lunes, 19 de febrero de 2018

El fauvismo, "Una explosión de color y libertad"...





Fue Louis Vauxcelles el que bautizó el nuevo movimiento como Fauvismo, escribió el artículo "Donatello entre las fieras" con motivo de lo visto en el Salón de Otoño de 1905. Ellos recibieron el epíteto con gran honor, ya que se sentían ante todo unas fieras del color. Son "animales" pero con instinto sosegado a la hora de pintar.

Para hablar de los orígenes, tenemos que recordar a Gauguin y a Van Gogh, ya que ellos, huyendo del Impresionismo apostaban por obras intensamente coloreadas. Es revelador el consejo de Gauguin al hablar de la importancia del color puro: "...¿Esta sombra es más bien azul?, píntela de azul marino, ¿Las hojas son rojas?, póngale bermellón..." . Son palabras que constituyen este nuevo modo de ver, o mejor, de entender la vida. Es por ello que el Fauvismo no se interese por la introducción de nuevos temas, se tratan los géneros de siempre: el retrato, el paisaje, interiores de vivienda, naturalezas muertas...

El Fauvismo no debe entenderse como movimiento hermético, sino como un estallar estético y sentimental. El Fauvismo es un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se rechaza la existencia de un método riguroso, en pro de una libertad total ante la naturaleza. La primacía del color obliga a la forma a ser más expresiva que fiel a la realidad. El pintor fauve establece una patética comunión con la naturaleza, rechaza convencionalismos y descubre un lenguaje personal para alcanzar el máximo objetivo, la unión de arte y vida. El artista es un Demiurgo, o un nuevo dios que moldea su obra, la crea según un principio generador asimilable a la naturaleza. Esta liberación fauvista no tiene que ser entendida como desorden, rechazo de disciplinas o ignorancia, pues la libertad no se reclama hasta que se tiene plena conciencia de haber alcanzado los medios necesarios. Antes de lanzarse a la aventura de la innovación se aprende la técnica.

Otra de las características del Fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que éste ejerció en las obras. Se sabe como Maurice Vlaminck admiraba profundamente las máscaras procedentes de la Costa de Marfil. Este gusto por "lo otro" se generaliza en un ambiente que cada vez camina más hacia la vanguardia. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización. Posteriormente esta influencia sería seguida del Cubismo, basta recordar las "Señoritas de Avignon" de Picasso. No se debe olvidar la influencia de Cézanne.

Fieras, teselas de un mosaico:

Bajo este título, hay que entender que los pintores fauves no responden a los mismos planteamientos, aunque todos sean amantes del color. Podemos entender a Matisse como el representante más puro de la tendencia, seguido de André Derain. Cada artista adapta el color a su forma de vida. Este es el caso de artistas como Dufy, Friesz, Braque, Rouault, Van Donguen... 

La obra de Rouault debe relacionarse con el Expresionismo por sus contenidos de proclamas de fe y de acusación, sus obras están dominadas por un íntimo impulso dominado por el drama y por el fervor cristiano. Friesz apuesta por la sensualidad de temperamento, Van Donguen por la exageración, Braque se verá seriamente influido por el Cubismo...

El Fauvismo constituyó un momento extraordinario por la integración de artistas de tan diferente origen y carácter. Por lo general los fauves franceses no se detienen en investigaciones psicológicas o sociales, mientras que los alemanes otorgan un contenido más sentimental a sus videncias.

Mientras que la fecha de 1905 puede considerarse como la de un Fauvismo puro, la de 1907 responde al desbordamiento de otros planteamientos.



Vídeo: La eclosión de las vanguardias.


 

  Vídeo: Fauvismo...



 Vídeo: Henri Matisse

 

viernes, 16 de febrero de 2018

El tiempo de las vanguardias artísticas y políticas...



La vanguardia como fenómeno social y político-cultural atraviesa la época de lo moderno para intervenir como lectura fuerte de la crisis y la crítica de su tiempo. Las primeras dos décadas del siglo XX plantean, con el objeto de entender el vanguardismo, una serie de características necesarias para ser comprendidas. Por un lado, aparece un clima de época de aceleración de la historia, un clima que da como experiencia objetiva en el plano social y económico, avances y desarrollo de formas productivas, avances técnicos y logros de la ciencia, avances que utópicamente resolverían todos los problemas.


