domingo, 17 de febrero de 2019

Concepto práctico:Salvador Dalí, "La persistencia de la memoria" Surrealismo - BLOQUE nº 5.



Óleo sobre lienzo. 1931. Dimensiones: 24 x 33 cms. Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Estamos delante de un paisaje onírico. Parece una playa al anochecer. En primer término y en posición central, destaca una extraña figura: una cabeza blanda con una enorme nariz, de larga y carnosa lengua que sale de ella, pero carece de boca. Su raro cuello se pierde en la oscuridad. Reposa dormida sobre la arena, ya que vemos cerrado su ojo, con unas enormes pestañas. Puede muy bien ser un autorretrato estilizado del pintor.

Tiene encima un blando reloj de bolsillo. A la izquierda, sobre lo que parece una mesa de madera rectangular, aunque incompleta, encontramos otros dos relojes: uno más pequeño, cerrado, sobre el que se apelotona una multitud de hormigas; el otro, enorme, blando y alabeado- con una mosca encima y marcando casi las siete horas- ,se escurre por el borde de la mesa. De ésta nace un árbol roto, con una sola rama sin hojas sobre la que hay un tercer reloj blando. Al fondo, iluminada fuertemente, vemos una cala recortada por acantilados rocosos. Una piedra redondeada proyecta su sombra sobre la arena de la playa, que está desierta. El mar se confunde casi con el cielo cubierto de vaporosas nubes blancas.

Análisis de las formas:

El dibujo tiene una enorme importancia en el cuadro. Es de líneas puras, muy académico y relamido. Los objetos están representados con exactitud y detallismo, pero sus dimensiones no son reales y están deformados.

La luz juega un gran papel. El cuadro está dividido en dos partes no simétricas: una tenebrista, en primer término, con un foco de luz a la derecha que ilumina suavemente los objetos, que proyectan sus sombras y se recortan en el espacio; y la otra, fuertemente iluminada, al fondo, con una luz muy blanca, irreal. 

El color es rico y variado. Predominan los tonos frios (azules, grises, blancos), que contrastan con los cálidos (ocres, marrones y amarillos). 

La composición está muy estudiada. Domina la línea horizontal del mar al fondo, remarcada por la luz, que divide el cuadro en dos mitades desiguales pero armoniosas. Se complementa con la horizontal de la rama seca del árbol, que con su tronco marca a la izquierda una vertical que equilibra la composición. Como elementos dinámicos, el pintor utiliza las líneas diagonales (mesa, cabeza) y las curvas (relojes, cabeza). El color contribuye a lograr estos efectos, ya que los tonos cálidos nos acercan las formas, mientras que los frios las alejan. La perspectiva tradicional existe, pero el espacio parece extraño. El punto de vista del espectador es alto, aunque no en todos los objetos.

  Vídeo: 'La Persistencia de la Memoria' Explicación del cuadro de Dalí.

   

 Vídeo: Salvador Dalí "La persistencia de la memoria".

   

Anexo Informativo: Salvador Dalí... Surrealismo - BLOQUE nº 5.



Salvador Dalí nació el 11 de mayo de 1904 en Figueres, España. Fue el segundo hijo de una familia adinerada, así que siempre fue muy consentido y mimado y sus padres le conseguían todos sus caprichos. 

Descubrió la pintura cuando aún era muy joven y pintó algunos cuadros y pinturas al óleo que impresionaron a quienes los vieron, aconsejándole que estudiara pintura. Así, Dalí se apuntó a unos cursos de dibujo y aprendió muchas técnicas, así como a utilizar muchos tipos de pintura para sus dibujos y sus cuadros. 

El año 1921 su madre muere de cáncer y le admiten en la Escuela de Bellas Artes en Madrid, de donde le expulsaron dos veces porque tenía un estilo ‘excéntrico’ y ‘anarquista’ que no les gustaba a sus profesores. Una vez, incluso, fue arrestado por sus continuos comentarios contra la autoridad.

Con todo aquello, decidió que lo mejor sería marcharse y visitó París, donde conoció al pintor Pablo Picasso y se unió a su grupo de pintores. Allí también conoció a su mujer, Gala Éluard. Aunque fue un famoso artista del estilo de la pintura surrealista, le expulsaron de la sociedad surrealista. También conoció a otros genios como Sigmund Freud y Federico García Lorca.

