sábado, 3 de diciembre de 2016

6 de diciembre: "Día de la Constitución Española de 1978"...


CONSTITUCIÓN ESPAÑOLA

Aprobada por Las Cortes en sesiones plenarias del Congreso de los Diputados y del Senado celebradas el 31 de octubre de 1978

Ratificada por el pueblo español en referéndum de 6 de diciembre de 1978.

Sancionada por S M el Rey ante Las Cortes el 27 de diciembre de 1978.

Vídeo: El referéndum constitucional. La transición española a la democracia tuvo como hito fundamental la elaboración de un texto constitucional, fruto del consenso entre todos los partidos democráticos.

 

Miguel Ángel y la escultura...


Miguel Ángel es el artista con mayúsculas; aunque también se dedicó a la pintura y a la arquitectura, la verdadera pasión de Miguel Ángel fue la escultura.

Miguel Ángel es el gran escultor de todos los tiempos. Fue ante todo un artista que prefirió este género por encima de los demás. Descubrió su arte con Donatello, donde empezó a impresionarse por las obras clásicas que no eran copiadas, sino que desarrollaban su imaginación.

Miguel Ángel es un estudioso del movimiento, siendo innovador y presentando nuevas soluciones.

Poseía una amplia visión de la composición escultórica, siendo sus composiciones originales, novedosas, fruto de una gran reflexión.

Toma posesión del espacio, el volumen es una preocupación de su escultura, da siempre el volumen adecuado. Sus composiciones escultóricas están llenas de ritmo, inspirado en la propia vida.

Trabaja siempre grandes bloques de mármol, nunca hace añadidos. Suele trabajar sólo por lo que es un maestro del cincel, realiza desde el vaciado grueso hasta la pulido del mármol.

Es un perfeccionista, sus obras pasan la mayor de las exigencias, la suya personal. Si no está satisfecho la destruye, aborrece la chapuza.

Distingue como nadie las figuras dentro de los bloques de mármol, tiene una visión escultórica donde los demás solo ven una roca. Miguel Ángel dota a sus obras de una gran espiritualidad, cobran vida interior, nos transmiten pasiones y sentimientos humanos, unidos a su gran perfección física.

La escultura de Miguel Ángel no es lineal sino que presenta una evolución, pudiendo distinguir en el autor 3 etapas:

a) Una juvenil, en donde destacan "Relieve de la virgen de la escalera", "Piedad del Vaticano" y "David de Florencia".

b) Madura entre las que resaltan todos los relacionados con el Mausoleo del papa Julio II ("Moisés" y "los esclavos"). Los relacionados con las capillas mediceas ("retrato de los Medici", "las alegorias").

c) Vejez, donde destacaremos "La Piedad rondanini".

Ghoethe dijo de él: "En cada uno de sus pinceladas y martillazos vibra el espíritu del artista por excelencia, en su mas doble dignidad y en su mas elevada pureza". Con 89 años, sus manos no le obedecían, temblorosas y agotadas por el continuo crear, le decía a su amigo con triste y resignada sonrisa "las manos de la muerte son eternas, y ya siento que me agarran por el manto" Murió en Roma. De acuerdo con su voluntad, su ataúd fue llevado e inhumado en la iglesia de Santa Croce en Florencia.





Sonriamos un poquito...




Vídeo: "DAVID" DE MIGUEL ÁNGEL, REGRESA A ITALIA. Este es un vídeo que nos trata de hacer ver (entre broma y broma) que la "COMIDA" que se consume hoy en día, no es la más adecuada para la salud.

Miguel Ángel se inspiró en burdeles para pintar la Capilla Sixtina...




Experta dice que artistas iban a baños públicos donde a menudo se ejercía la prostitución para estudiar a modelos.

Generacion.com (12/11/2010).No sólo recibió inspiración divina, sino también de algo más terrenal … y pecaminoso. Una investigación de la estudiosa Elena Lazzarini reveló que el genio renacentista Miguel Ángel Buonarroti buscó inspiración en varios burdeles italianos para pintar la famosa Capilla Sixtina.

Según Lazzarini, era frecuente que los artistas renacentistas italianos acudieran a las llamadas "stufa", baños públicos similares a un burdel donde a menudo se ejercía la prostitución, para estudiar a modelos que después serían representados en sus obras.