Y por el otro, surge fuertemente en estos años, la idea de una revolución. De una revolución social que se venía presintiendo más o menos desde 1870 a 1900, a partir de muchas variables que sustentaban la idea de estos cambios históricos. Entre ellos, la aceptación en la dirigencia de la clase obrera y los partidos políticos de las concepciones marxistas.


En el centro de esta nueva corriente de pensamiento surge la Primera Guerra Mundial (1914 – 1918) donde podríamos decir que se pone fin al siglo XIX y comienza el verdadero siglo XX. La guerra devastadora termina con un ideal decimonónico del mundo liberal burgués y va a dar como resultado la desolación, el vacío, la pérdida del sentido de lo hasta ahí legitimado como procesos civilizatorios en nombre de la razón y el progreso humano.


Las vanguardias artísticas sabían que nacían para morir; su grito de protesta y cuestionamiento crítico del arte a un mundo de razones dadas va a ser tan enérgico contra las formas institucionales del arte, ya que, le apesta a la vanguardia el mundo dado, de valores y morales burgueses y busca - a través del arte- un proceso concreto de liberación de la subjetividad creadora y receptora de denuncias contra las formas sublimadas "bellas" del arte burgués instituido. Liberación de la expresión artística como mundo subjetivo que necesita expresarse con violencia, con fuerza, contra variables estéticas del pasado, de tradiciones absolutamente consagradas, impertinentes, no solo con respecto a valores sociales y culturales establecidos, sino también al propio público burgués que asiste a las representaciones.


La vanguardia lo primero que hace es agredir al sistema de valores del burgués porque ese es su principal adversario, el que asiste a la experiencia del arte creyendo que va a encontrar al viejo y clásico arte de consolación y espiritualidad equilibrante. Las vanguardias estéticas trabajan en términos absolutamente provocativos. Con su vocabulario, con sus búsquedas formales, con un lenguaje, escandalizan a ese buen burgués.


Las vanguardias también trabajan en términos humorísticos y corrosivos en la descripción de su época, en la descripción de las figuras de su tiempo, de la cultura de su época en términos satíricos contra toda autoridad, todo poder o toda institución. En este sentido, Dada es la vanguardia que hace culto de lo hereje y es un punto medio entre el expresionismo –que es la primera vanguardia de este siglo- y el surrealismo –que es la más extrema y provocativa.


El sueño de las vanguardias históricas es integrar el arte a la vida también puesta de manifiesto por el dadaísmo. Es hacer desaparecer el arte como una experiencia autónoma. El arte en manos de artistas. Todo arte moderno y de vanguardia cuestiona de distintas maneras la época y su arte institucionalizado y es a partir de ese cuestionamiento, de ese febril experimentar, de ese trabajar con el lenguaje, de ese procurar otras escrituras que se constituye otro tramo del arte entre 1910 y 1940.


La vanguardia estética, política es el presente en estado absoluto, es esa carga moderna donde el presente solo puede comprenderse como futuro ya llegado antes de lo previsto, antes de que el conjunto tome conciencia, antes de que la totalidad de la sociedad despierte. La vanguardia aparece como una aceleración de la historia donde todo pasa a ser inmediato.


La utopía vanguardista la lleva adelante un artista que denuncia y demuele porque piensa que detrás de ese mundo informe hay una posibilidad de otro mundo, de pesadumbre ignominia de la vida; también esconde entre las frases virulentas la posibilidad de la sociedad utópica. Este es el caso del Surrealismo.


 






lunes, 5 de febrero de 2018

CONCEPTOS BLOQUE nº 4: Modernismo - Art Nouveau.




El art nouveau (arte nuevo) es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en la arquitectura y en el diseño
Se podría afirmar que es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque en Europa y Estados Unidos. Toma su nombre a raiz de una exposición que realiza Munch en la galería parisina "La maison del Art Nouveau", diseñada por Siegfrid Bing (1838-1905), aunque se conoce con distintos nombres según los países: modernismo en España, Jugendstil en Alemania, Sezession (en Austria), Liberty en Inglaterra, Floreale en Italia, modernisme o Estilo modernista en Cataluña etc.
 
Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuentes eran flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía.

Una de las características principales del Art Nouveau es que se adapta a las circunstancias de la vida moderna, por lo que se halla intimamente ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la arquitectura y el diseño gráfico.

 
 Características generales del Art Nouveau:
  • Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.
  • Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.
  • Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión...
  • Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial
  • Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Movimiento llamado Artes y Oficios. A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890.
Vídeo: Art Nouveau, Historia. 