Colaboró en algunas películas y obras de teatro como “Un chien andalou” y “L’âge d’or”. 

Sus cuadros llamaban la atención por el surrealismo y la poca coherencia que tenía el dibujo y la historia, lo que explicaba el sentido de la pintura. 

Escribió un libro sobre su biografía al que puso de título “La vida secreta de Salvador Dalí”, y el 23 de enero de 1989 murió en el hospital de Figueres a los 84 años.  

Vídeo: Salvador Dalí para niños.

 

Anexo informativo: Surrealismo... BLOQUE nº 5.




El surrealismo fue el movimiento literario y artístico más importante de entreguerras, pero sus intenciones no se limitaron al arte. Su finalidad era transformar la vida a través de la liberación de la mente del hombre de todas las restricciones tradicionales que la esclavizan. La religión, la moralidad, la familia y la patria se convierten así en instituciones a revisar.

El movimiento surrealista se inició de manera oficial en París en 1924 con la publicación del Primer Manifiesto, escrito por André Breton. Sin embargo, durante los tres años anteriores se puede considerar que estaba gestándose, pues el foco dadaísta parisino lo configuraron los mismos miembros que, más tarde, se adscribirían a los surrealistas.

El surrealismo adoptó formas muy diversas; en un primer momento fue la causa un proyecto esencialmente literario, sin embargo en la segunda mitad de los años veinte se fue adaptando rápidamente a las artes visuales (la pintura, la escultura, la fotografía, el cine).

Según la definición otorgada por André Breton el surrealismo es un “automatismo psíquico puro por el cual se propone expresar, sea verbalmente, sea por escrito, sea de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento”. Se trata pues de un verdadero “dictado del pensamiento”, compuesto “en ausencia de todo control efectuado por la razón, fuera de cualquier preocupación estética y moral”.

La inspiración básica de Breton procedía de las teorías de Sigmund Freud. El descubrimiento freudiano de los procesos inconscientes que comandan la vida anímica inicia a fines del siglo XIX un nuevo paradigma que rompe con la cosmovisión en boga en esta época del hombre como dueño de la razón. Tanto las ideas freudianas sobre lo inconsciente como depositario del conocimiento más profundo del ser humano, como la posibilidad de acceder a él a través de técnicas como la asociación libre o la interpretación de los sueños, constituirán la base teórica del movimiento surrealista.

Las obras más importantes de Freud como "La interpretación de los sueños" y "Psicopatología de la vida cotidiana" comienzan a publicarse en Francia recién a partir de los años 20, sin embargo Breton ya había tenido ocasión de experimentar ambas técnicas derivadas de las investigaciones freudianas cuando trabajaba de auxiliar en un hospital, durante la Primera Guerra Mundial. Breton visitó a Sigmund Freud en 1921 quien, al parecer no se mostró impresionado por la obra de los artistas surrealistas, con excepción de la pintura de Salvador Dalí, que lo visitó en Londres durante la Segunda Guerra Mundial.

Desde cualquier punto de vista, el surrealismo siempre intentó ser una revolución, que apelando al poder de lo inconsciente, se valió de la irracionalidad, de la vida onírica e incluso de la locura para entrever qué pueden deparar los territorios inexplorados del espíritu humano. De hecho, la palabra “surrealista”, tomada de la obra de Guillaume Apollinaire “Las tetas de Tiresias” – subtitulada como un drama surrealista en 1917-, significa por encima del realismo.  

Vídeo: ¿Como explicar el surrealismo a los niños?

   

Vídeo: Las claves para entender la pintura surrealista.

 

Piet Mondrian... su obra y su influencia...



Piet Mondrian es un pintor y teórico del arte abstracto, que desempeña un papel fundamental en el arte del siglo XX; su obra es ante todo un ejemplo del paso de las formas representativas a las formas abstractas, poer medio del estadio intermedio de la composición formal (cubismo).


Pintor abstracto que abrió el camino hacia un arte geométrico del que quedaba excluido todo lirismo, buscando, por el contrario, codificar la pintura en leyes rigurosas, para desembocar en un lenguaje pictórico universal.


Según él... el arte abstracto no reniega de la naturaleza, sino que da de ella una visión nueva que permite descubrir el ángulo recto en un paisaje, donde el horizonte figura la horizontal, y la línea imaginaria que va de la luna al horizonte, la vertical.