"Los cuerpos masculinos, muy viriles, que componen la pintura del Juicio Final corresponden con la apariencia física de peones y cargadores de esa época que podía encontrarse en los baños públicos", dijo Lazzarini.

Vídeo: Miguel Ángel y la Capilla Sixtina. Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.

Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos. Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo.

La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.




miércoles, 30 de noviembre de 2016

"Condottiero Gattamelata" de Donatello...




Nacido en Florencia en 1386 en el seno de una humilde familia, -su padre era cardador de lana- Donatello desde joven se formó con Ghiberti colaborando en los relieves de las puertas del Baptisterio de San Juan de Florencia y posteriormente, trabajó con Brunelleschi. Conocedor de la antigüedad clásica, cuya influencia se reflejará a lo largo de su obra, sus inicios están marcados por la escultura gótica. Así, sus primeras obras son las estatuas de San Marcos, San Jorge, San Juan Evangelista y Josué, todas ellas en Florencia.

El clasicismo más vigoroso se muestra a partir de 1425, cuando empieza a trabajar con Michelozzo y en la ciudad de Roma, donde esculpe "El entierro de Cristo" y el cáliz de la sacristía de la basílica de San Pedro. De nuevo en Florencia realiza su obra más sobresaliente, el David en bronce. Después de 1435, su estilo se desliza claramente hacia el realismo y la acción dramática, dando a sus personajes una mayor fuerza expresiva y psicológica. De este período son El Condottiero Gattamelata (escultura Quattrocentocentista), "Judith y Holofernes" y "Los milagros de San Antonio". La expresividad de su obra en esta época sentará escuela no sólo entre los escultores posteriores sino también entre pintores, como Mantegna. Donatello falleció en Florencia el 13 de diciembre de 1466.

La estatua (de bulto redondo fundida en bronce) representa a Erasmo da Narni (1370 Padua y fallece en 1443) caudillo italiano, a caballo, vestido de soldado romano con la rienda en su mano izquierda y el baston de mando de oficial en la derecha. Mercenario al servicio de Venecia, luchó contra Milán al mando de un ejército mercenario. En 1347 fue nombrado capitán general de Venecia. Fue su hijo Gian Antonio quien tras su muerte (murió de apoplejía muy joven) le encargó a Donatello realizar su estatua ecuestre en pago a los servicios prestados a la Republica de Venecia. Realizada en la ciudad de Padua (aun permanece allí en la plaza de la ciudad) en 1453 está hecha de bronce y tiene una altura de 3,40 metros aproximadamente. Corresponde su realización al ideal de nobleza encarnado en una verdadera realidad.

Pertenece al temprano renacimiento. Movimiento cultural que nació en Italia en el siglo XV y pronto se difundió por toda Europa. Pretende contrastar con la Edad Media, marcada por el dominio de la iglesia y el teocentrismo. Ahora el centro ya no es la idea de Dios sino es el mismo hombre, "es la medida de todas las cosas". Uno de los aspectos más característicos es el renacer con mucha imaginación y fantasía de los mundos clásicos: Grecia y Roma queda reflejado sobretodo en el arte ( pintura, escultura y arquitectura ) con los ideales de proporción, armonía y geometría. Es concretamente en Florencia donde nace el renacimiento, utilizando de nuevo en la arquitectura los arcos de medio punto, las bóvedas, cúpulas y sobretodo las columnas, capiteles y frontones de la antigüedad. El arte progresa tanto en la arquitectura religiosa como en la civil. Un elemento esencial es la cúpula, que además de funciones arquitectónicas también tienen que ver con la filosofía de la época.

La escultura es considerada como una evolución de la medieval. En Pisa se dan los primeros inicios de esta nueva escultura, de carácter naturalista, realista, y monumental, usando proporciones y elegancia en la línea. Sin embargo la esencia de la escultura clásica se recupera en Florencia y se separa de la arquitectura. Aunque predomina la escultura religiosa, la escultura fúnebre y el retrato adquieren gran importancia. Donatello usa el marmol junto al bronce casi siempre.