 

Vídeo: El Modernismo. 

domingo, 21 de enero de 2018

CONCEPTOS BLOQUE nº 4: Impresionismo - Paul Gauguin.


Paul Gauguin, pintor francés. Nació 7 de junio de 1848 en París; fue criado en el seno de una familia de clase media; su madre era hija de la célebre socialista y feminista Flora Tristán.

Tuvo una juventud aventurera, vivió mas de cuatro años en Perú con su familia y más tarde trabaja en la marina mercante a los diecisiete años y luego va a la Armada, viajó durante seis años, visitando América del Sur, Escandinavia y otras partes del mundo.

Trabajó también como agente de bolsa de París. En 1871 se unió a una firma de corretaje de valores de París y gracias a su trabajo logró disfrutar de una confortable vida burguesa con su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos.

En 1874, después de conocer al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se hace coleccionista y pintor aficionado. Expuso con los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886. En 1882, debido a la quiebra de la Bolsa, no le quedó más remedio que convertir su afición a la pintura en oficio.

A comienzos de 1884 se trasladó a Ruán, donde vivía Pissarro. A partir de 1886, separado de su familia, empezó a viajar por Panamá y Martinica junto a su amigo y artista Charles Laval. Entre 1886 y 1891 vivió principalmente en la Bretaña, donde era el centro de un pequeño grupo de pintores experimentales conocidos como la escuela de Pont-Aven. Bajo la influencia del pintor Émile Bernard, se alejó del impresionismo y adoptó un estilo menos naturalista, al que denominó sintetismo. Halló inspiración en el arte indígena, en los vitrales medievales y en los grabados japoneses; estos últimos los conoció a través de Vincent van Gogh en 1888, durante los dos meses que vivieron juntos en Arles, en el sur de Francia. Tras el altercado en el que Van Gogh intentó matarle, abandonó la ciudad.

 Su nuevo estilo, marcado por la absorción de influencias del arte primitivo bretón, se caracterizó por la utilización de amplias zonas planas de colores encendidos, como en el Cristo amarillo (1889, Galería Albright-Knox, Buffalo, Estado de Nueva York, Estados Unidos). En 1891, arruinado y endeudado, se embarcó hacia Tahití escapando de la civilización europea, una sociedad "gobernada por el oro", y de todo lo que es artificial y convencional. Para financiar su viaje, Gauguin organizó una subasta de sus trabajos y pidió al gobierno un patrocinio. Volvió a París dos años después con cuatro francos en el bolsillo.

A excepción de esta visita a Francia entre 1893 y 1895, permaneció el resto de su vida en Tahití y después en las islas Marquesas. Las características esenciales de su pintura experimentaron pocos cambios; mantuvo la expresividad cromática, el rechazo a la perspectiva y la utilización de formas amplias y planas. En los mares del Sur, Gauguin se sumergió en culturas amenazadas de desaparición como la maorí en las que encontró nuevas fuentes de inspiración y de energía para su arte, algo que iba a su vez a influir en el interés por el arte primitivo de artistas posteriores como Picasso. Influido por el ambiente tropical y la cultura polinesia, su obra fue cobrando fuerza expresiva a medida que el tema se fue haciendo más característico, la escala de sus cuadros mayor y sus composiciones más simples.

Su temática abarcó desde escenas de la vida cotidiana, como Tahitianas o En la playa (1891, Museo de Orsay, París, Francia), hasta inquietantes escenas de supersticiosa aprensión, como El espíritu de los muertos observa (1892, Galería de Arte Albright-Knox).
 
Sus experimentaciones atrevidas con el color constituyen el antecedente directo del fauvismo. La fuerza de sus formas pictóricas influyó en el pintor noruego Edvard Munch y en la posterior escuela expresionista. Su obra maestra es la inmensa alegoría, que es así su testamento pictórico, ¿De dónde venimos, qué somos, dónde vamos? (1897, Museo de Bellas Artes, Boston, Estados Unidos), pintado inmediatamente antes de su intento de suicidio.
Una modesta pensión que le enviaba un marchante de arte de París le mantuvo hasta su muerte, el 9 de mayo de 1903, en el pueblo de Atuana, isla de Dominica (islas Marquesas). 

  Vídeo: Gauguin, el eterno salvaje. 

  

 Vídeo: El Cristo amarillo de Gauguin.

  

Vídeo: Autorretrato caricaturesco de Gauguin - ArteHistoria.