Pero esta interpretación realza más la anécdota que las consideraciones propiamente plásticas. Muy importante parece ser que fue la lección que Mondrian aprendió del cubismo y la forma como, poco a poco, fue apartándose de toda referencia figurativa y restableciendo el cuadro al espacio del plano sin presentar volúmenes. El arte neoplástico creó ante todo un nuevo espacio pictórico, en el que las formas tienden hacia el exterior de la tela.


El artista insiste en todos sus escritos sobre la noción de relaciones que determinan la estructura compositiva. Todo componente de la obra de arte debe situarse en el interior de relaciones equilibradas, pues "cada parte recibe su valor visual del todo y el todo lo recibe de las partes. Todo se compone por relación y reciprocidad. El color sólo existe en relación con otro color".


Esta concepción de la pintura regida por leyes estructurales claramente enunciadas, constituye uno de los puntos fundamentales del nuevo arte de Mondrian, incluso si estas leyes son propiamente pictóricas y no matemáticas.












Neoplasticismo... 1ª entrada.

 
El Neoplasticismo es una de las formas que toma la abstracción en las primeras décadas del siglo XX. Es una doctrina estética propuesta por Mondrian en 1920, se basa en una concepción analítica de la pintura, en la búsqueda de un arte que trascienda la realidad externa, material, reduciéndola a formas geométricas y colores puros para hacerla universal.

Como vemos... Corriente artística que, desprendida del cubismo, buscó hacer que el arte no tuviera elementos accesorios, sino sólo los más elementales. Tales elementos trataron de lograr que la expresión artística tuviera una consciencia de lo primitivo y, más aún, de lo objetivo, lo cual condujo a la noción de lo universal, con la que se formó una concepción de lo abstracto que se elevó a su máxima expresión.

El pintor neerlandés Piet Mondrian, en conjunto con su compatriota Theo van Doesburg, fueron quienes iniciaron el neoplasticismo entre los años 1917 y 1920; esto ubica por tanto a dicho movimiento dentro de las corrientes del arte moderno, particularmente en los inicios del siglo XX. Ambos hombres fueron los pioneros en un nuevo estilo pictórico que partió de cuestionar cánones establecidos en este entonces, por lo que sus innovaciones despertaron elogios y críticas de todas partes.

Vídeo: Neoplasticismo. 

   

Vídeo: Neoplasticismo - Estetica.
 
 

sábado, 16 de febrero de 2019

Cubismo - Cubismo Sintético...




El cubismo es una escuela y teoría estética de las artes plásticas y el diseño. Se caracteriza por la utilización de las formas geométricas, como los cubos, los triángulos y los rectángulos.

El movimiento nació en Francia y tuvo su apogeo entre 1907 y 1914. El término cubismo proviene del vocablo francés cubisme, que fue propuesto por el crítico Louis Vauxcelles. Este especialista hacía referencia a los cubos que aparecían en las pinturas de artistas como Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque, entre otros exponentes del cubismo.
 
A partir de esta escuela estética se desarrollaron otras vanguardias europeas que revolucionaron el panorama artístico del siglo XX. Sin embargo, el cubismo está considerado como una vanguardia pionera ya que se encargó de romper con la perspectiva, el último principio renacentista que seguía vigente a comienzos de siglo.


Los cubistas buscaban descomponer las formas naturales y presentarlas mediante figuras geométricas que fragmentaban las superficies y las líneas. Esta perspectiva múltiple permitió, por ejemplo, reflejar un rostro tanto de frente como de perfil, ambos a la vez.


Otra característica del cubismo es la utilización de colores apagados como el verde y el gris, sobre todo en la primera época del movimiento. Con el tiempo, los cubistas comenzaron a incorporar colores más vivos.
 
Diferentes fases del cubismo: Como punto de partida del movimiento podemos señalar “Las señoritas de Avignon” de Pablo Picasso, en 1907. Desde entonces, el cubismo planteó una nueva forma de arte; donde forma, perspectiva, movimiento y espacio eran protagonistas pero eran comprendidas de una forma estética muy diferente a la hasta entonces conocida. Se trataba de un arte mental, es decir que se desliga de la interpretación o la semejanza a la naturaleza.
 
En este movimiento existen dos fases bien diferenciadas:


* Cubismo Analítico: se lo conoce también como cubismo puro y es el más complejo de comprender. Se basa en la descomposición de formas y figuras geométricas para analizarlas y reordenarlas de una forma diferente y descompuesta.