Donatello fue el primero en aplicar las características clásicas a la escultura renacentista con un cierto carácter expresionista, como se muestra en "La Magdalena". Esculpe en broncen y marmol "El David" (tiene versiones en bronce y mármol) y la figura ecuestre "El Condotiero Gattamelata" empleando los conceptos de realismo e idealización con un estudio naturalista de la figura humana. Esta última fue inspirada en la estatua (ecuestre tambien) dedicada al emperador Marco Aurelio que está frente a la Basílica de Letrán en Roma.

Vídeo: A Tour in Padua, Italia.

 

Vídeo: DONATELLO- The prayer- Montserrat Caballé  .

 

Tras su restauración el David de Donatello de nuevo entre nosotros...



Roma.- El "David" de Donatello, la obra maestra en bronce del escultor florentino del Renacimiento, volverá a exponerse en el Museo Bargello de Florencia, después de someterse a una restauración de 18 meses que pudo ser seguida en directo por los visitantes de la galería.

EFE.

Las restauración ha permitido recuperar el brillo del oro presente en el bronce, sobre todo en los cabellos, pero también la calidad cromática del metal, aseguran los responsables de la Superintendencia de bienes culturales de Florencia.

Para la limpieza de esta obra maestra, considerada innovadora por su manera de tratar el desnudo masculino, se han utilizado técnicas de vanguardia, a partir de un rayo láser que limaba las impurezas para hacer resaltar las partes doradas y más frágiles.

La operación de limpieza del bronce, de unos 158 centímetros de altura, encargado a Donatello por Cosimo de Medici para decorar el patio de su palacio, fue ejecutada en la misma sala del museo Bargello donde siempre se ha expuesto.

Cada movimiento de los restauradores era capturado por unas cámaras y de esta manera, el público que visitaba la galería florentina podía seguir a través de una pantalla el espectáculo de la restauración de la escultura.

Vídeo:2009_DAVID DI DONATELLO RESTAURATO AL MUSEO DEL BARGELLO_italia.


Donatello (Florencia, 1386 - 1466)...



Escultor florentino. Entre 1404 y 1407 trabaja como ayudante de Ghiberti, desarrollando un estilo diferente a la elegancia gótica de su maestro y destacando sobre todo, por su fuerza emocional.


Su concepción revolucionaria queda ejemplarizada en la serie de figuras de pie que ejecuta para las hornacinas de Orsanmichele y la catedral de Florencia, caracterizadas por una aguda penetración psicológica y una técnica original que pone de manifiesto su interés por los efectos ópticos, al tener en cuenta la posición desde la que van a ser observadas. Donatello inventa la técnica del "relievo schiacciato", un relieve tan bajo que es como un dibujo en piedra.


Entre 1430 y 1432, viaja a Roma, causándole una gran impresión el arte antiguo tal y como demuestran sus posteriores obras: su “David”, se considera la primera escultura desnuda desde la Antigüedad, y su “Gattamelata”, la primera ecuestre a tamaño natural, con guiños a la escultura ecuestre del Marco Aurelio romano.


En 1454 se establece en Florencia, caracterizándose su obra tardía por su intensidad emocional y por explotar las posibilidades expresivas de la distorsión. Crea junto con Alberti, Brunelleschi y Masaccio, el lenguaje del renacimiento florentino, encontrando en Miguel Ángel a su auténtico heredero espiritual.


La mayoría de su obra se encuentra en la ciudad de Florencia y, en especial, en el Museo del Barghello de dicha ciudad.



Vídeo: PRATO IL PULPITO DI DONATELLO.


El Renacimiento, escultura italiana...



La escultura renacentista se caracteriza por la proporción, la simetría y el canon. Lo importante es la belleza, más que lo que representa, por eso reaparecen los temas mitológicos. Estudia la anatomía a través del desnudo y el retrato. Utiliza materiales nobles como el mármol y el bronce, con los que se alcanza gran perfección.

Amplía los temas, ya que se retrata a individuos, y desaparece el sentido narrativo de la obra. Los protagonistas son el hombre y la naturaleza. No se descuida el relieve, de tres tipos: alto, medio y bajo, que se utilizan en la misma obra para dar sensación de profundidad. Al igual que en las demás obras, el artista abandona el anonimato. Se suelen hacer bustos, figuras de cuerpo entero, motivos funerarios y estatuas ecuestres.