  

 Vídeo: TAHITI - LOS VIAJES DE PAUL GAUGIN - MUCHOVIAJE.COM 

 

CONCEPTOS BLOQUE nº 4: Impresionismo - Pierre - Auguste Renoir.


Pierre - Auguste Renoir nació el 25 de febrero de 1841 en Limoges. Hijo de un sastre que trasladó a su familia a París. Durante su infancia trabajó como decorador en una fábrica de porcelanas.

 Con 17 años copiaba pinturas sobre abanicos, pantallas de lámparas y persianas. Fue admitido en la Academia de Bellas Artes y en 1862 se matriculó en la academia del pintor suizo Charles Gabriel Gleyre, donde se encontraría con Fridéric Bazille, Claude Monet y Alfred Sisley.

En su obra más temprana se pudo observar la influencia de pintores como Monet en su tratamiento de la luz, y de Eugène Delacroix en su tratamiento del color.

En 1864 tuvo lugar su primera exhibición en París, pero no fue verdaderamente reconocido hasta 1874, en la primera exposición de pintores de la nueva escuela impresionista.

Su baile del Moulin de la Galette (1876, Museo d'Orsay, París) es una de las obras más famosas del impresionismo. Habría que destacar como otros ejemplos de retrato: Madame Charpentier y sus niños (1878, Museo Metropolitano de Nueva York) y Jeanne Samary (1879, Museo del Louvre de París).

Otras pinturas destacadas son: El palco (1874, Galerías del Courtauld Institute de Londres), Mujer del abanico (1875) y El Columpio (1875), ambas en el Museo d'Orsay de París, El almuerzo de los remeros (1881, Colección Phillips de Washington), Los paraguas (1883, National Gallery, Londres) y Jarrón de crisantemos (1895, Museo de Bellas Artes de Ruán, Francia).

Consiguió una gran reputación con la exposición individual celebrada en la galería Durand-Ruel de París en 1883.

Entre 1884 y 1887 realizó unas series de estudios de grupo de figuras desnudas conocidas como Las grandes bañistas (Museo de Arte de Filadelfia). En sus últimos 20 años sufrió artritis y continuó trabajando con un pincel atado al brazo. Su hijo Jean Renoir, se convertiría en un cineasta de fama internacional. Pierre-Auguste Renoir falleció el 3 de diciembre de 1919 en Cagnes.


Vídeo: Pierre Auguste Renoir - Biografía.

  

 Vídeo: Pierre-Auguste Renoir - Filmed Painting at Home (1919).

  

Vídeo: Los 20 mejores cuadros de Renoir, pintura impresionista. 

 

sábado, 20 de enero de 2018

CONCEPTOS BLOQUE nº 4: Impresionismo...


La historia del movimiento impresionista gira en torno a una serie de encuentros entre diferentes pintores en busca de su independencia artística durante la segunda mitad del siglo XIX. 

Si contamos los principales pintores impresionistas que formaron parte de este movimiento, como Claude Monet, Édouard Manet, Alfred Sisley, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Camille Pissarro y Vincent Van Gogh, una misma causa los reunió: deshacerse de los códigos estrictos fijados en aquella época por la Real Academia de Pintura y Escultura. Por esto, deciden trabajar en talleres privados, lo que les permite pintar libremente y a su manera. El espíritu del impresionismo se resume en cierta forma en una frase pronunciada por Manet: «Pinto lo que veo, y no lo que los otros quieren ver».


El impresionismo es un movimiento que consiste en una nueva representación de la realidad y que marca un hito en el arte de la época. Durante los años 1850, Monet y Manet también se inspiraron de las estampas japonesas, en particular de artistas como Hokusai e Hiroshige. De hecho, ambos pintores fueron influenciados por este arte venido de Extremo Oriente y Monet llegó a poseer una colección de 250 estampas, expuestas hoy en la Fundación Monet en Giverny.

 Vídeo: IMPRESIONISMO - HISTORIA DEL ARTE. 

 

Vídeo: La primera exposición impresionista. 

 

Vídeo: Monet pinta Impresión: Sol naciente. Extracto de la serie de la BBC, los impresionistas, en la que Monet narra como elaboró el cuadro Impresión: Sol naciente, que cambiará la pintura para siempre.

 



Vídeo: Filme de época de Claude Monet pintando nos jardins de Giverny.


domingo, 14 de enero de 2018

CONCEPTOS BLOQUE nº 4: Romanticismo - Théodore Géricault...