* Cubismo Sintético: le siguió a la corriente anterior y se basó en la recomposición de los objetos, es decir ya no en el análisis detallado de sus formas, sino en captar la esencia de su fisonomía. Estos artistas resaltaban a través de colores y formas predominantes las partes más significativas de la figura. En esta etapa surgió la técnica del collage y el uso de elementos de la vida cotidiana permitiendo ofrecer una imagen global ofreciendo un referente concreto.

Vídeo:  ¿Como explicar el cubismo a los niños?

 

Vídeo: Pablo Picasso, "Les demoiselles d'Avignon".

   

Vídeo: ¿Que es el cubismo analítico?

   

Vídeo: ¿Que es el cubismo sintético?

 

jueves, 7 de febrero de 2019

Abastracción Lírica - Vassily Kandinsky...


 
El término “pintura abstracta” engloba muchas cosas, muchas corrientes y estilos diferentes. Hoy ponemos el punto de mira sobre la Abstracción lírica.


El mayor de los referentes en este campo fue Vassily Kandinsky que realizaba abstracciones cargadas de sentimiento. La clave de la Abstracción lírica es que la obra consiga retransmitir la emoción del artista de una manera que pueda ser entendida y compartida por el público.

Los pintores de este tipo de abstracción rechazan representar la realidad objetiva porque ello conlleva a que la gente saque sus propias impresiones acerca del significante de tales objetos. Para ellos es necesario crear nuevas formas que por si mismas no representen nada para el público en general y poder así crear emociones partiendo de cero.


El movimiento surge a partir de 1910, en los años posteriores alcanzó una gran fama que realmente sigue presente en muchos de los pintores contemporáneos.


Otro de los artistas más representativos de la Abstracción lírica es Paul Klee. Mientras que en la corriente francesa destaca Robert Delaunay que recogió las teorías de Chevreul para poder elaborar contrastes simultáneos de colores.

Acerquémonos a Vassily Kandinsky....

Vassily Kandinsky, más conocido simplemente como ‘Kandinsky’, nació en Rusia el 5 de diciembre de 1866. Sus padres se separaron cuando él era muy joven y eso le afectó muchísimo, así que su tía decidió criarlo en su casa. Cada noche su tía le contaba cuentos y leyendas de la antigüedad y de su ciudad, Moscú. Esos cuentos le inspiraron y le hicieron interesarse mucho por su ciudad y por su cultura.

Desde muy joven siempre llevaba con él una pequeña libreta donde dibujaba y escribía todo lo que se le ocurría, además empezó a sentirse muy atraído por los colores de la naturaleza.

 Estudió pintura y dibujo y mucho más tarde derecho y economía en la universidad de Moscú. Se convirtió en un profesor y tuvo mucho éxito. Decían que sus teorías eran muy interesantes y que era un gran profesor, aunque al final decidió abandonar la enseñanza y al cumplir treinta años se fue a Munich a estudiar pintura, que era su verdadera pasión.

El 1909 visitó una exposición de pinturas de estilo impresionista que le interesó mucho y decidió que sus pinturas procurarían imitar ese estilo.

Mientras los años pasaban, se dio cuenta de que sus pinturas eran abstractas, es decir, las formas y los objetos que pintaba no eran importantes, sino los colores que utilizaba y cómo los utilizaba. Empezó a pintar formas muy simples y geométricas como cuadrados, círculos y triángulos para representar objetos.

Con su manera tan simple de retratar las cosas crea el Arte Abstracto, que al principio no tuvo demasiado éxito pero más tarde impresionó a mucha gente.

Llega a Alemania y se convierte en profesor de arte, además expone varias obras y publica teorías sobre su estilo de pintura, pero cuando el nazismo surgió en Alemania muchos de sus cuadros y escritos se quemaron y él tuvo que volver a Rusia.

Después de varios viajes a Túnez, los Países Bajos e Italia, al final se queda en Francia. Allí continuará desarrollando el arte abstracto y creando amistades con los pintores de la época.

Murió el 13 de diciembre del año 1944 en las afueras de París.

Vídeo: El pintor Wassily Kandinsky para niños.

 

 
Vídeo: Wassily Kandinsky pintando.

 

miércoles, 6 de febrero de 2019

El fauvismo, "Una explosión de color y libertad"...