El Quattrocento es la época en la que triunfan el hombre y la naturaleza. Lorenzo Ghiberti es el escultor más importante, realiza “las puertas del baptisterio de Florencia”. En «las puertas del paraíso», que dijera Miguel Ángel, resuelve con originalidad el problema del espacio y la perspectiva, fijando las técnicas clásicas. Otras obras suyas son “San Juan Bautista” y “San Mateo”.

En Florencia trabaja también Donato Niccolo, Donatello, el más grande escultor del momento. Su contribución más importante la realiza en el campo de la figura humana. Evoluciona desde la serenidad hacia un realismo dramático. Representará todos los estados de ánimo. Su “San Jorge” será la primera escultura de tamaño natural desde la antigüedad.

En sus obras utiliza un sistema de relieves planos que consiste en su multiplicación para conseguir el efecto de profundidad. Sus obras emblemáticas son el “David”, “Los cuatro profetas”, “Magdalena” y “Gattamelata”, que es su obra más clásica, un retrato ecuestre que crea un modelo típico.

También son grandes escultores Jacobo della Quercia, Luca della Robbia; Andrea della Robbia; Andrea Verrochio; Antonio Jacobo Pollaiuolo.

En el Cinquecento destaca sobre todas la figura de Miguel Ángel Buonarroti, el gran escultor del Renacimiento, tanto por su técnica como por su fuerte personalidad. Es el prototipo universal del escultor, capaz de plasmar cualquier sentimiento, desde el lirismo al dramatismo, incompatible con la serenidad renacentista. Estudia los problemas de movimiento y composición.

Utiliza grandes bloques de mármol. Exalta por igual la fuerza física y la espiritual. Hace un extraordinario estudio de la anatomía humana, hasta llegar al hiperrealismo. Entre las obras más representativas encontramos: “La piedad” en el Vaticano, el “David” en Florencia, una figura de gran tensión, el “Moisés”, una figura gigantesca y un tanto expresionista plenamente manierista, el “sepulcro de los Medici” y multitud de esculturas inconclusas.

Otros escultores de este periodo son Gian Francesco Rustici y Sansovino.

Las últimas obras de Miguel Ángel pertenecen al manierismo, momento en el que se exageran las actitudes y se llega al colosalismo de las figuras. Otros escultores manieristas son Benvenuto Cellini, Baccio Bandellini, Juan de Bolonia y Leone Leoni.




domingo, 27 de noviembre de 2016

"Filippo Brunelleschi, Cúpula Santa María de las Flores"...


"Cúpula de Santa María dei Fiore" de Filippo Brunelleschi: Arquitectura renacentista italiana. 1418-1446 (Quattrocento) Florencia, Italia; 114 m (alto) x 41'7 m (diámetro).

Se trata de la cúpula de la catedral de Florencia. Santa María de las Flores (Santa María dei Fiori) es una catedral gótica, iniciada en 1296 por el arquitecto Arnolfo di Cambio y continuada desde 1331 por Giotto, quién realizó su bello campanile exento, y posteriormente por otros arquitectos. La catedral tiene planta de cruz latina con tres naves. Como es típico en el gótico italiano, tiende a la horizontalidad y a la policromía, al intercalar hiladas de piedra y mármol. En 1418 la Corporación de la Lana convocó un concurso para elegir el mejor proyecto para construir una cúpula sobre el crucero, que aún faltaba. La maqueta presentada por el arquitecto Filippo Brunelleschi ganó el concurso, al que también se había presentado Ghiberti.

Materiales: Ladrillo, piedra y mármol .

Planta e interior: Brunelleschi ganó el concurso gracias a su innovador sistema constructivo: sin cimbras de madera y empleo de un aparejo de ladrillo hueco en forma de espina de pez, utilizado ya por los romanos. Planteó la grandiosa cúpula- de casi 43 m. de diámetro- como un doble cascarón con un espacio vacío en medio: el cascarón interno era de forma semiesférica, el externo era apuntado, dividido en ocho partes triangulares divididas por nervios exteriores de mármol. Aligeran el peso en el exterior diversas semicúpulas de descarga y, desde el interior, una serie de costillas horizontales concéntricas y nervios ocultos.

