepción de las formas en el espacio, también desempeñó un importante papel, como lo desempeñó la reflexión teórica sobre la propia labor.

Nueva baremación prueba PAU, curso 2011 - 2012...

2011-11-16T21:35:00.001Z

Historia del Arte, 2º Bach.

Baremación para el curso 2011-2012.

El alumno dispondrá en su hoja de examen de 2 imágenes para elegir una, y el comentario de la misma se regirá por los siguientes criterios:

I.- CATALOGACIÓN DE LA OBRA: (4 puntos)

-Descripción de los elementos que se observan en la obra atendiendo a un vocabulario específico (arquitectónicos, escultóricos, pictóricos, materiales, técnicas, composición y organización, etc.)

- Identificación de la obra, autor y localización.

- Función y posible significado que encierra la obra analizada.

- Antecedentes y consecuentes de la obra de arte que se está analizando.

II.- COMENTARIO DEL LENGUAJE ESTILÍSTICO AL QUE SE
ADSCRIBE LA OBRA: (4 puntos)

Características generales, autores y obras destacados.

III.- ASPECTOS CRONOLÓGICOS Y CONTEXTO HISTÓRICO: (2 puntos).

Los 0,5 puntos que anteriormente se dedicaba a la redacción y madurez, debe ser ahora incluido en cada uno de los tres apartados.

Y llegó el Renacimiento (5ª parte)...

2011-11-16T18:59:00.002Z

A partir del siglo XVI estos conocimientos comienzan a difundirse por toda Europa, pero antes de terminar esta brevísima introducción al Renacimiento hay que mencionar un hecho importante que marcó el paso de este periodo al Barroco, y que conocemos como la crisis Manierista. En 1527 los ejércitos del emperador Carlos V tomaron Roma y la sometieron a un brutal saqueo donde fueron hechos prisioneros el Papado y el Sacro Colegio Cardenalicio.

Durante nueve meses toda la cristiandad estuvo sin guía, augurando ya el cambio con la Reforma que desde Alemania se pedía con fervor. Un cambio que defraudó a muchos en su esperanza por la renovación de la iglesia porque no llegó a culminar hasta varios años después y sin cuajar en Roma. Pero, como indica André Chastel en su obra "El Saco de Roma "desde esta fecha ya nada fue igual: esta crisis no sólo supuso un trágico ejemplo de la guerra, sino que dio lugar a la difusión de una nueva mentalidad que afectó tanto a las artes como a las letras más allá de Italia.

Así surge el manierismo, término que deriva del vocablo italiano "Manieray" que se refiere a los distintos modos gramaticales de diverso significado. El significado más parecido sería estilo, aunque la maniera era considerada un atributo inherente al arte. La llegada del Manierismo está relacionada con la creación y práctica de un tipo completamente distinto en su personalidad, dotado de facultades individuales propias, esto suponía una liberalización en parte de las reglas estéticas que se promovieron desde las Academias del Renacimiento.

El Manierismo surge en un periodo de crisis como una transición no sólo debida a un antihumanismo, como se ha intentado ver, sino que se suman una serie de factores que, de manera inherente, hacen que aparezca la ruptura: el saqueo de Roma, la preparación del Concilio de Trento, la nueva orientación de las rutas comerciales, la revolución económica en toda Europa y la crisis econímica en el ámbito mediterráneo, que hacen realidad la crisis y también en parte la disolución del humanismo en Italia, en favor de una mentalidad que es por un lado racionalista hasta el límite, y por otro lado radicalmente antiintelectualista.

Esta crisis comenzó con la duda de si eran concordantes las necesidades espirituales y corporales con las creencias religiosas y la salvación, dando lugar a un arte donde lo espiritual no era representado como algo que se consumía en las formas materiales, sino que podía ser sugerido más allá de los límites de las formas.

De esta manera el manierismo como antihumanismo, como filosofía de vida y como nueva dirección por sus tendencias opuestas al Renacimiento, podría designarse como Contrarrenacimiento. El Manierismo es por tanto, una manifestación de crisis, la necesidad de nuevos horizontes para ser explorados que se produce , sobre todo en el ámbito del arte, y que augura el nacimiento de un nuevo periodo: el Barroco.