Fue Louis Vauxcelles el que bautizó el nuevo movimiento como Fauvismo, escribió el artículo "Donatello entre las fieras" con motivo de lo visto en el Salón de Otoño de 1905. Ellos recibieron el epíteto con gran honor, ya que se sentían ante todo unas fieras del color. Son "animales" pero con instinto sosegado a la hora de pintar.

Para hablar de los orígenes, tenemos que recordar a Gauguin y a Van Gogh, ya que ellos, huyendo del Impresionismo apostaban por obras intensamente coloreadas. Es revelador el consejo de Gauguin al hablar de la importancia del color puro: "...¿Esta sombra es más bien azul?, píntela de azul marino, ¿Las hojas son rojas?, póngale bermellón..." . Son palabras que constituyen este nuevo modo de ver, o mejor, de entender la vida. Es por ello que el Fauvismo no se interese por la introducción de nuevos temas, se tratan los géneros de siempre: el retrato, el paisaje, interiores de vivienda, naturalezas muertas...

El Fauvismo no debe entenderse como movimiento hermético, sino como un estallar estético y sentimental. El Fauvismo es un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se rechaza la existencia de un método riguroso, en pro de una libertad total ante la naturaleza. La primacía del color obliga a la forma a ser más expresiva que fiel a la realidad. El pintor fauve establece una patética comunión con la naturaleza, rechaza convencionalismos y descubre un lenguaje personal para alcanzar el máximo objetivo, la unión de arte y vida. El artista es un Demiurgo, o un nuevo dios que moldea su obra, la crea según un principio generador asimilable a la naturaleza. Esta liberación fauvista no tiene que ser entendida como desorden, rechazo de disciplinas o ignorancia, pues la libertad no se reclama hasta que se tiene plena conciencia de haber alcanzado los medios necesarios. Antes de lanzarse a la aventura de la innovación se aprende la técnica.

Otra de las características del Fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que éste ejerció en las obras. Se sabe como Maurice Vlaminck admiraba profundamente las máscaras procedentes de la Costa de Marfil. Este gusto por "lo otro" se generaliza en un ambiente que cada vez camina más hacia la vanguardia. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización. Posteriormente esta influencia sería seguida del Cubismo, basta recordar las "Señoritas de Avignon" de Picasso. No se debe olvidar la influencia de Cézanne.

Fieras, teselas de un mosaico:

Bajo este título, hay que entender que los pintores fauves no responden a los mismos planteamientos, aunque todos sean amantes del color. Podemos entender a Matisse como el representante más puro de la tendencia, seguido de André Derain. Cada artista adapta el color a su forma de vida. Este es el caso de artistas como Dufy, Friesz, Braque, Rouault, Van Donguen... 

La obra de Rouault debe relacionarse con el Expresionismo por sus contenidos de proclamas de fe y de acusación, sus obras están dominadas por un íntimo impulso dominado por el drama y por el fervor cristiano. Friesz apuesta por la sensualidad de temperamento, Van Donguen por la exageración, Braque se verá seriamente influido por el Cubismo...

El Fauvismo constituyó un momento extraordinario por la integración de artistas de tan diferente origen y carácter. Por lo general los fauves franceses no se detienen en investigaciones psicológicas o sociales, mientras que los alemanes otorgan un contenido más sentimental a sus videncias.

Mientras que la fecha de 1905 puede considerarse como la de un Fauvismo puro, la de 1907 responde al desbordamiento de otros planteamientos.



Vídeo: La eclosión de las vanguardias.


 

  Vídeo: Fauvismo...



 Vídeo: Henri Matisse

 

El tiempo de las vanguardias artísticas y políticas...



La vanguardia como fenómeno social y político-cultural atraviesa la época de lo moderno para intervenir como lectura fuerte de la crisis y la crítica de su tiempo. Las primeras dos décadas del siglo XX plantean, con el objeto de entender el vanguardismo, una serie de características necesarias para ser comprendidas. Por un lado, aparece un clima de época de aceleración de la historia, un clima que da como experiencia objetiva en el plano social y económico, avances y desarrollo de formas productivas, avances técnicos y logros de la ciencia, avances que utópicamente resolverían todos los problemas.


Y por el otro, surge fuertemente en estos años, la idea de una revolución. De una revolución social que se venía presintiendo más o menos desde 1870 a 1900, a partir de muchas variables que sustentaban la idea de estos cambios históricos. Entre ellos, la aceptación en la dirigencia de la clase obrera y los partidos políticos de las concepciones marxistas.