Exterior: La cúpula se alza sobre un tambor octogonal de piedra revestido de placas de mármol (blanco, verde y rosado), con una gran ventana circular (óculo) en cada uno de sus lados . La cúpula, cuyas ocho caras están cubiertas de tejas rojas planas , tiene un aspecto esbelto gracias a su perfil apuntado, debido a la curvatura de los nervios de mármol blanco que la recorren ascendiendo hacia la cúspide. En la unión de los nervios aparece una estilizada linterna, punto de fuga del sistema, terminada en 1471, ya muerto Brunelleschi. En ella se emplean volutas.
Estilo: esta cúpula es la primera obra renacentista. Está inspirada en los sistemas de construcción romanos, especialmente en la cúpula del Panteón de Agripa, y también en la tradición gótica, pero los supera . Unifica y centraliza el espacio del edificio.

El autor: Brunelleschi, Filippo (1377-1446). Genial arquitecto, orfebre, ingeniero y constructor de máquinas, fue el descubridor de la perspectiva moderna. Buen conocedor de matemáticas y geometría, inventó nuevas técnicas constructivas. Se inspiró en modelos arquitectónicos paleocristianos, romanos y góticos, pero racionalizándolos. Algunas de sus obras son: las iglesias de San Lorenzo y del Santo Spirito, la capilla Pazzi, la logia del Hospital de los Inocentes, el palacio Pitti, así como la obra estudiada, todas ellas en Florencia.

Significado: La cúpula superaba en altura y destacaba del resto de las edificaciones de la ciudad de Florencia. Dominaba la perspectiva y jerarquizaba el espacio urbano. Era el símbolo del orgullo de esta ciudad-estado, la más prestigiosa del siglo XV. La cúpula tendrá un enorme éxito y será muy imitada durante el Renacimiento, dentro y fuera de Italia. Miguel Ángel se inspiró en ella para su cúpula del Vaticano. Posteriormente, tanto en Europa como en América, se realizarán otras cúpulas siguiendo el modelo de Brunelleschi. Ejemplos: la cúpula de la catedral de San Pablo en Londres (siglo XVII) y la del Capitolio de Washington (comienzos del XIX).










sábado, 26 de noviembre de 2016

El Renacimiento - Arquitectura ( III )...




El oficio aprendido no era por lo común sólo el de la pintura, el de la escultura o el de la arquitectura; sin hacer justicia a los términos de la época, se podría afirmar que el joven aprendiz lo que quería conocer era el secreto de las artes, el de conseguir pintar o esculpir la figura humana y el de crear espacios, fuesen éstos los de la casa de Dios o los que tenían que mostrar el poder de lo humano.

Por ello no era extraño que un mismo artista pudiera decorar una silla de montar, un estandarte, fundir un bronce, pintar una pala de altar o trazar la planta de una iglesia. Las artes en realidad eran una capacidad creativa que confluía por lo general en una obra arquitectónica en la cual se integraban las distintas manifestaciones de lo artístico. Eso daba a la arquitectura cierta nobleza y al ar¬quitecto una mayor consideración social, si bien, como se ha dicho, el arquitecto también era práctico en otros trabajos artísticos; escultores fueron Brunelleschi, Michelozzo, Filarete, Bernardo Rosellino, Pietro Lombardo; trabajadores de la madera como Antonio de Sangallo, Giuliano de Sangallo y Benedetto da Maiano llegaron a levantar bellos edificios, igual que lo hicieron pintores como Bramante y Rafael, por no citar verdaderos humanistas con una visión integral del arte como lo fue Alberti. Y de éste es de quien se puede extraer la más lúcida definición de arquitecto renacentista: “Un arquitecto -afirmaba Alberti en su De re aedificatoria (1443-1445)- no es un carpintero o un ebanista... el trabajo manual no es más que un instrumento para el arquitecto que, por medio de una habilidad segura y maravillosa y de un método, es capaz de completar su obra... y para poder hacer esto, debe tener un discernimiento perfecto en cuanto a las ciencias más nobles y exactas”.

Este pensamiento sólo podía ser fruto del ideal humanista que se fue gestando en Florencia a lo largo de los últimos siglos medievales y que tuvo su floración a principios del Quattrocento. La arquitectura florentina de esta época es por definición la arquitectura renacentista; de Florencia a partir de la segunda mitad del siglo XV, esta arquitectura se expandirá por los diferentes centros humanistas: Urbino, Milán, Roma, Venecia, Nápoles... y sólo a finales de siglo traspasará las fronteras italianas para afian¬zarse lentamente en otras regiones europeas.