Théodor o Théodore Géricault... Ruán, Francia, 1791 - París, 1824. Pintor francés. Fue una figura singular en el panorama de la pintura francesa y un pionero del Romanticismo, ideal que encarnó también en su tumultuosa vida y en su prematura muerte, a los treinta y tres años, a causa de un accidente de equitación.
 
En 1798 se trasladó con su familia a París, donde se formó artísticamente en los estudios de Vernet y de Pierre Guérin. No obstante, su estilo se debe en buena medida a las copias de obras maestras que realizó en el Louvre y a una estancia en Italia (1816-1817), donde entró en contacto con la obra de Miguel Ángel y con el barroco romano.


La carrera de Géricault como pintor se extiende apenas a lo largo de diez años, pese a lo cual su obra es notable y abundante. En sus primeras realizaciones (La muerte de Hipólito, La captura del caballo salvaje), un planteamiento todavía clásico va acompañado de una materia pictórica rica y pastosa, y de un modelado de las figuras a través de la luz, que son ya rasgos claramente románticos. 


En 1819 pintó y expuso en el Salón de aquel año, en París, su pintura más famosa: La balsa de la Medusa, que ganó una medalla y produjo una profunda conmoción por ser antitética de las tendencias clasicistas entonces en boga. El cuadro aludía al naufragio de la Medusa en 1816, un acontecimiento de la época con fuertes connotaciones políticas, tratado con acentos épicos. Tanto por el tema como por el enfoque (la energía y la fuerza pasional son las notas dominantes), el lienzo era de una absoluta novedad y ejerció una influencia duradera.

De 1820 a 1822, Géricault estuvo en el Reino Unido, donde pintó sobre todo carreras de caballos, en respuesta a su gran afición al mundo de la hípica. Hacia 1822-1823 realizó una excepcional serie de retratos de enfermos mentales, como preparación para una obra que no llegó a ejecutar; son retratos de sorprendente esencialidad y de un realismo crudo, connatural este último a su estilo. Fue amigo de Eugène Delacroix, su principal epígono y continuador artístico.

Vídeo: GÉRICAULT Romántico clásico. 
 
  


Vídeo: THEODORE GUERICAULT- La Balsa de la Medusa (Obras Maestras de la Pintura Universal).

 

CONCEPTOS BLOQUE nº 4: Francisco de Goya y Lucientes - Pinturas Negras...



El conjunto de catorce escenas al que pertenece esta obra se ha popularizado con el título de Pinturas Negras por el uso que en ellas se hizo de pigmentos oscuros y negros y, asimismo, por lo sombrío de los temas. 

Decoraron dos habitaciones, en las plantas baja y alta, de la conocida como Quinta del Sordo, casa de campo a las afueras de Madrid y a orillas del río Manzanares, conocida por ese nombre ya antes de su adquisición por Goya en 1819. Se conocen fotos del conjunto in situ, realizadas hacia 1873 por el fotógrafo francés Jean Laurent (1816-1886), y se incluyeron por primera vez en el catálogo del Museo del Prado de 1900

La casa fue derribada hacia 1909. Las Pinturas Negras se pintaron directamente sobre la pared seca, no al fresco, y en la mezcla de los pigmentos se utilizó el óleo, según indican los análisis químicos realizados en el Museo. Con anterioridad, en algunos de los paños de los muros y en ambos pisos, parece que hubo otras escenas, aunque de difícil interpretación, que pudieron ser paisajes con pequeñas figuras, puestos de manifiesto por las imágenes radiográficas tomadas en el Museo del Prado en 1983.  

Vídeo: Las enigmáticas pinturas negras de Goya. Pinturas negras (1819--1823) es el nombre que recibe una serie de 14 obras murales de Francisco de Goya, pintadas con la técnica de óleo al secco (sobre paredes recubiertas de yeso). Las creó como decoración de los muros de su casa, llamada la Quinta del Sordo, que había adquirido en febrero de 1819. Estos murales fueron trasladados a lienzo a partir de 1874, y actualmente se conservan en el Museo del Prado de Madrid. 

  

Vídeo: Las pinturas negras de Francisco de Goya. Hacemos un análisis de las principales características de este periodo del artista y describimos algunas de las obras principales incluidas en este periodo.

 

jueves, 11 de enero de 2018

"Vocación de san Mateo", Caravaggio - Barroco italiano...