En el centro de esta nueva corriente de pensamiento surge la Primera Guerra Mundial (1914 – 1918) donde podríamos decir que se pone fin al siglo XIX y comienza el verdadero siglo XX. La guerra devastadora termina con un ideal decimonónico del mundo liberal burgués y va a dar como resultado la desolación, el vacío, la pérdida del sentido de lo hasta ahí legitimado como procesos civilizatorios en nombre de la razón y el progreso humano.


Las vanguardias artísticas sabían que nacían para morir; su grito de protesta y cuestionamiento crítico del arte a un mundo de razones dadas va a ser tan enérgico contra las formas institucionales del arte, ya que, le apesta a la vanguardia el mundo dado, de valores y morales burgueses y busca - a través del arte- un proceso concreto de liberación de la subjetividad creadora y receptora de denuncias contra las formas sublimadas "bellas" del arte burgués instituido. Liberación de la expresión artística como mundo subjetivo que necesita expresarse con violencia, con fuerza, contra variables estéticas del pasado, de tradiciones absolutamente consagradas, impertinentes, no solo con respecto a valores sociales y culturales establecidos, sino también al propio público burgués que asiste a las representaciones.


La vanguardia lo primero que hace es agredir al sistema de valores del burgués porque ese es su principal adversario, el que asiste a la experiencia del arte creyendo que va a encontrar al viejo y clásico arte de consolación y espiritualidad equilibrante. Las vanguardias estéticas trabajan en términos absolutamente provocativos. Con su vocabulario, con sus búsquedas formales, con un lenguaje, escandalizan a ese buen burgués.


Las vanguardias también trabajan en términos humorísticos y corrosivos en la descripción de su época, en la descripción de las figuras de su tiempo, de la cultura de su época en términos satíricos contra toda autoridad, todo poder o toda institución. En este sentido, Dada es la vanguardia que hace culto de lo hereje y es un punto medio entre el expresionismo –que es la primera vanguardia de este siglo- y el surrealismo –que es la más extrema y provocativa.


El sueño de las vanguardias históricas es integrar el arte a la vida también puesta de manifiesto por el dadaísmo. Es hacer desaparecer el arte como una experiencia autónoma. El arte en manos de artistas. Todo arte moderno y de vanguardia cuestiona de distintas maneras la época y su arte institucionalizado y es a partir de ese cuestionamiento, de ese febril experimentar, de ese trabajar con el lenguaje, de ese procurar otras escrituras que se constituye otro tramo del arte entre 1910 y 1940.


La vanguardia estética, política es el presente en estado absoluto, es esa carga moderna donde el presente solo puede comprenderse como futuro ya llegado antes de lo previsto, antes de que el conjunto tome conciencia, antes de que la totalidad de la sociedad despierte. La vanguardia aparece como una aceleración de la historia donde todo pasa a ser inmediato.


La utopía vanguardista la lleva adelante un artista que denuncia y demuele porque piensa que detrás de ese mundo informe hay una posibilidad de otro mundo, de pesadumbre ignominia de la vida; también esconde entre las frases virulentas la posibilidad de la sociedad utópica. Este es el caso del Surrealismo.


 






jueves, 31 de enero de 2019

CONCEPTOS BLOQUE nº 4: Modernismo - Art Nouveau.




El art nouveau (arte nuevo) es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en la arquitectura y en el diseño.

Se podría afirmar que es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque en Europa y Estados Unidos. Toma su nombre a raíz de una exposición que realiza Munch en la galería parisina "La maison del Art Nouveau", diseñada por Siegfrid Bing (1838-1905), aunque se conoce con distintos nombres según los países: Modernismo en España, Jugendstil en Alemania, Sezession (en Austria), Liberty en Inglaterra, Floreale en Italia, modernisme o Estilo modernista en Cataluña etc.
 
Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuentes eran flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía.

 
Una de las características principales del Art Nouveau es que se adapta a las circunstancias de la vida moderna, por lo que se halla íntimamente ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la arquitectura y el diseño gráfico.

 
 Características generales del Art Nouveau:
  • Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.
  • Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.
  • Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión...
  • Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial
  • Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Movimiento llamado Artes y Oficios. A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890.
Vídeo: Art Nouveau, Historia. 