El Renacimiento - Arquitectura ( II )...




El «maestro de obra» medieval era un «práctico», alguien que construía formas pero que no daba razones sobre ellas, alguien que no teorizaba, que no se consideraba inventor ni menos científico. Para Vitrubio, el tratadista romano inspirador de la arquitectura renacentista, ésta era «una ciencia», y el arquitecto debía ser un estudioso, un teórico que entendiese lo que debía hacer, pero que, sobre todo, reflexionase sobre ello al tiempo que conociese los medios para llevarlo a cabo. En el Renacimiento, el arquitecto o, al menos, el arquitecto ideal, no es quien construye la arquitectura: la piensa; para él, lo importante es el concepto de la arquitectura, no la práctica de la misma.


Y ese principio emanado del mundo clásico, nunca abandonado del todo a lo largo de la Edad Media, es el que en el siglo XV convirtió al arquitecto en el más reconocido de los artistas, en el primero y durante mucho tiempo el único cuya labor llegó a tener el privilegio de ser considerada arte liberal; es decir, arte en el que el intelecto predomina por encima de la capacidad manual de las artes mecánicas.

Con todo, hay que tener en cuenta que el ideal no se correspondía exactamente con la realidad; en el Renacimiento, pintores, escultores, arquitectos e incluso poetas y filósofos no surgieron de las clases privilegiadas, sino de las clases medias acostumbradas al trabajo, fuese éste el del artesano o el del comerciante, y también, por lo común, no llegaron a alcanzar altas cotas sociales. Hubo, evidentemente, excepciones, como la de Brunelleschi, hijo de notario, y Alberti, hijo natural de un patricio, pero aun y con ello, el concepto de hombre que trabaja con las manos, aunque lo hiciera cerca de los centros de poder, fue el que dominó en aquellos que, después de poseer los mínimos conocimientos de lectura y escritura, ingresaban en un taller para aprender un oficio.






viernes, 25 de noviembre de 2016

Renacimiento - Arquitectura ( I )...


De las artes de los siglos XV y XVI, la arquitectura es quizá la que reciba de una manera más apropiada el calificativo de renacentista. La pintura, tenida en ocasiones como paradigmática del Renacimiento, apenas pudo contar con referencias clásicas, si no eran las literarias, recogidas por Plinio y, en menor grado, por otros escritores clásicos; la escultura griega era casi del todo desconocida en la época; sólo las copias romanas daban, y aún dan, conocimiento de lo que fue el arte de modelar el barro y de labrar la piedra de la antigua Grecia; la arquitectura, desde siempre, estuvo presente a los ojos de aquellos que quisieron verla.

Los arcos de triunfo, los templos, los anfiteatros, los circos, las termas con sus moles prepotentes, con sus piedras arruinadas por el tiempo o convertidas en cantera de lo cotidiano, fueron durante siglos testigos de un pasado glorioso que los humanistas recuperaron para cimentar un presente de esplendor. (...)

En los siglos XV y XVI, primero en Italia y luego en las demás regiones europeas, la arquitectura cambió porque tuvo que servir a nuevas necesidades, porque los poderes sociales exigieron nuevas maneras de expresión monumental. La sociedad acentuó el proceso de afianzamiento urbano ya iniciado en la época gótica; la arquitectura renacentista, principalmente en el siglo XV, es una arquitectura urbana. Los concejos municipales, la Iglesia, los príncipes, los burgueses convierten la ciudad en instrumento y manifestación de su poder y es entonces cuando se remodelan las casas consistoriales, cuando se concluyen las catedrales, cuando se amplían las viejas iglesias y conventos, cuando los patricios levantan sus palacios, cuando la ciudad toma conciencia de los problemas sanitarios y sur­gen los grandes hospitales.

La arquitectura renacentista hubo de crear nuevas tipologías para servir a las nuevas funciones y lo hizo volviendo los ojos hacia el pasado. La arquitectura se impregnó del ideal humanista pero el estudio de «lo antiguo» no supuso una mimesis.