Autor: Caravaggio Fecha: 1599-1600 Museo: Iglesia de San Luis de los Franceses de Roma Características: 322 x 340 cm. Estilo: Barroco Italiano Material: Oleo sobre lienzo

jueves, 7 de diciembre de 2017

CONCEPTOS BLOQUE nº 3: Arte Barroco - Trampantojo...


Trampantojo (de «trampa ante ojo»,​ del francés trompe-l'œil, «engaña el ojo») es una técnica pictórica que intenta engañar la vista jugando con el entorno arquitectónico (real o simulado), la perspectiva, el sombreado y otros efectos ópticos y de fingimiento, consiguiendo una "realidad intensificada" o "sustitución de la realidad".También se utiliza el término "ilusionismo"​ (no debe confundirse con el arte escénica de ese nombre, que también juega con la ilusión).

 Vídeo: Trampantojo.

   

 Vídeo: Cornelius Gijsbrechts - Trampantojo. Pintor flamenco del Barroco.

   

 Vídeo: Pintar un armario con un trampantojo.

   

 Vídeo: imágenes 3D en las calles.

 

miércoles, 6 de diciembre de 2017

CONCEPTOS BLOQUE nº 3: Arte Barroco - Murillo...




Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 1617–3 de abril de 1682) fue un pintor barroco español. Formado en el naturalismo tardío, evolucionó hacia fórmulas propias del barroco pleno con una sensibilidad que a veces anticipa el Rococó en algunas de sus más peculiares e imitadas creaciones iconográficas como la "Inmaculada Concepción" o el "Buen Pastr" en figura infantil. 

Personalidad central de la escuela sevillana, con un elevado número de discípulos y seguidores que llevaron su influencia hasta bien entrado el siglo XVIII, fue también el pintor español mejor conocido y más apreciado fuera de España, el único del que Sandrart incluyó una breve y fabulada biografía en su Academia picturae eruditae de 1683 con el Autorretrato del pintor grabado por Richard Collin. 

Condicionado por la clientela, el grueso de su producción está formado por obras de carácter religioso con destino a iglesias y conventos sevillanos, pero a diferencia de otros grandes maestros españoles de su tiempo, cultivó también la pintura de género de forma continuada e independiente a lo largo de buena parte de su carrera. 

Vídeo: Murillo, un pintor al servicio de la fe. 

  

Vídeo: Murillo : La Sagrada Familia del Pajarito. 

  

 Vídeo: Inmaculada de El Escorial de Murillo. 

 

Vídeo: Presentación del Año Murillo. 

 

Vídeo: El Año Murillo comienza con la muestra 'Murillo y los capuchinos de Sevilla' en el Bellas Artes.

 

CONCEPTOS BLOQUE nº 3: Arte Barroco - Baldaquino...




El 'Baldaquino de San Pedro' (en italiano: Baldacchino di San Pietro) es una obra del italiano Gian Lorenzo Bernini. Se trata de un ciborrio o baldaquino monumental, en cuatro columnas culminadas en dosel, forjado en bronce macizo negro y sobredorado, de estilo barroco, que se emplaza en el centro del crucero de la Basílica de San Pedro de la Ciudad del Vaticano, directamente bajo la cúpula. 

Un baldaquín (o baldaquino empleando un vocablo italianizante) es un templete soportado por columnas que se solía situar cubriendo el altar mayor en las iglesias del medioevo. El colosal elemento diseñado y ejecutado por Bernini, combina elementos escultóricos y arquitectónicos y alberga bajo su dosel al altar mayor de la basílica, que a su vez se sitúa sobre la cripta en que se halla la tumba del apóstol San Pedro. 

Vídeo: La escultura de Bernini.

  

Vídeo: El baldaquino de San Pedro.

  

 Vídeo: Limpando o pó da Basílica de São Pedro.

 

CONCEPTOS BLOQUE nº 3: Arte Barroco - Tenebrismo.

Claroscuro - Tenerbrismo..

El claroscuro es uno de los términos más utilizados en pintura. En este vídeo tratamos de definir esta palabra con ejemplos de algunos de los artistas más conocidos del Renacimiento y del Barroco. 

También definimos la palabra tenebrismo, que se aplica a un estilo de claroscuro cuyo introductor será Caravaggio y que tuvo mucha influencia en España y otros países europeos a lo largo del siglo XVII.

Vídeo... Claroscuro - Tenebrismo.

  

 Vídeo: ¿Cómo reconocer una pintura barroca? (General + el caso de "La ronda de noche").

 

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