 

Vídeo: El Modernismo. 

domingo, 20 de enero de 2019

CONCEPTOS BLOQUE nº 4: Impresionismo - Paul Gauguin.


Paul Gauguin, pintor francés. Nació 7 de junio de 1848 en París; fue criado en el seno de una familia de clase media; su madre era hija de la célebre socialista y feminista Flora Tristán.

Tuvo una juventud aventurera, vivió mas de cuatro años en Perú con su familia y más tarde trabaja en la marina mercante a los diecisiete años y luego va a la Armada, viajó durante seis años, visitando América del Sur, Escandinavia y otras partes del mundo.

Trabajó también como agente de bolsa de París. En 1871 se unió a una firma de corretaje de valores de París y gracias a su trabajo logró disfrutar de una confortable vida burguesa con su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos.

En 1874, después de conocer al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se hace coleccionista y pintor aficionado. Expuso con los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886. En 1882, debido a la quiebra de la Bolsa, no le quedó más remedio que convertir su afición a la pintura en oficio.

A comienzos de 1884 se trasladó a Ruán, donde vivía Pissarro. A partir de 1886, separado de su familia, empezó a viajar por Panamá y Martinica junto a su amigo y artista Charles Laval. Entre 1886 y 1891 vivió principalmente en la Bretaña, donde era el centro de un pequeño grupo de pintores experimentales conocidos como la escuela de Pont-Aven. Bajo la influencia del pintor Émile Bernard, se alejó del impresionismo y adoptó un estilo menos naturalista, al que denominó sintetismo. Halló inspiración en el arte indígena, en los vitrales medievales y en los grabados japoneses; estos últimos los conoció a través de Vincent van Gogh en 1888, durante los dos meses que vivieron juntos en Arles, en el sur de Francia. Tras el altercado en el que Van Gogh intentó matarle, abandonó la ciudad.

 Su nuevo estilo, marcado por la absorción de influencias del arte primitivo bretón, se caracterizó por la utilización de amplias zonas planas de colores encendidos, como en el Cristo amarillo (1889, Galería Albright-Knox, Buffalo, Estado de Nueva York, Estados Unidos). En 1891, arruinado y endeudado, se embarcó hacia Tahití escapando de la civilización europea, una sociedad "gobernada por el oro", y de todo lo que es artificial y convencional. Para financiar su viaje, Gauguin organizó una subasta de sus trabajos y pidió al gobierno un patrocinio. Volvió a París dos años después con cuatro francos en el bolsillo.

A excepción de esta visita a Francia entre 1893 y 1895, permaneció el resto de su vida en Tahití y después en las islas Marquesas. Las características esenciales de su pintura experimentaron pocos cambios; mantuvo la expresividad cromática, el rechazo a la perspectiva y la utilización de formas amplias y planas. En los mares del Sur, Gauguin se sumergió en culturas amenazadas de desaparición como la maorí en las que encontró nuevas fuentes de inspiración y de energía para su arte, algo que iba a su vez a influir en el interés por el arte primitivo de artistas posteriores como Picasso. Influido por el ambiente tropical y la cultura polinesia, su obra fue cobrando fuerza expresiva a medida que el tema se fue haciendo más característico, la escala de sus cuadros mayor y sus composiciones más simples.

Su temática abarcó desde escenas de la vida cotidiana, como Tahitianas o En la playa (1891, Museo de Orsay, París, Francia), hasta inquietantes escenas de supersticiosa aprensión, como El espíritu de los muertos observa (1892, Galería de Arte Albright-Knox).
 
Sus experimentaciones atrevidas con el color constituyen el antecedente directo del fauvismo. La fuerza de sus formas pictóricas influyó en el pintor noruego Edvard Munch y en la posterior escuela expresionista. Su obra maestra es la inmensa alegoría, que es así su testamento pictórico, ¿De dónde venimos, qué somos, dónde vamos? (1897, Museo de Bellas Artes, Boston, Estados Unidos), pintado inmediatamente antes de su intento de suicidio.Una modesta pensión que le enviaba un marchante de arte de París le mantuvo hasta su muerte, el 9 de mayo de 1903, en el pueblo de Atuana, isla de Dominica (islas Marquesas). 

  Vídeo: Gauguin, el eterno salvaje. 

  

 Vídeo: El Cristo amarillo de Gauguin.

  

Vídeo: Autorretrato caricaturesco de Gauguin - ArteHistoria.