La arquitectura del Renacimiento no se diferencia únicamente de la gótica por recuperar el vocabulario formal de lo antiguo. Los órdenes, los arcos, las bóvedas, las columnas o las pilastras se refieren al mundo romano, pero no configuran propiamente su lenguaje. Éste es el fruto de las exigencias de las nuevas funciones, de una nueva manera de componer las unidades arquitectónicas, de crear tipologías y también, como es lógico, de una nueva forma de establecer relaciones armónicas entre los elementos constructivos, de concebir el espacio y de crear un nuevo concepto de belleza, el de la belleza unitaria.

En este nuevo concepto de belleza, la perspectiva, en el sentido de ordenar matemáticamente la percepción de las formas en el espacio, también desempeñó un importante papel, como lo desempeñó la reflexión teórica sobre la propia labor.


sábado, 19 de noviembre de 2016

Sufragio Universal en España... 19 de noviembre, 1933.



¿SABÍAS QUÉ...?

Hoy, 19 de noviembre de 2016, se cumplen 83 años del  sufragio Femenino. Por ley, se extiende el sufragio universal a las mujeres, lo que permitirá votar en las Elecciones Generales de 1933.

Las mujeres votan por primera vez en unas elecciones generales  democrática.

http://www.efemeridespedrobeltran.com/es/eventos/noviembre-1/sufragio-femenino.-hoy-19-de-noviembre-de-1933-votan-las-por-primera-vez-en-espana

sábado, 12 de noviembre de 2016

Y llegó el Renacimiento (5ª parte)...


A partir del siglo XVI estos conocimientos comienzan a difundirse por toda Europa, pero antes de terminar esta brevísima introducción al Renacimiento hay que mencionar un hecho importante que marcó el paso de este periodo al Barroco, y que conocemos como la crisis Manierista. En 1527 los ejércitos del emperador Carlos V tomaron Roma y la sometieron a un brutal saqueo donde fueron hechos prisioneros el Papado y el Sacro Colegio Cardenalicio.

Durante nueve meses toda la cristiandad estuvo sin guía, augurando ya el cambio con la Reforma que desde Alemania se pedía con fervor. Un cambio que defraudó a muchos en su esperanza por la renovación de la iglesia porque no llegó a culminar hasta varios años después y sin cuajar en Roma. Pero, como indica André Chastel en su obra "El Saco de Roma "desde esta fecha ya nada fue igual: esta crisis no sólo supuso un trágico ejemplo de la guerra, sino que dio lugar a la difusión de una nueva mentalidad que afectó tanto a las artes como a las letras más allá de Italia.

Así surge el manierismo, término que deriva del vocablo italiano "Manieray" que se refiere a los distintos modos gramaticales de diverso significado. El significado más parecido sería estilo, aunque la maniera era considerada un atributo inherente al arte. La llegada del Manierismo está relacionada con la creación y práctica de un tipo completamente distinto en su personalidad, dotado de facultades individuales propias, esto suponía una liberalización en parte de las reglas estéticas que se promovieron desde las Academias del Renacimiento.

El Manierismo surge en un periodo de crisis como una transición no sólo debida a un antihumanismo, como se ha intentado ver, sino que se suman una serie de factores que, de manera inherente, hacen que aparezca la ruptura: el saqueo de Roma, la preparación del Concilio de Trento, la nueva orientación de las rutas comerciales, la revolución económica en toda Europa y la crisis econímica en el ámbito mediterráneo, que hacen realidad la crisis y también en parte la disolución del humanismo en Italia, en favor de una mentalidad que es por un lado racionalista hasta el límite, y por otro lado radicalmente antiintelectualista.

Esta crisis comenzó con la duda de si eran concordantes las necesidades espirituales y corporales con las creencias religiosas y la salvación, dando lugar a un arte donde lo espiritual no era representado como algo que se consumía en las formas materiales, sino que podía ser sugerido más allá de los límites de las formas.

De esta manera el manierismo como antihumanismo, como filosofía de vida y como nueva dirección por sus tendencias opuestas al Renacimiento, podría designarse como Contrarrenacimiento. El Manierismo es por tanto, una manifestación de crisis, la necesidad de nuevos horizontes para ser explorados que se produce , sobre todo en el ámbito del arte, y que augura el nacimiento de un nuevo periodo: el Barroco.


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