  

 Vídeo: TAHITI - LOS VIAJES DE PAUL GAUGIN - MUCHOVIAJE.COM 

 

CONCEPTOS BLOQUE nº 4: Impresionismo - Pierre - Auguste Renoir.


Pierre - Auguste Renoir nació el 25 de febrero de 1841 en Limoges. Hijo de un sastre que trasladó a su familia a París. Durante su infancia trabajó como decorador en una fábrica de porcelanas.

 Con 17 años copiaba pinturas sobre abanicos, pantallas de lámparas y persianas. Fue admitido en la Academia de Bellas Artes y en 1862 se matriculó en la academia del pintor suizo Charles Gabriel Gleyre, donde se encontraría con Fridéric Bazille, Claude Monet y Alfred Sisley.

En su obra más temprana se pudo observar la influencia de pintores como Monet en su tratamiento de la luz, y de Eugène Delacroix en su tratamiento del color.

En 1864 tuvo lugar su primera exhibición en París, pero no fue verdaderamente reconocido hasta 1874, en la primera exposición de pintores de la nueva escuela impresionista.

Su baile del Moulin de la Galette (1876, Museo d'Orsay, París) es una de las obras más famosas del impresionismo. Habría que destacar como otros ejemplos de retrato: Madame Charpentier y sus niños (1878, Museo Metropolitano de Nueva York) y Jeanne Samary (1879, Museo del Louvre de París).

Otras pinturas destacadas son: El palco (1874, Galerías del Courtauld Institute de Londres), Mujer del abanico (1875) y El Columpio (1875), ambas en el Museo d'Orsay de París, El almuerzo de los remeros (1881, Colección Phillips de Washington), Los paraguas (1883, National Gallery, Londres) y Jarrón de crisantemos (1895, Museo de Bellas Artes de Ruán, Francia).

Consiguió una gran reputación con la exposición individual celebrada en la galería Durand-Ruel de París en 1883.

Entre 1884 y 1887 realizó unas series de estudios de grupo de figuras desnudas conocidas como Las grandes bañistas (Museo de Arte de Filadelfia). En sus últimos 20 años sufrió artritis y continuó trabajando con un pincel atado al brazo. Su hijo Jean Renoir, se convertiría en un cineasta de fama internacional. Pierre-Auguste Renoir falleció el 3 de diciembre de 1919 en Cagnes.


Vídeo: Pierre Auguste Renoir - Biografía.

  

 Vídeo: Pierre-Auguste Renoir - Filmed Painting at Home (1919).

  

Vídeo: Los 20 mejores cuadros de Renoir, pintura impresionista. 

 

sábado, 19 de enero de 2019

CONCEPTOS BLOQUE nº 4: Impresionismo...


La historia del movimiento impresionista gira en torno a una serie de encuentros entre diferentes pintores en busca de su independencia artística durante la segunda mitad del siglo XIX. 

Si contamos los principales pintores impresionistas que formaron parte de este movimiento, como Claude Monet, Édouard Manet, Alfred Sisley, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Camille Pissarro y Vincent Van Gogh, una misma causa los reunió: deshacerse de los códigos estrictos fijados en aquella época por la Real Academia de Pintura y Escultura. Por esto, deciden trabajar en talleres privados, lo que les permite pintar libremente y a su manera. El espíritu del impresionismo se resume en cierta forma en una frase pronunciada por Manet: «Pinto lo que veo, y no lo que los otros quieren ver».


El impresionismo es un movimiento que consiste en una nueva representación de la realidad y que marca un hito en el arte de la época. Durante los años 1850, Monet y Manet también se inspiraron de las estampas japonesas, en particular de artistas como Hokusai e Hiroshige. De hecho, ambos pintores fueron influenciados por este arte venido de Extremo Oriente y Monet llegó a poseer una colección de 250 estampas, expuestas hoy en la Fundación Monet en Giverny.

 Vídeo: IMPRESIONISMO - HISTORIA DEL ARTE. 

 

Vídeo: La primera exposición impresionista. 

 

Vídeo: Monet pinta Impresión: Sol naciente. Extracto de la serie de la BBC, los impresionistas, en la que Monet narra como elaboró el cuadro Impresión: Sol naciente, que cambiará la pintura para siempre.

 



Vídeo: Filme de época de Claude Monet pintando nos jardins de Giverny.


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